19세기 의류의 엠파이어 스타일과 엠파이어 스타일 드레스. 아름다운 패션의 창시자 엠파이어 스타일 건축에서 엠파이어 스타일이란?

16.06.2019

7082 2019-05-03 7분

"제국"에서 번역 프랑스 국민"제국 스타일"을 의미합니다. 그것은 건축과 응용 예술의 고전주의 운동을 나타냅니다. 제국 스타일은 나폴레옹 1세 보나파르트 통치 기간 동안 프랑스에서 시작되었습니다. Empire 스타일의 활발한 발전은 19 세기 초에 관찰되었지만 30 년대 이후로 대체되었습니다. Empire 스타일의 목적은 무적의 군대의 힘을 강조하는 강력한 국가와 권력의 대표자의 이념의 구현입니다.

특색

내부의 연극성과 건물의 건설적인 조직은 제국 스타일을 "왕실 스타일"로 지칭합니다. 주요 특징이 시간의 건물은 벽기둥, 치장 벽토 처마 장식, 높은 기둥 등 다양한 고전적인 세부 사항이 있습니다. 또한 사자의 발, 신화적인 스핑크스 및이 방향의 기타 구성과 같은 제국 스타일의 기념물이 복제되었습니다.

Empire 스타일에서는 형태의 대칭과 균형이 관찰되며 모든 장식 요소가 엄격한 순서로 배포됩니다. 값 비싼 세부 장식, 군사 테마 요소의 존재, 조각 및 표현 구성이 특징입니다.

발생 이력

세상에

제국 스타일은 18 세기 후반에 발생한 마지막이자 마지막 단계로 간주됩니다. 프랑스에서 고전주의를 부활시키는 과정은 보나파르트 황제 통치 기간에 시작되었습니다. 되살아난 무브먼트의 특징은 공식 스타일이었고, 그 본질은 공식 이름에 반영되었습니다.

제국은 유럽에서 상당히 널리 퍼져 있었고 19세기 초반 30년 동안 발전했습니다.

프랑스에서는 황실 스타일이 궁전 내부와 기념 건축물에 반영되었습니다. 제국 스타일의 건물의 경우 구성의 화려 함과 엄숙함이 특징이었습니다.황제의 궁정에서 일한 가장 유명한 프랑스 건축가:

피에르 퐁텐.
찰스 퍼시.

러시아에서

러시아 제국은 Alexander I Pavlovich의 통치 기간 동안 나타났습니다.그 당시에는 외국 건축가를 초대하는 것이 매우 유행이었는데, 특히 19세기 초 러시아에서는 프랑스 패션과 문화에 대한 적극적인 열정이 있었기 때문입니다.

Henri Louis Auguste Ricard de Montferrand는 러시아 건축에서 제국 스타일의 창시자 중 한 명으로 간주됩니다. 프랑스 건축가는 러시아에 초대되어 가장 큰 건물을 지었습니다. 정교회상트페테르부르크에서 - 성 이삭 대성당.

건축의 제국 스타일은 두 가지 영역으로 나뉩니다.

모스크바.
상트페테르부르크.

이 분할은 영토 기반으로만 결정된 것이 아닙니다. 그것은 또한 고전주의의 방향과의 분리 정도가 달랐습니다. 모스크바 방향이 훨씬 더 가깝습니다.

상트페테르부르크 제국 트렌드의 가장 인기 있는 인물은 칼 로시(Karl Rossi)입니다.이 시대의 덜 재능있는 건축가는 다음과 같습니다.

안드레이 보로니킨.
도메니코 길라르디.
안드레이 자카로프.
바실리 스타소프.
오스탑 보브.

조각가들 사이에서 인기가 높았습니다.

테오도시우스 슈케드린.
이반 매트로스.

러시아 조각과 건축의 제국 스타일은 10년(1830-40) 동안만 지배했습니다. 그러나 기간 1930-50. 소비에트 연방에서 이 운동은 몇 가지 퇴보된 형태로 되살아났고 "스탈린 제국"이라는 이름을 받았습니다.

사진은 건축가 Karl Ivanovich Rossi가 설계한 Mikhailovsky 궁전을 보여줍니다.

미하일로프스키 궁전, 칼 이바노비치 로시

스탈린 제국

러시아 제국 스타일은 기념비적이고 건축적인 예술에서 선도적인 위치를 차지했습니다. 소련 1940-50년대. 다양한 방의 장식은 목재 가구거대한 형태, 청동 조각상, 램프 및 상당한 높이의 천장 아래 치장 벽토 몰딩.

수도에 위치한 스탈린 고층 빌딩은 스탈린 제국 시대, 특히 건축의 상징입니다. 모스크바에서는 1950년대 말까지 당시 가장 높은 건물 7개가 세워졌습니다.

스탈린주의 제국 스타일은 나폴레옹 시대의 이미지와 고전주의 (후기)를 결합합니다.

가장 밝은 예 인테리어 디자인이 방향으로 조직 된 것은 Central Moscow Hippodrome 구내에 위치한 연회장입니다. 사진은 건물 건축에서 제국 스타일의 엄격한 특징을 명확하게 보여줍니다.

중앙 모스크바 경마장

가구 내부를 장식할 때 조각이 사용됩니다. 캐비닛과 캐비닛의 표면에서 부조 형태를 관찰할 수 있습니다. 다섯개의 별, 옥수수의 귀와 월계관.

스탈린주의 제국에서 중요한 역할은 방을 비출뿐만 아니라 대표적인 엄숙한 모습으로 구별되는 샹들리에였습니다. 그들은 청동으로 만들어졌으며 수정 펜던트로 장식되었습니다. 다양한 방의 장식을 구성하기 위해 대리석, 청동, 크리스탈, 도자기, 나무와 같은 독점적으로 천연 재료가 사용되었습니다.

내부

Empire 스타일의 인테리어는 명확한 형태의 선과 표면 마감 측면에서 특이한 솔루션이 특징입니다. 고대 거장의 벽 카펫, 수많은 금속 장식품 및 금박 프레임의 그림이 특징입니다. 경험적 방향의 주요 특징은 다음과 같습니다.

엄격한 라인.
형식의 엄숙함.
작곡의 화려함.

Empire 스타일의 건물 인테리어 디자인은 풍부한 색상으로 구별됩니다. 밝은 색상이 사용됩니다: 금색, 파란색, 파란색, 흰색 또는 빨간색.브론즈와 골드 스플래쉬가 이 팔레트에서 완벽하게 결합됩니다.

내부 액세서리에는 고대 로마 군대의 군사 장비에 대한 세부 정보가 포함됩니다.

독수리를 묘사한 군단병의 흔적.
움큼에 수집 된 화살표입니다.
창 묶음, 부조가 있는 방패.
축.

조각상의 다양성은 신화 구성과 고대 이미지의 조화로운 조합에서 관찰됩니다: 승리의 여신, 스핑크스, 카리아티드 또는 그리핀.

가구

Empire 스타일 가구는 건축 및 인테리어 트렌드가 모두 특징입니다. 헤드셋 제조에는 호두와 마호가니가 사용됩니다. 자작 나무 (Karelian)로 만든 가구는 러시아 건물의 내부에 사용되었습니다. 표면은 금박 또는 청동 오버레이로 장식되어 있습니다. 그들은 헬멧, 방패, 교차 창 또는 칼, 월계수 잎 화환과 같은 군사 모티브를 묘사합니다. 의자 등받이는 곡선형 거문고 모양으로 되어 있습니다. Empire 시대의 가구 세트는 편안함이 다르지 않다는 점은 주목할 가치가 있습니다.

제국 패션

제국 패션의 형성은 혁명 이전의 프랑스에서 시작되었으며 보나파르트에서 대중화와 활발한 발전이 관찰되었습니다. 제국은 이상에 대한 관심이 증가한 것이 특징이었습니다. 고대 시대. 19세기의 20년대 이후, 제국 스타일의 패션 트렌드원활하게 새 것으로 전환되었습니다.

옷 스타일의 특징

파리 여성 패션의 트렌드세터는 다음과 같습니다.

조세핀 보하네스.
테레사 탈리엔.
마드모아젤 랑게.

Teresa Tallien 덕분에 제국 스타일의 드레스가 유행하게 되었고, 이는 사람들의 시선을 사로잡았습니다. 여성 다리우아한 신발부터 엉덩이까지. 이 패션은 프랑스어로 "벌거벗은"을 의미하는 "ala sauvage"라는 특징적인 이름을 받았습니다.

영국에서 넬슨 호레이쇼(Nelson Horatio) 제독의 정부였던 엠마 해밀턴(Emma Hamilton)은 이 운동을 영국에서 대중화하는 데 참여했습니다.

나폴레옹이 왕위에 오른 후 여성복은 더 폐쇄되었지만 드레스의 전체적인 실루엣은 보존되었습니다. 나폴레옹 시대에는 부피가 큰 골동품 장신구, 벨벳, 두꺼운 비단이 등장했고, 긴 기차는 금자수 부조로 장식되었습니다. 여성복에 금 자수를 놓는 아이디어는 황제와 협력하여 개발되었습니다.

봉제 드레스에는 바티스트, 풀라드, 얇은 명주 그물, 모슬린, 크레이프, 모슬린 또는 레이스와 같은면 및 린넨 소재가 사용되었습니다.

밝은 색상의 드레스는 사회에서 높은 지위의 증거였습니다. 이때 그들은 직물 재료를 표백하는 기술을 습득했습니다.

외관상 여성용 드레스는 셔츠와 비슷했습니다. 높은 허리 위, 가슴 아래에는 넓은 리본 형태의 벨트가있었습니다. 팔과 목은 열려 있었다.드레스의 바닥은 반짝이, 셔닐 및 스팽글로 가득 찬 은색과 금색 실로 수 놓은 것입니다. 춤과 방문을 위한 드레스는 짧은 소매에 퍼프로 보완되었습니다.

튜닉 같은 의상 속에 스타킹이나 살색 셔츠(shmiz)를 입었다. 탄력 있는 여성의 형태는 얇은 물질을 통해 명확하게 보였다. 천은 때때로 몸에 닿도록 물에 적셨습니다. 넓은 네크라인은 목과 가슴을 최대한 깊게 열어주었다.

여자가 거리에 나가면 깊은 목선을 가리는 것이 관례였습니다. 얇은 옷 위에 레이스가 달린 맨틀을 착용하고 하나의 고리로 앞쪽에 고정했습니다. 추운 계절에는 레딩곳(모직 코트)과 스펜서(따뜻한 짧은 재킷)가 사용되었습니다.

필수적이고 값 비싼 액세서리는 다색 술이 달린 목도리였습니다. 네크라인은 반으로 접힌 삼각형 또는 직사각형의 투명 스카프(fichu)로 덮여 있었습니다. 두꺼운 깃털로 만든 보아와 짧은 모피 스카프는 기혼 여성의 복장에서 관찰되었습니다.

스타킹은 장식용 자수(참나무와 월계수 잎)와 은사로 만든 화살로 착용했습니다. 그들은 밝은 그늘 (팔꿈치 위)의 긴 장갑을 착용합니다.

신발은 긴 발가락이있는 "보트"형태로 평평한 밑창에 꿰매어졌습니다. 여성용 신발 제조를 위해 새틴 (파란색, 흰색 또는 분홍색)과 고대 이미지의 예를 따라 다리 주위에 묶인 리본이 사용되었습니다.

Empire 스타일의 남성 의류는 특별한 초과분에서 다르지 않았습니다. 양복은 주로 어두운 색그리고 스탠드업 칼라가 있는 연미복, 양복 조끼, 흰색 셔츠와 가벼운 바지로 구성되어 있습니다. Redingots, 키가 큰 모자 및 frock 코트는 상당한 인기를 얻었습니다.

헤어스타일 특징

그들의 헤어 스타일에서 Empire 스타일의 패셔니 스타는 그리스와 로마 패턴을 모방했습니다. 많이 수집 된 머리카락이 땋아졌습니다 (특수 메쉬도 사용됨). '프시케의 매듭'은 뒷머리를 뽐내며 단순한 묶음이었다. 부드러운 헤어스타일은 꽃과 화려한 리본으로 장식하고 헤어짐도 함께 했다. 헤어피스가 유행하고 사랑스러운 숙녀의 이마는 곱슬 머리 아래에 숨겨졌습니다. 후프, 왕관 또는 feronnieres는 머리에 대한 추가 장식으로 사용되었습니다. 특히 인기있는 것은 월계관 또는 오크 잎, 스파이크 및 천연 꽃.

왕실 스타일의 특징

결론

제국은 르네상스에서 절충주의로 넘어가는 과도기적 단계가 되었습니다. 이 기간 동안 몸을 열고 탄력있는 형태를 과시하는 여성 의상의 큰 변화가 있습니다. 제국 스타일은 건축 및 기념비적 예술 분야에 영향을 미쳤습니다. 새로운 건물이 세워졌으며, 특징그것은 공통 구성에서 여러 역사적 스타일의 조합이었습니다.

현대 디자이너는 Empire 시대의 독창적인 제작자의 아이디어를 기반으로 주거용 건물과 상업용 건물에 독특한 인테리어를 만듭니다.

제국은 18세기 후반에 등장한 고전주의의 마지막 단계이다. 나폴레옹 보나파르트 시대에 고전주의는 그 이름에 반영된 공식 양식으로 다시 태어났다. "제국"이라는 단어는 프랑스 제국 - "제국"에서 파생됩니다. 이 스타일은 프랑스뿐만 아니라 다른 많은 유럽 국가에서도 빠르게 퍼졌습니다.

집에서 제국 스타일은 기념 건축물의 엄숙함과 화려함, 궁전 내부의 웅장함으로 구별되었습니다. 이 스타일의 입법자는 나폴레옹의 궁정 건축가인 Charles Percier와 Pierre Fontaine이었습니다.

건축의 제국은 건물의 외부 및 내부 디자인의 연극성을 특징으로하는 소위 왕실 스타일 중 하나입니다. 이 스타일의 특징에는 기둥, 치장 벽토 처마 장식, 벽기둥 및 기타 고전 요소의 필수 존재가 포함됩니다. 또한 고대 조각의 사용과 그리핀, 스핑크스, 사자 등이 있는 조각 구조는 제국 스타일의 전형입니다.

제국 스타일의 건축물에서 유사한 장식이 대칭을 엄격하게 준수하면서 질서 정연하게 배열됩니다. 권력과 국가의 힘에 대한 아이디어는 로마 제국, 고대 그리스 및 고대 이집트에서 차용한 군사 상징의 요소와 함께 거대한 기념비적 형태와 풍부한 장식으로 강조되었습니다.

러시아 제국

19세기 초에 프랑스 문화는 러시아 사회의 상류층 사이에서 유행했습니다. 상트페테르부르크와 다른 도시에서는 많은 국가 건물과 부유한 시민의 집이 다른 나라에서 초청된 건축가에 의해 지어졌습니다. 성 이삭 대성당 건설을 위해 황제 알렉산더 1세는 나중에 "러시아 제국"의 창시자가 된 젊은 프랑스 건축가 오귀스트 몽페랑을 초대했습니다.

러시아에서는이 스타일이 상트 페테르부르크와 모스크바로 나뉩니다. 이 구분은 제국 스타일에서 더 강하게 느껴지는 고전주의에 대한 근접성만큼 영토적 특징에 기반을 두지 않았습니다. 상트페테르부르크 경향의 가장 유명한 건축가는 미하일로프스키 궁전 앙상블, 참모총장 건물과 개선문이 있는 궁전 광장 앙상블, 앙상블을 만든 칼 로시(Karl Rossi)였습니다. 상원 광장상원과 시노드의 건물과 함께.

장엄한 제국 스타일로 제국 스타일의 부활은 XX 세기의 30 년대 중반에서 50 년대 중반까지 소련에서 일어났습니다. 이 건축 방향을 "스탈린 제국"이라고 불렀습니다.

19세기 초 유럽의 고전주의에 이어 제국 스타일이 유행했습니다. 역사에서 고대 그리스에 이어 고대 로마는 고전주의가 제국 스타일로 대체되는 것처럼 강력하고 영향력이 커집니다. 고전주의는 고대 그리스의 영향과 더 관련이 있으며 제국 스타일은 고대 로마의 예술, 즉 제국 시대의 로마의 영향을 받았습니다.

제국 스타일의 시대 - 1800-1825. 제국은 제국을 의미하며 나폴레옹 시대, 즉 그의 성공, 그의 승리의 시간 동안 프랑스에서 유래합니다. 결국, 제국은 고대 로마와 현재 파리에서 모두 제국의 스타일, 승리를 기리기 위해 세워진 개선문, 개선문 스타일입니다.

제국은 소위 스탈린주의 제국이라고 불리는 20세기에 나타날 것입니다. 스탈린주의 제국 스타일의 건물과 전체 건축 앙상블은 키예프, 모스크바 및 민스크에서 찾을 수 있습니다. 그래서 민스크에서는 역에서 BNTU 건물까지의 전체 독립 도로가 스탈린 제국 스타일, 제국 스타일의 정신으로 설계되었습니다.

카잔 대성당은 제국 스타일로 지어졌으며 스탈린주의 마천루는 스탈린 제국 스타일로 지어졌습니다.

제국 스타일은 항상 위대한 화려 함, 광채, 거만함으로 구별됩니다.

그러나 19세기 초로 돌아가 봅시다. 건축과 마찬가지로 패션에서도 제국 스타일이 자리를 잡고 있습니다.

Empire 의상의 실루엣은 가늘고 긴 기둥의 원통형 윤곽을 나타내는 원통형 모양을 가지고 있습니다. 단색 릴리프 자수, 대칭 장식 장식, 촘촘한 광택 직물이 사용됩니다.

남성 의류의 경우 고전주의 시대에 다시 등장한 연미복이 일반화되고 있습니다 - 높은 스탠드 칼라가있는 모직, 반드시 어두운 색조 - 검정, 파랑, 회색, 갈색.

그들은 가벼운 양복 조끼와 같은 가벼운 바지로 연미복을 입었습니다.

겉옷은 또한 이전에 등장한 redingot 또는 frock 코트로 남아있었습니다. 프록 코트는 점차 남성 비즈니스 슈트의 주요 요소가되고 있습니다. 그리고 가을과 겨울에는 이중 또는 삼중 칼라 또는 망토가 달린 레딩고트를 착용했습니다.

헤어 스타일 - 대부분 짧고 머리에 - 측면에 작고 곡선 필드가 있는 모자.

신발 - 신발 및 부츠.

그러나 여성복에 대한 제국 스타일의 영향은 특히 강력했습니다. 엠파이어 스타일의 여성복의 눈에 띄는 특징은 1:7과 1:6의 비율로 그림을 나누는 하이 웨이스트와 스트레이트 롱 스커트와 좁은 몸통입니다.

바로크 시대에 유행했고 고전주의 시대에는 유행하지 않았던 코르셋이 제국 시대에 다시 돌아옵니다. 부드럽고 가벼운 천은 조밀한 실크와 같은 조밀한 천으로 대체되고 있지만 얇은 투명 천도 사용되지만 항상 조밀하고 종종 실크 안감에 있습니다.

주름 장식, 주름 장식, 레이스, 자수와 같은 여성 의상에 점점 더 많은 장식 요소가 나타납니다. 자수는 종종 금색과 은색 실, 반짝이는 스팽글이 있는 일반 흰색 새틴 스티치로 만들어집니다.

Empire 스타일의 드레스 자체는 기차, 낮은 목선, 넓은 팔목이있는 짧은 퍼프 슬리브가 특징입니다.

19세기 초 짧은 스펜서, 면과 모직물로 만든 싱글 브레스트 코트, 벨벳, 새틴(모피 안감)으로 트리밍한 싱글 브레스트 코트가 19세기 초 여성용 겉옷에 등장했습니다. 겉옷은 드레스의 세부 사항의 실루엣, 모양 및 컷을 반복합니다.

모자 - 다양한 스타일의 후드, 때로는 베일이 있는 현재 유형의 모자.

Toka는 나폴레옹 시대에 정확히 등장한 머리 장식입니다. 깃털로 장식된 검은색 벨벳 모자였다. 그러한 모자는 ... 국장, 즉 국장에 묘사되었습니다. 국장 소유자의 호칭에 따라 띠의 색과 깃털의 수가 바뀌었다. 예를 들어, 귀족의 문장에 묘사 된 현재에는 녹색 밴드와 하나의 깃털이 있습니다.

곧 여성들은 챙이없고 둥근 머리 장식을 착용하기 시작했습니다.

바로크 시대와 마찬가지로 19세기 초에는 헤어스타일과 머리 장식, 즉 화려함과 우아함에 많은 관심을 기울였습니다.

장갑도 사용됩니다. 긴 아동용 장갑, 때로는 손가락이없는 소위 장갑.

신발 - 신발, 플랫 및 오픈, 가죽 및 낮은 굽.

진주 (인공 및 자연 모두), 카메오, 왕관, 목걸이, 목에 여러 번 감긴 목걸이, 팔찌, 반지, 팔찌도 다리에 착용하고 펜던트가 달린 귀걸이 .

19세기 초 제국 스타일의 끊임없는 트렌드 세터는 나폴레옹 보나파르트 조세핀의 아내였습니다.

오늘날 의류의 제국 스타일은 주로 드레스와 sundresses로 표현됩니다. 매우 아름다운 웨딩 드레스. 그러나 오늘날 Empire 스타일의 특징은 19 세기 초와 동일합니다. 높은 허리선, 가슴 아래에 필수 리본의 존재, 흐르는 실루엣과 가벼움. 길이는 XIX의 시작 부분과 같이 발가락까지일 수 있지만 짧을 수도 있습니다.

자른 스커트가있는 Empire 스타일의 드레스는 이미지에 특정 여성 스러움과 인형극, 순진함을 부여합니다. 이 인형극 때문에 그러한 드레스의 스타일 이름이 아기 인형 스타일로 나타났습니다.

Empire 스타일의 웨딩 드레스는 전통적인 Empire 실크와 쉬폰뿐만 아니라 수 놓은 것입니다. 그런 사람들을 위한 신발 웨딩 드레스밑창이 평평한 샌들 또는 신발을 신으십시오. 하이힐. 머리카락은 직선으로 갈라지고 부드럽게 빗어지며 컬이 이마에 떨어집니다. 머리카락이 길면 두 가닥으로 땋아 머리 뒤쪽의 그물망에 엮습니다.

Empire 스타일 드레스의 장점은 거의 모든 사람에게 어울린다는 것입니다. 그래서 뚱뚱한 소녀들그들은 가슴을 강조하고 충만 함을 숨기는 데 도움이 될 것이며, 소년 같은 모습을 가진 소녀에게는 여성 스러움이 주어질 것입니다. 그리고 키가 작은 소녀들에게 제국 스타일의 드레스는 키가 더 크고 당당하게 보이게 합니다.

이 스타일의 본질은 이미 그 이름으로 표현되어 있습니다. 제국 - 프랑스 "제국", 제국. 고객은 한때 로마 황제를 에워쌌던 화려함과 화려함으로 자신을 둘러싸고자 했습니다. 이 인테리어의 고객은 수년 동안 시바라이트의 삶을 살아 왔습니다. 수년에 걸쳐 많은 세련된 인테리어가 이미 지나갔지만 그의 사고 방식과 생활 방식으로 인해 그는 오랫동안 아파트 소유자에게 자신의 지위에 대해 모든 것이 말하는 장엄하고 차분한 인테리어에 끌렸습니다.

아파트 공간의 개발은 스타일의 규범을 직접 준수하는 성격입니다. 벽, 천장, 틈새, 바닥 및 캐비닛 가구의 표면은 다시 기둥, 기둥, 처마 장식으로 처리되기 시작합니다. 장식 모티브는 벽과 천장 디자인에 나타납니다: caryatids, 골동품 요소, 벽화.

제국 스타일의 내부는 평화, 질서, 부분의 완전한 균형 및 엄격한 대칭이 지배합니다. 바닥은 유색 나무로 만든 쪽모이 세공 마루로 덮여 있습니다. 천장이 그려져 있다 화이트 색상간단한 장식으로 모퉁이에서 내리거나 서명하십시오. 벽은 때로 고풍스러운 옷을 입힌 천으로 덮거나 엄격한 패턴의 벽지로 덮습니다. 경제적으로 인테리어 색상에 도입된 금박을 입힌 청동의 밝은 색상과 반점은 선의 심각성과 흰색의 심각성을 다소 완화합니다.

아마도 우리는 프로젝트의 복잡성에 대해 많은 이야기를 하고 관객이 내부 사진을 보도록 해서는 안 됩니다.

건축 스타일 / 제국 스타일 / 건축 및 인테리어의 제국 스타일

제국이집트의 모티프와 결합된 일종의 로마 고전을 반영한 건축 및 인테리어 스타일입니다. 라틴어로 번역된 "imperium"은 명령, 권력을 의미하고 프랑스어로 번역하면 Empire "empire"는 제국을 의미합니다.

제국 스타일은 화가 J.-L. 덕분에 프랑스에서 19세기 초에 나타났습니다. 데이비드. 그는 위대한 황제와 그의 제국을 찬양하는 그림을 위해 특별한 가구를 주문 제작하여 나폴레옹과 그의 수행원을 크게 기쁘게 했습니다.

제국의 전성기는 부르주아 혁명 이후 프랑스에서 관찰되었습니다. David의 아이디어에서 영감을 받은 건축가 Charles Percier와 Pierre Fontaine은 나폴레옹 1세의 궁전과 영지(Malmaison, Fontainebleau, Versailles, Louvre 및 Tuileries)를 이 스타일로 설계했습니다. 이 가식적이고 호화로운 스타일로 나폴레옹은 로마 제국의 위대함을 보여줄 뿐만 아니라 프랑스 소유의 지배와 평행을 이루려고 했습니다.

1812년의 애국 전쟁 후 제국 스타일이 러시아에 나타났습니다. 그는 귀족의 부와 세련미와 관련이 있었는데, 그는 가장 값비싸고 아름다운 재료. 따라서 가구는 일반적으로 마호가니 또는 호두로 주문 제작되었습니다. 나중에 러시아에서는 카렐리야 자작나무를 사용하기 시작했습니다. 이는 마호가니 수입을 금지했기 때문입니다. 카렐리야 자작나무 쪽모이 세공 마루는 높이 평가되었습니다. 색 구성표나무, 예술가는 바닥에 비정상적으로 아름다운 패턴 구성을 만들 수 있습니다.

암페어 스타일의 가구는 기능, 편의성 및 우아함으로 구별되었습니다. 접는 가구가 자주 사용되었습니다. 4인용 식탁이 1분 만에 거대한 저녁상손님을 받기 위해. 의자의 디자인은 너무 복잡해서 이젤을 만들 수 있을 정도였습니다. 인체의 형상을 재현한 의자와 소파는 편안함과 세련미가 돋보입니다. 등의 부풀어 오름이 다리로 부드럽게 전달되었습니다. 다리는 종종 동물이나 새의 발 형태로 만들어졌습니다. 부유한 집, 궁전 및 사유지의 분위기를 디자인하고 창조하면서 건축가는 스타일의 통일성을 달성하고자 했습니다. 가구 장식 패턴, 벽, 인테리어 요소, 쪽모이 세공 마루 및 천장 장식 - 모든 것이 서로 결합되고 조화를 이룹니다. 일단 러시아에서 이 스타일은 "나폴레옹" 제국 스타일보다 로마 고전주의와 더 유사해졌습니다.

프랑스 제국은 고전주의와 다소 달랐다. 이것은 특히 색 구성표에서 두드러졌습니다. 고전주의에서는 제국 스타일에서 빨간색, 파란색 및 흰색과 같은 나폴레옹 깃발의 밝은 색상과 같은 색상의 복잡하고 조화로운 조합이 우세합니다. 들어가기 다른 나라그리고 도시에서 이 스타일은 현지 규칙과 관습에 맞게 변형되었습니다. 우리 시대에 내려온 Empire 스타일도 많이 바뀌었고 오히려 Biedermeer라는 다른 이름을 받아 더욱 단순해졌습니다. . 색상이 더 조화로워지고 내부의 황금 요소가 주는 웅장함이 배경으로 사라졌습니다. 우리 시대에는 청동 부품과 금처럼 보이도록 만든 오버레이로 대체되었습니다. 사용된 목재의 형태와 유형은 변경되지 않았습니다. 기둥은 여전히 가구와 인테리어의 요소로 사용되며, 악기(예: 하프), 등산 식물.

건축 / 제국 / 제국의 스타일

이름프랑스 제국에서 온다 - 제국. XVIII-XIX 세기의 전환기에 프랑스에서 발생한 스타일. 유럽 고전주의의 오랜 발전의 유기적 완성이다. 주요 특징 이 스타일-- 군용 엠블럼 아이템과 거대하고 단순한 기하학적 모양의 조합. 그 출처는 A.가 구성의 엄숙한 엄격함과 명확성을 물려받은 로마 조각입니다.

A. 원래 XVIII-XIX 세기의 전환기에 프랑스에서 개발되었습니다. 프랑스 혁명 시대에 뚜렷한 시민적 파토스로 구별되었습니다. 나폴레옹 제국 시대에 예술은 군사적 성공과 통치자의 존엄성을 미화하는 것으로 여겨졌습니다. 따라서 다양한 종류의 개선문, 기념 기둥, 오벨리스크 건설에 대한 열정. 중요 요소건물의 장식 장식이 현관이 됩니다. 청동 주조, 판자 그림, 골방은 종종 실내 장식에 사용됩니다.

A. 고전주의보다 고대에 접근하려고 했다. XVIII 세기에. 건축가 B. Vignon은 Corinthian order를 사용하여 로마 peripter의 모델에 La Madeleine 교회를 지었습니다. 형태의 해석은 건조함으로 구별되어 합리주의를 강조하였다. 동일한 기능이 특징 개선문파리의 별 광장에 있는 별의 아치(건축가 찰그린). Leper와 Gonduin이 세운 기념 방돔 기둥(column " 대군")는 오스트리아 대포에서 주조된 청동 시트로 덮여 있습니다. 나선형으로 가는 옅은 부조는 승리한 전쟁의 사건을 묘사합니다.

A.의 스타일은 오랫동안 발전하지 않았고 절충주의의 시대로 대체되었습니다.

절충주의

다른 스타일 요소의 연결. 절충주의가 확고하게 자리를 잡았습니다. 현대 생활. 절충주의는 다양한 출처에서 가져온 세부 사항을 연결하여 서로를 희생시키면서 유리하게 재생하고 강조합니다. 절충주의의 비결은 두세 가지 스타일을 제한하고 질감, 색상 등을 통해 결합하는 데 있습니다.

절충주의 (그리스어 ekiektikos에서 - 선택 가능, 선택 가능) - 이질적인 예술적 요소의 조합; 일반적으로 예술 쇠퇴기에 발생합니다. 절충주의의 요소는 예를 들어 그리스, 이집트, 서아시아 등의 예술에서 차용한 형태를 결합한 고대 로마 예술에서 두드러집니다. 그들의 의견으로는 르네상스의 위대한 거장들의 창의성 측면에서 최고입니다.

예술사에서 가장 두드러진 장소는 19세기 중반의 절충주의 건축으로 점유되어 있으며, 고딕, 르네상스, 바로크, 로코코 등 다양한 역사적 양식의 매우 광범위하고 종종 무비판적으로 사용되었습니다. .); 그러나 이 건축 및 디자인 절충주의는 건축 및 장식 모티프의 "선택의 자유"와 함께 본질적으로 전체론적 형성에 중요한 영향을 미쳤지만 다양한 출처, "현대" 스타일.

순수 예술 분야에서 절충주의는 살롱 아트의 가장 전형입니다. 절충주의 경향은 20세기 중반 이후 서유럽과 미국 문화에 널리 퍼졌습니다. 포스트 모더니즘의 형성과 "회고주의"의 유행과 관련하여 장식과거의 특정 문체 경향(19세기의 절충주의 포함)을 복사합니다.

XIX 세기 후반의 모스크바 건축에서. 가장 큰 국가 및 교회 건물의 "러시아 비잔틴 양식"과 국가 문화의 부흥을 표현하기 위해 설계된 공공 건물의 "러시아 양식"과 함께 많은 건물 (역, 은행, 무역과 같은 완전히 새로운 유형 포함) , 사무실 건물, 대형 연립 주택), "유럽"요소, 소위 "역사적"스타일 (네오 르네상스, 네오 바로크, 네오 로코코, 네오 고딕)이 사용되었습니다. "다중 스타일"에도 불구하고 절충주의는 "러시아" 또는 "유럽" 스타일(빨간색 및 루뱌카 광장, Kitay-gorod 개발). 모스크바의 역사적인 부분의 현대적인 모습은 주로 절충주의에 의해 형성되며, 그 기본 원칙은 확장된 규모의 개발 요구 사항에 해당합니다. 절충주의의 "파사드"건축은 세부 사항의 일부 단편화와 단조로운 반복에도 불구하고 건물의 정면 표면에 더 큰 안도감과 그림을 부여했으며 소박함, 질서 장식의 형태, 풍부하게 장식 된 architraves, 정교하게 만들어진 장식 치장 벽토 몰딩, 치장 벽토를 적극적으로 사용했습니다. 아틀란티스인과 카리아티스의 인물을 포함한 조각, 부조 및 동상; 퇴창의 모습은 장식 구조에 강한 플라스틱 액센트를 도입했습니다. 큰 건물의 도시 계획 역할, 멀리 떨어진 돔이나 능선이 있는 뾰족한 지붕에서 볼 수 있는 장관으로 끝나는 실루엣의 표현력에 많은 주의를 기울였습니다. 특징적인 특징 1870~90년대 모스크바의 건물들. 기념비적이고 대표적이고 종종 장식으로 과부하가 걸리며 때로는 건물 형태가 기괴하고 허세적이지만 그럼에도 불구하고 도시의 구조에 상당히 유기적으로 "포함"되어 있습니다 (Neglinnaya Street의 State Bank, 건축가 KM Bykovsky, 1893-- 95; Kuznetsk 다리의 국제 상업 은행, 건축가 S.S. Eibushitz, 1898; Sandunovskie 목욕, 건축가 B.V. Freidenberg, 1894--95). 절충주의의 공공 건물과 맨션은 다양한 "역사적 스타일"(고전화, 신고딕 양식, "무어" 등)의 실내 장식이 특징입니다.

구성주의

1920년대 러시아(소련) 예술의 방향. (건축, 장식, 연극 및 장식 예술, 포스터, 책 예술, 예술적 디자인, 디자인). 구성주의의 지지자, "디자인"의 과제를 제시 환경, 삶의 과정을 적극적으로 주도하고 새로운 기술의 형성 가능성, 논리적이고 편리한 디자인, 금속, 유리, 나무와 같은 재료의 미적 가능성을 이해하려고 했습니다. 구성주의자들은 사치의 과시를 단순하게 반대하고 민주주의의 물화와 사람들 사이의 새로운 관계를 보는 새로운 객관적 형태의 공리주의를 강조했다. 건축에서 구성주의의 원칙은 A. A. Vesnin과 M. Ya. Ginzburg의 이론적 연설에서 공식화되었습니다. 모스크바 노동궁(1923)에 대한 Vesnin의 프로젝트는 명확하고 합리적인 계획과 함께 모습건물의 구조적 기초(철근 콘크리트 프레임). 1924 년 구성 주의자의 창조적 인 조직 인 OSA가 만들어졌으며 그 대표자는 건물, 구조 및 도시 단지의 기능에 대한 과학적 분석을 기반으로 소위 기능적 디자인 방법을 개발했습니다.

소비에트 건축가의 다른 그룹과 함께 구성 주의자 (Vesnin 형제, Ginzburg, I. A. Golosov, I. I. Leonidov, A. S. Nikolsky, M. O. Barshch, V. N. Vladimirov 등)는 인구 밀집 지역의 새로운 원칙 계획을 찾고 생활, 새로운 유형의 공공 건물(노동궁, 소비에트 가옥, 노동자 클럽, 주방 공장 등)을 개발했습니다. 동시에 이론 및 실제 활동에서 구성 주의자들은 많은 실수를 저질렀습니다 (아파트를 "물질적 형태"로 취급, 공동 주택의 특정 프로젝트에서 삶의 조직에 대한 도식, 자연 및 기후 조건의 과소 평가 , deurbanism 아이디어의 영향으로 대도시의 역할에 대한 과소 평가).

구성주의의 미학은 여러 면에서 현대 예술 디자인의 발전에 기여했습니다. 구성 주의자 (A. M. Rodchenko, A. M. Gan 및 기타)의 발전을 기반으로 사용하기 쉽고 대량 생산을 위해 설계된 새로운 유형의기구, 부속품 및 가구가 만들어졌습니다. 예술가들은 직물 디자인(V. F. Stepanova, L. S. Popova)과 작업복의 실용적인 모델(Stepanova, V. E. Tatlin)을 개발했습니다. 구성주의는 포스터 그래픽(Stenberg 형제, GG Klutsis, Rodchenko의 포토몽타주) 및 책 구성(Gan, LM Lissitzky 등의 작품에서 활자 및 기타 조판 요소의 표현 가능성 사용)의 발전에 중요한 역할을 했습니다. . 극장에서 구성 주의자들은 전통적인 풍경을 배우의 작업 (V. E. Meyerhold, A. Ya. Tairov 제작에 대한 Popova, A. A. Vesnin 및 기타 작업)에 대한 무대 작업 작업에 종속된 "기계"로 대체했습니다.

구성주의의 일부 아이디어는 서유럽(W. Baumeister, O. Schlemmer 및 기타) 미술에 구현되었습니다. 외국 예술과 관련하여 "구성주의"라는 용어는 대체로 임의적입니다. 건축에서 이것은 현대 구조의 표현을 강조하려는 기능주의 내의 경향을 나타냅니다(A. Pevzner).

모더니즘

아르누보는 세기의 전환기에 그 시대의 스타일을 창조하려는 움직임으로 유럽 건축에서 태어났습니다.

19세기 후반부터 철근콘크리트와 유리를 중심으로 한 새로운 건축 자재가 널리 보급되고 공학이 발달하면서 건축적 창의성의 중요성이 떨어지기 시작했습니다. 엔지니어와 건축가 사이에 분업이 있었습니다. 건물 건설의 상당 부분이 토목 기사에게 돌아갔습니다. 건축가들은 주로 승리한 행군하는 건설장비에 대한 설계적용의 기능을 맡게 되었다. 건축가는 구성의 무결성에 대해 크게 생각하지 않고 엔지니어가 설계 한 구조를 장식하는 데 주로 종사했습니다. 절충주의와 장식의 지배가 건축을 지배했습니다.

지난 세기의 90년대에 아르누보는 건축 양식으로 정의되었습니다. 유럽 건축을 장악한 절충주의를 극복하는 수단이었다. Art Nouveau는 새로운 보편적인 합성 스타일을 만드는 목표를 추구했습니다. 한 작품에서 아르누보의 위대한 대가는 동화 유기체에서 건축, 조형 예술, 회화, 장식 예술을 결합했습니다. 응용 예술.

아르누보는 19세기 합리주의에 반대하여 생겨났다. 공공 건설에서 주철과 강철이 출현한 다음 산업 및 주거용 건물에서 건물 유형의 새로운 명명법이 형성되기 시작했습니다. 기능적 목적: 슈퍼마켓, 공공 도서관 등 주거용 건물은 기능 구역에 따라 설계됩니다. 합리주의는 마치 내부에서 나온 것처럼 발전했습니다. 기능은 형식을 결정하고 형식은 기능을 따릅니다.

이미 19세기의 70년대에 이르러 합리주의는 건축 및 예술적 경향이 아니라 공학이라는 의견이 확립되었습니다. 건축에서 아르누보 양식은 빠르고 웅장하게 번성했습니다. 지난 세기말 건축사 전체를 물들이며 우리 세기의 깊숙한 곳으로 들어왔습니다. 이 추세는 러시아의 "모던 스타일", 벨기에와 프랑스의 "아르누보", 오스트리아-헝가리의 "분리파", 독일의 "유겐트슈틸", 이탈리아의 "알베르티 스타일", 이탈리아의 "모던 스타일"이라는 이름으로 알려져 있습니다. 영국, 미국의 '티파니 스타일' 등

"모던 스타일"은 주로 도시의 저택과 값 비싼 건축에서 발전합니다. 아파트 건물, 컨트리 빌라 및 코티지. 아르누보 건축가는 건물의 계획과 구성을 형성할 때 볼륨 그룹화와 창과 문 개구부의 위치에 비대칭 솔루션을 대담하게 사용했습니다. 여기에서 매우 부유한 고객의 사생활에서 건축가의 상상력은 물질적 지원과 창의성의 자유를 찾습니다. 창문, 문, 계단의 형태는 거의 무한대로 다양해진다. 정면의 장식 장식, 특히 내부는 놀라운 세련미에 이릅니다. 유체 리듬의 표현력, 패턴 유약의 색상 및 질감이 매우 중요합니다. 세라믹 클래딩, 연철, 창문 및 문 스테인드 글라스 창문. 현대의 스테인드 글라스 창문은 더 이상 고딕 양식의 창문처럼 추상적이지 않고 생체 공학적인 자연 형태를 지니고 있습니다.

아르누보는 식물과 조개껍데기의 형태를 부드럽고 쉽게 휘어지는 선으로 양식화한 실루엣과 장식품이 특징입니다. 정면은 둥글고 때로는 환상적으로 구부러진 개구부의 윤곽, 단조 금속녹색, 라일락, 분홍색, 회색과 같은 차분한 색조의 유약 도자기. 건축에서 마치 자기 형성 형태가 퍼지는 것처럼 울고 부드럽고 장식 예술에서 - 양식화 된 장식이 표면에 들어온다, 자라며 감싸고 있습니다. 많은 장식용 아르누보 모티브는 주로 일본의 극동 예술에서 차용되었습니다. 이러한 동기는 나중에 널리 퍼졌습니다.

아르누보에서는 철근 콘크리트(이 시기에 나온 계산 이론)와 건설 및 장식 요소로 금속으로 널리 사용되었습니다. 유리는 금속 구조물에 널리 사용되었습니다. 이러한 건축 자재의 출현은 건축가와 건축업자의 창조적 의식에 영향을 미쳤습니다. 그들은 특이한 건설적이고 건축적인 솔루션을 촉발했고, 그들의 개발은 실제에 뿌리를 둔 절충주의에 반대했습니다. 현대는 철근 콘크리트를 새로운 것으로 재고하려고 합니다. 건축 자재미학적으로, 건설의 새로운 보조 도구가 아닙니다.

1900년 전기의 출현은 아르누보 인테리어를 형성하는 데 중요한 역할을 했습니다. 인공 전기 조명은 인테리어의 색각에 영향을 미쳤습니다. 내부에서 조명을 받는 스테인드 글라스 창은 건물에 독특한 매력을 부여하고 내부에 표현력을 부여했습니다.

의심할 여지 없는 모던함의 정복 - 디자인에 대한 전체적인 접근 개인실, 그들의 앙상블 솔루션을 위해 노력하고 있습니다. Art Nouveau는 특정 패턴의 바인딩과 이를 채우는 스테인드 글라스 창문이 있는 창 개구부 디자인에 특별한 관심을 보였습니다. 그는 벽 표면의 개별 인서트 라이닝과 창 개구부 디자인에 유약 타일을 적극적으로 사용했습니다. 정면, 창문 및 문 개구부 디자인의 주요 역할 중 하나는 평평한 석고 치장 벽토 장식으로 수행되었습니다. 꽃 - 창포, 양귀비, 다양한 허브뿐만 아니라 백합과 줄기가 길게 뻗어있는 기타 수생 식물 -은 스테인드 글라스 드로잉에서 장식 모티브로 사용되었습니다. 아르누보 그림의 전형적인 사행 모티프를 포함하여 기하학적 장식도 사용되었습니다.

유리 분야에서 위대한 기술 및 예술적 가능성이 열렸습니다. Lorraine에서는 E. Galle가 이끄는 Nancy School이 생겨 색상과 질감의 복잡한 색상 범위를 육성했습니다.

Art Nouveau는 정의에 따라 벽을 건설적이고 정적인 요소로만 해석하지 않습니다. 아르누보 시대에는 조각에 접근하는 건축적 볼륨에서 벽의 가소성을 표현하는 경향이 있었다. 창문은 스타일의 유기적인 표현이 되었습니다. 처음으로 창문과 아치형 개구부, 충전재 및 장식은 건물의 정면과 내부 모두에서 똑같이 중요한 스타일 구성 요소가 되었습니다.

방의 벽은 라일락, 녹색, 진주 회색과 같은 파스텔 색상으로 칠해졌습니다. 새로운 형태의 가구가 미묘하게 결합되었습니다. 가구와 헤드셋에서는 부드럽고 느린 물결 모양의 윤곽이 우세합니다. 이전과는 다른 종류의 목재도 사용되었는데, 특히 그레이 스모키 메이플이 많이 사용되었습니다. 때로는 패널 형태의 벽 하부 안감이 가구와 같은 종으로 만들어진 인테리어에 도입되었습니다. 실내 장식품곡선 패턴의 얼룩과 결합 된 큰 양식 꽃과 함께 희미한 부드러운 색조로 가장 자주 생산됩니다. 세라믹과 마졸리카는 건물의 외부 및 내부 클래딩에 사용되었습니다.

아르누보의 조상은 벨기에의 예술가이자 건축가인 Victor Horta입니다. 아르누보 양식이 형성되면서 생긴 형태의 신축 건물(잡화점)이 가장 흥미롭다. 그것은 큰 유약 표면의 사용이 필요했습니다. 이러한 관점에서 혁신적인 것은 1901년 브뤼셀에서 Horta가 지은 상점 "Innovation"이라고 부를 수 있습니다. 금속 바인딩으로 완전히 유리로 된 이 건물의 정면은 1층의 공동 거래실, 상층의 쇼핑 갤러리 및 통합 계단을 조명했습니다.

브뤼셀 대학교 교수인 에밀 타셀(Emile Tassel, 1892-1893)의 유명한 집은 새로운 스타일에 대한 일종의 선언문이 되었습니다. Eitveld와 Solveig라는 동일한 스타일로 두 개의 맨션이 더 지어졌습니다. Horta의 작품을 알기 위해 브뤼셀로 특별한 순례를 떠난 동시대 사람들은 Tassel 맨션의 정면, 금속 바인딩의 무질서함에 충격을 받았습니다. 큰 창문정면과 병합 된 것처럼 베이 창. Horta는 인테리어 디자인의 대가임이 입증되었습니다. 그것은 내부 공간을 근본적으로 변화시킵니다. 파티션을 잘 실행 된 파티션으로 교체하여 엽니 다. 금속 구조물. 투명 필름이 형성되는 방식으로 유리와 금속을 결합하여 그는 빛이 모든 곳으로 침투하고 계단이 생활 공간의 조명된 중심으로 변하는 것을 달성합니다. 맨션의 방은 빛으로 가득 차 있습니다. - Horta는 아래 안뜰 측면에서 맨션 1 층 면적의 절반을 차지했습니다. 겨울 정원, 그리고 위층의 통과할 수 없는 방은 유리 채광창으로 조명된 중앙 홀과 내부 계단 주위에 위치했습니다. Victor Horta는 금속과 유리를 사용하는 것뿐만 아니라 유기적인 특성을 드러냄으로써 새로운 건축적, 예술적 표현력을 부여하기 위해 노력했습니다. 그렇지 않으면 거의 고전적인 파사드에, 철창 '랜턴'의 돌 모서리는 내부의 존재를 강조하도록 설계되었습니다. 금속 프레임. 그는 본질적으로 신흥 부르주아 계급의 물질적 웰빙, 개성 및 세련미의 표현이 된 새로운 스타일을 찾고 발견했습니다.

Tassel 맨션에서 Horta는 먼저 "채찍 타격"이라는 라인을 적용했습니다. 금속의 텐션, 긴장되고 긴장된 시대 정신의 화신, 엠블럼을 비유적으로 표현한 것이다. 곡선의 우아함은 아르누보 건물의 창문과 스테인드 글라스 창문의 그래픽 아트와 양식화의 모델이 되었습니다.

독일에서는 새로운 스타일이 다른 유럽 국가보다 다소 늦게 퍼졌습니다. 그것은 "Jugendstil"( "Jugend"-이 운동의 지지자들이 그룹화 된 예술 잡지)이라고 불 렸습니다.

건축가 August Endel의 사진 스튜디오 "Elvira"(1897-1898)는 독일 아르누보의 프로그램 건물로 간주될 수 있습니다.

다른 나라들과 마찬가지로 철근콘크리트의 출현과 함께 지붕이 있는 시장, 전시관, 축제장 등의 건설이 발달하였다. 전면과 내부를 위한 독창적인 공간 솔루션은 유리와 금속을 광범위하게 사용하여 만들어졌습니다.

이 점에서 가장 흥미로운 것은 독일 건축가 Bruno Taut(1880-1938)입니다. 전시관인 그의 "철의 집"은 1913년 라이프치히에서 열린 건설 전시회에서 돔을 얹고 점차적으로 부피를 줄여나가는 형태로 지어졌습니다. 파빌리온의 각 면은 넓은 금속 스트립으로 분리되어 있으며 외부에서는 유리로 된 거대한 새장으로 인식되었습니다. 쾰른의 Werkbund 전시회를 위해 Taut가 지었고 "Glass House"라고 불리는 또 다른 파빌리온은 다이아몬드 모양의 유리판으로 구성된 큰 돔이 있는 투명한 12면체 볼륨이었습니다.

건축가 한스 펠치히(Hans Pelzig, 1869-1936)의 작품에서는 강조된 표현력이 눈에 띈다. 이것은 그가 Breslau에 지은 사무실 건물(1911)의 큰 창문의 수직이며, Poznań 근처의 Leoban에 있는 산업 화학 공장 창문의 크기와 모양이 리드미컬하게 다양합니다.

아르누보의 건축적 경향은 프랑스 건축에 대한 새로운 연구의 흐름을 가져왔고, 특히 의미심장한 것은 모방적 양식을 깬 최초의 양식적 경향으로 밝혀졌다. 1895년 파리에 오픈한 최초의 살롱 "아르누보". 회화와 조각(로댕), 응용미술, 갈레와 티파니의 유리가 공존하는 이곳, 보석류 Lolica, Bodsley, Bradley, Macintosh 그래픽.

프랑스 건축에서 아르누보의 대표주자는 헥토르 기마르(Hector Guimard)로 1899년 파리 지하철역 건설을 위한 발주를 받았다. 유기적 형태를 반복하는 이 비정상적으로 가벼운 유리와 금속 파빌리온에서는 구조적 요소와 장식적 요소의 조합이 특히 성공적이었습니다.

아르누보 스타일은 비엔나 지하철 건설에도 영향을 미쳤습니다. The Academy of Plastic Arts의 건축학과장인 "Secession"의 아이디어 대변인인 Otto Wagner는 과거의 반복을 없애고 시대와 조화를 이루는 새로운 스타일을 만들고자 했습니다. 바그너가 설계하고 건설한 지하철역은 아르누보 라인의 단순함과 순수함, 우아하게 윤곽이 그려진 창과 문 개구부, 대형 유리판, 금속 사용으로 구별됩니다.

아르누보를 언급할 때 "창문 - 건물의 눈"이라는 일반적인 문구는 특별한 의미를 갖습니다. 화려한 창과 스테인드 글라스 창은 이국적인 아름다움의 신비로운 모습으로 세상을 바라봅니다.

Antonio Gaudí y Cornet은 가장 독특하고 독창적인 아르누보 건축가입니다. 아르누보의 한가운데서 그의 작업은 너무 고립되어 "Antoniogound"라는 특별한 이름이 부여되었으며 그의 작업은 아마도 유럽 건축에서 가장 논쟁의 여지가있는 현상 중 하나 일 것입니다. 유명한 스페인 사람의 스타일의 특징은 암석, 나무, 조개 껍질의 복잡한 구성과 선을 모방하여 구조에서 자연의 복잡한 유기적 형태를 모방하는 것처럼 보이는 철근 콘크리트를 사용했다는 것입니다. 복잡한 치장 벽토 장식과 얽힌 철근 콘크리트 "눈썹" 아래에서 부드럽게 윤곽이 그려진 선의 창문이 소심하게 보입니다. 가우디의 가장 유명한 건물 중 하나는 "돌"을 의미하는 "라 페드레라"라는 별명으로 널리 알려진 밀라 하우스입니다. 모퉁이에 위치한 이 6층짜리 연립 건물은 거대한 바위와 비슷하고 창문과 문이 동굴처럼 생겼으며, 금속 부품발코니 난간 - 기괴한 등반 식물.

Art Nouveau의 제작자는 비대칭 형태와 구성에 자유롭게 의지합니다. 기이한 곡선으로 채워진 창과 문 개구부는 새로운 스타일의 건물의 살아있는 가소성으로 유기적으로 짜여져 있습니다.

아르누보는 엘리트주의적 현상만이 아니었다. 그는 대중문화의 창시자가 되었다. 합리주의가 50 년 만에 널리 퍼졌다면 회전 기계의 출현과 결과적으로 기차로 운송되는 신문 및 잡지와 같은 인쇄물의 대량 배포 덕분에 근대성의 씨앗이 단 일주일 만에 전 세계에 흩어졌습니다. 아르누보는 20-25년 동안 건축을 지배했고 기능주의와 표현주의에서 계속되었습니다.

디자이너에 따르면 일본식은 현재 가장 인기 있는 에스닉 스타일입니다. 이것은 주의를 과도하게 사용하지 않는 미니멀리스트 장식 스타일이며 공간은 조용하고 뚜렷하게 구성되어 있습니다. 영토가 작고 재정착된 국가에서는 공간이 특히 중요하므로 건물의 내부 배치가 부족함을 보완하기 위해 가구와 집의 친숙한 속성을 최소화하는 이유입니다. 일본인은 자연과 특별한 관계가 있으므로 일본식은 베이지색, 흰색, 크림색, 유백색과 같은 밝은 색상의 자연스러운 색상과 관련이 있습니다. 억제된 밝은 색상도 일본 가구의 특징이며 가구와 벽의 표면은 부드럽고 질감이 없습니다. 직물도 크림색과 흰색이며 대부분은 면과 실크입니다. 떠오르는 태양의 땅에서 휴식의 장소는 방의 중앙에 있습니다. 전형적인 디테일은 일본식 미닫이 벽과 물론 대나무 가구입니다. 상형 문자는 "일본 아래" 가정 디자인의 거의 피할 수 없는 속성입니다. 이러한 인테리어에서는 겸손한 낮은 가구, 다른 높이의 소파 및 테이블이 완벽하게 맞습니다.

Empire(후기 고전주의)는 로마 고전과 이집트 모티브를 유기적으로 결합한 건축 양식입니다. 러시아어로 번역된 Empire는 "제국, 명령, 권력"을 의미합니다. 스타일은 19세기 초 프랑스에서 형성되었습니다.

제국 아키텍처는 국가 변형의 개념을 사용하지 않습니다. 이러한 이유로 "제국"이라는 용어는 독점적으로 프랑스의 예술을 지칭합니다. 초기 XIX수세기.

유럽 제국의 기원과 운명

스타일은 양립할 수 없다. 민속 전통. 나폴레옹 보나파르트(Napoleon Bonaparte)는 예술을 권력을 강화하고 그의 위대한 군대의 공적을 영화롭게 하는 수단으로 여겼습니다. 제국은 한때 세계 지배에 대한 나폴레옹의 주장의 표현이었고 따라서 강제로 정복된 영토에 심어졌습니다. 그러나 패배 한 국가는 새로운 스타일을 받아들이지 않아 반대 방향 인 Biedermeier를 만들었습니다.

제국을 받아들인 유일한 나라는 러시아였다. 따라서 유럽 제국은 프랑스어와 러시아어의 두 가지 버전으로 제공되었습니다. 19 세기 중반에 스타일은 위치를 잃어 고전주의의 쇠퇴를 증언하는 다양한 절충주의 경향으로 자리를 잡았습니다.

프랑스 제국의 특징

스타일은 기하학적 정확성, 비례성, 완전성 및 기념비가 특징입니다. 건축의 제국은 주로 개선문, 기둥 및 궁전으로 대표됩니다.

건물의 정면과 내부는 종종 갑옷, 문장 독수리, 화환과 같은 군사 도구로 장식됩니다. 예를 들어 말메종 궁전에 있는 조세핀의 침실은 캠핑 텐트 형태로 만들어졌다. 궁전의 내부는 그림, 그림, 부조, 청동 및 꽃병으로 장식되었습니다. 금박을 입힌 청동 장식이 있는 짙은 색 목재 가구는 매우 화려해 보였다. 장식품은 꽃 형태와 환상적인 모티브가 지배적이었습니다.

Empire 스타일은 루브르 박물관, Fontainebleau, Malmaison과 같은 황제 거주지의 인테리어로 가장 명확하게 나타납니다.

Empire 스타일은 직선과 거대한 기하학적 볼륨을 선호합니다. 목적에 관계없이 건물은 고풍스러운 형태를 띠고 있습니다. 개선문은 좋아하는 형태가 됩니다.

패턴과 역설

고전주의 발전의 후기인 제국은 근본적으로 그것과 다르다. 그것은 고전적 형태의 퇴보를 반영하는 동시에 그 전통을 이어갑니다. 제국 스타일에서는 낭만주의의 특성도 발견됩니다. 고전주의가 부드러운 색조로 특징 지어지면 Empire 스타일은 파란색, 흰색 및 빨간색과 같은 보나파르트 국기의 화려한 색상을 선호합니다.