"러시아 사람들의 휴일, 전통 및 공예"라는 주제에 대한 과외 활동. 직업 "러시아 사람들의 전통과 공예"

25.09.2019

고대부터 도자기로 만든 접시와 기타 가정 용품은 러시아에서 널리 알려졌습니다. 주민이 도자기 도자기 제조에 종사하는 러시아의 가장 유명한 정착지 중 하나는 Gzhel입니다 (현재 도시는 모스크바 지역의 Ramensky 지역 영토에 있음). 17세기부터 그 이전까지 Gzhel은 도자기와 도자기 제조의 가장 유명한 중심지였습니다. 현지 장인의 제품은 러시아 전역에 배포됩니다. 옛날에 이 도시는 옛 신자-사제들의 중심지 중 하나였음을 주목해야 합니다. Gzhel의 전성기는 도자기 및 Faience 제품 생산 협회 M.S.의 활동 당시였습니다. Kuznetsov" XIX 후반 - XX 세기 초반.

우리에게 친숙한 Gzhel 색상 팔레트의 형성은 19 세기 초에 시작됩니다. 연구원들은 1820년대 이후 점점 더 많은 수의 Gzhel 제품이 흰색으로 칠해지고 파란색 물감으로만 칠해진다고 지적합니다. 오늘날 블루 페인팅은 Gzhel 제품의 특징입니다. 그러한 요리의 인기가 너무 높아 다른 지역에서도 비슷한 제품이 만들어지기 시작했지만 비슷한 파란색과 흰색 장식이있었습니다. 가짜도 많았다.

전문가들은 XX 세기의 80 년대에 우리에게 친숙한 Gzhel 스타일을 형성 한 작가의 작품 만이 정통 Gzhel 제품이라고 할 수 있다고 말합니다. 이들은 Azarova, Denisov, Neplyuev, Fedorovskaya, Oleinikov, Tsaregorodtsev, Podgornaya, Garanin, Simonov 등과 같은 예술가들의 작품입니다. 이 주인들 각각은 자신이 일하는 회사의 개인 서명이나 스탬프를 제품에 붙입니다. 마스터가 기업의 직원인 경우 복제를 위해 그의 제품이 생산 작업장으로 이전됩니다.

조스토보 회화

Demidovs의 야금 공장이 위치한 Urals의 XVIII 세기 중반에 새로운 유형의 공예품이 탄생했습니다. 지역 장인들이 금속 쟁반을 칠하기 시작했습니다. 인구의 많은 부분이 기도원과 교회가 있는 구신자들인 도시에 그러한 워크샵이 나타났다는 것은 흥미롭습니다. 이들은 1722년에 설립된 Nizhny Tagil, Nevyansk 및 Vyisk입니다. 그래서 이른바 타길 트레이가 등장했다. 이 공예를 감독한 산업가 Demidovs는 제품의 품질과 예술적 가치에 대해 매우 우려했습니다. 전문 인력을 교육하고 훈련시키기 위해 1806년에 학교를 설립했습니다. Tagil 쟁반의 역사적인 스타일은 이 학교와 가장 권위 있는 교사인 Imperial Academy of Arts V.I 졸업생 덕분에 만들어졌습니다. 알비쇼프.

칠해진 타길 쟁반은 전국 각지에서 팔렸다. 유사한 제품이 다른 곳에서 생산을 시도하기 시작했습니다. 가장 성공적인 시도는 모스크바 지방의 Zhostovo 마을에서 페인트 쟁반을 생산하는 조직이었습니다. 그곳에서 만든 쟁반은 19세기 전반부에 유명해졌습니다. 그 이후로 이러한 유형의 공예품은 "Zhostovo 그림"이라는 이름을 받았습니다. 지금까지 쟁반을 그리는 기술은 Nizhny Tagil과 Zhostovo에서만 보존되었습니다. 그림은 주로 검정색 배경(때로는 빨강, 파랑, 녹색)에서 수행됩니다.

그림의 주요 동기는 다음과 같습니다. 꽃다발, 무성한 정원과 작은 야생화; 우랄 풍경이나 고대 도시. 일부 오래된 쟁반에서는 사람, 멋진 새를 볼 수 있습니다. 칠해진 쟁반은 의도된 목적(사모바르, 저녁 식사 제공) 또는 장식용으로 사용됩니다. 트레이의 모양은 원형, 팔각형, 직사각형, 타원형으로 나뉩니다.

팔레크 미니어처

10월 혁명과 종교 박해가 시작된 후 팔레크 성상 화가들은 돈을 벌 수 있는 새로운 방법을 찾아야 했습니다. 따라서 많은 사람들이 옻칠 미니어처의 마스터로 재교육을 받았습니다. 이 유형의 미니어처는 papier-mâché에 템페라로 만들어집니다. 일반적으로 관, 관, 캡슐, 브로치, 패널, 재떨이, 바늘 케이스 등이 페인트됩니다. 검정색 바탕에 금색으로 그림을 그렸습니다. 1920~20세기 첫 팔레크 장인들이 사용한 지난 세기의 원천기술이 부분적으로 보존되어 있다.

Palekh 미니어처의 특징적인 플롯은 일상 생활, 고전 문학 작품, 동화, 서사시 및 노래에서 차용되었습니다. 많은 음모가 혁명과 내전을 포함한 역사의 사건에 전념합니다. 우주 탐사 전용 미니어처 주기가 있습니다. 21세기 초부터 팔레크 양식으로 작업하는 일부 거장들 사이에서 도상화 주제로 회귀하는 경향이 있었다.

Fedoskino 미니어처는 전통적인 러시아 래커 미니어처 그림의 또 다른 유형입니다. 수행 유성 페인트종이 뭉치에. 테크닉이 아이콘 페인팅에서 비롯된 Palekh의 미니어처와 달리 Fedoskino 미니어처는 원래 일종의 응용 예술로 형성되었으므로 보다 "세속적인" 글쓰기 방식입니다.

Fedoskino 미니어처는 18세기 말 모스크바 지방의 Fedoskino 마을에서 시작되었습니다. 미니어처의 주요 주제 : "troikas", "다과회", 농민의 삶의 장면. 러시아와 서유럽 예술가들의 그림 사본인 복잡한 다각적 구성으로 장식된 관과 관이 가장 높이 평가되었습니다.

19세기에 페도스키노 미니어처는 주로 장식용으로 사용되었습니다. 20세기 중반, 작가의 방향성이 발전하기 시작했다. 미니어처의 음모가 더 복잡해지기 시작했습니다.

코클로마

Nizhny Novgorod 장식 Khokhloma 그림은 러시아 전역에 알려져 있습니다. 이 공예품은 17세기에 Khokhloma 마을에서 시작되었습니다. 그것은 Sharpansky 및 Olenevsky sketes와 같은 큰 Old Believer 수도원으로 옛날에 알려진 Nizhny Novgorod 지방의 이전 Semyonovsky 지역의 영토에 위치하고 있습니다. Andrei Melnikov (Pechersky)의 유명한 소설에서 Semenovsky 지역의 Old Believers가 목재 도구 제조에 종사하는 것은 우연이 아닙니다. 그들은 또한 Khokhloma에서 이것을 했습니다. 그럼에도 불구하고 Khokhloma 마스터는 특이한 밝은 그림으로 러시아 전역에 알려졌습니다. 그들은 나무 도구와 가구를 그렸습니다. 주로 검은색, 빨간색, 황금색, 때로는 녹색이 사용되었습니다.

Khokhloma의 황금색 특성을 구현하기 위해 지역 장인이 제품 표면에 은 주석 분말을 도포하여 페인팅합니다. 그런 다음 광택을 내고 3~4회 소성하여 독특한 허니골드 색상을 얻습니다. 가벼운 나무거대함의 그릇 효과.

특이한 색상을 만드는 이 기술 덕분에 Khokhloma는 전 세계적으로 인기를 얻었습니다. 이 스타일로 만든 접시와 숟가락은 20 세기에 러시아 국가 요리의 상징으로 인식되기 시작했습니다.

Gorodets 그림은 19세기 중반에 이 지역에서 나타났습니다. 고대 도시 Gorodets, 니즈니노브고로드 지방. 고대 신자들의 노력을 통해 Gorodets는 모든 러시아 명성을 가진 목조 조선 및 빵 무역의 중심지가 되었습니다. 상인-노인 신자들은 교회 건축, 병원, 고아원 유지, 공교육 및 도시 개선을 위해 상당한 금액을 기부했습니다.

Gorodets 그림은 밝고 간결합니다. 그림의 주요 주제는 동화, 말 인형, 새, 꽃, 농민 및 상인의 삶의 장면입니다. 페인팅은 흰색과 검은색 그래픽 획으로 자유 획으로 수행됩니다. 물레, 가구, 셔터, 문, 상자, 호, 썰매 및 어린이 장난감은 Gorodets 그림으로 장식되었습니다.

그게 말이에요 대 까마귀 Gorodets 그림에 관하여:

니즈니 노브고로드 스타일은 그래픽적 구속의 한계를 극복하고 오로지 회화적 요소에 기반을 둔 순수 회화 예술의 가장 순수한 버전을 우리에게 제시합니다.

메젠 페인팅

나무에 Mezen 그림 (palashchelsky 그림)은 Mezen 강 하류에서 19 세기 말까지 개발 된 가정 용품, 특히 물레, 국자, 상자, 형제의 특별한 유형의 그림입니다. 고대부터 모든 해변과 마찬가지로 이 장소에는 옛 신자들이 거주했습니다. 그리고 1664년 12월부터 1666년 2월까지 대제사장 Avvakum은 Mezen 자체에서 망명했습니다. Mezen 그림이 있는 현존하는 가장 오래된 물레는 1815년으로 거슬러 올라갑니다.

메젠 그림의 예술적 모티브는 포모리에서 제작된 18세기 손으로 쓴 책에서 찾아볼 수 있습니다. 메젠 그림의 주요 색상은 검은색과 빨간색입니다. 기하학적 장식의 주요 모티브는 디스크, 마름모, 십자가입니다. 칠해진 물체는 건조유로 덮여있어 페인트가 지워지는 것을 방지하고 제품에 황금색을 부여했습니다.

19 세기 말에 Mezen 그림은 Aksenovs, Novikovs, Fedotovs, Kuzmins, Shishovs와 같은 장인 가족 전체가 일하는 Palashcheye 마을에 집중되었습니다. 1960년대 중반. Mezen 그림은 오래된 palashchel 마스터의 후손에 의해 부활되었습니다. F.M. Palaschye 및 S.F. 마을의 Fedotov. Selishche 마을의 I.S Fatyanova. 2018년 메젠 물레 전시는 새롭게 개관한 박물관의 첫 번째 행사였습니다. 모스크바 Stoleshnikov Lane의 Gilyarovsky.

볼로그다 레이스는 16세기 볼로그다 지역에서 시작된 러시아 공예품입니다. 레이스는 보빈(나무 막대기)에 짜여져 있습니다. 고유한 특징을 지닌 별도의 공예품으로 볼로그다 레이스는 이미 17-18세기에 알려졌습니다. 그러나 19세기까지 레이스 만들기는 국내 공예였으므로 우선 민간 공예가들이 하였다. 볼로그다 레이스의 인기가 높아지면서 제품 생산이 본격화되었습니다. 19세기에 볼로그다 인근에 레이스 공장이 생겼습니다.

볼로그다 커플링 레이스의 모든 주요 이미지는 동일한 너비의 조밀하고 연속적인 브레이드로 만들어집니다. 볼로그다 레이스의 제조에는 쿠션 롤러, 주니퍼 또는 자작나무 보빈, 핀 및 칩이 사용됩니다. 볼로그다 레이스의 대표적인 소재는 린넨입니다.

Vologda 레이스의 줄거리는 꽃 장식에서 구상 구성에 이르기까지 매우 다릅니다. 볼로그다 레이스에서는 기독교와 고대 민속 상징을 찾을 수 있습니다.

Yelets 레이스는 덜 유명합니다. 그것은 보빈에 짜여져 있습니다. 이 유형의 레이스는 초기 XIX Yelets의 도시에서 세기.

레이스는 작은 패턴 (식물 및 기하학적)과 얇은 투각 배경의 부드러운 대조로 구별됩니다.

Yelets 레이스는 Vologda 레이스보다 가볍고 우아하다고 믿어집니다.

Mtsensk 레이스는 보빈에 짠 러시아 레이스의 일종입니다.

Mtsensk 레이스는 18 세기에 Oryol 지역의 Mtsensk시에서 나타났습니다. 이것은 지역의 지주 Protasova 덕분에 가능했습니다. 다른 모서리러시아에 제조소를 설립 - 당시 러시아 최대의 레이스 생산.

독특한 특징은 기하학적 모티프를 사용하는 것입니다. Vologda 레이스와 비교할 때 전문가가 말하는 것처럼 패턴은 덜 조밀하고 포화 상태입니다.

18 세기 초에 레이스 제조에 종사하는 공예가가 Vyatka 지방에 나타났습니다. 그러나 레이스 생산은 19 세기 후반에만 산업 규모를 획득했습니다. 이 무역은 농민의 공예가에 의해 수행됩니다. 1893년 Vyatka 지방 Yaransky 지역의 Kukarka 정착지에서 zemstvo 레이스 메이커 학교가 조직되었습니다. 제품의 형태는 다양하고 때로는 비정상적입니다. 조끼, 스카프 머리띠, 칼라, 나비 형태의 패턴이 있는 냅킨, 무성한 꽃, 기발한 고리가 있습니다.

Vyatka 레이스에서 가장 흥미로운 제품은 다음에서 만들어졌습니다. 소비에트 시간. 이러한 업적은 러시아 Anfisa Fedorovna Blinova의 Repin State Prize 수상자인 유명한 레이스 예술가의 이름과 관련이 있습니다. 그녀의 작품은 Tretyakov 갤러리, 러시아 박물관, 러시아 예술 기금, 모스크바 예술 산업 연구소에 있습니다.

XX 세기의 90 년대 경제 위기 상황에서 Sovetsk (Kukkarka의 이전 정착지)시에 위치한 레이스 공장은 폐쇄되었습니다. 아주 최근에야 2012년에 생산 협력 아텔 "Kukarskoe lace"가 도시에서 만들어지고 점차 오래된 공예의 전통을 되살렸습니다.

Orenburg 솜털 숄 - Orenburg 염소의 독특한 솜털로 만든 니트 숄로 특수 베이스(면, 실크 또는 기타 재료)에 적용합니다.

이 공예품은 18세기에 Orenburg 지방에서 시작되었습니다. 제품은 거미줄처럼 매우 얇지만 복잡한 패턴을 가지고 있어 장식용으로 많이 사용됩니다. 제품의 두께는 종종 제품이 링을 통과하는지 여부와 거위 알에 맞는지 여부의 2가지 매개변수에 의해 결정됩니다.

19세기 중반에 솜털 숄이 유럽 국가의 전시회에 출품되어 국제적 인정을 받았습니다. 이러한 다운의 생산을 해외를 포함하여 반복적으로 시도하였다. 경공업. 그러나 그들은 성공하지 못했습니다. 그런 얇고 가벼운 것을 얻기 위해서는 워밍다운염소는 매우 엄격해야합니다 기후 조건특정 영양, 그 전체는 Orenburg Territory에서만 가능합니다.

19 세기 중반 Pavlovsky Posad시에서는 구호 패턴이있는 형태를 사용하여 직물에 적용된 소위 인쇄 패턴으로 모직 스카프를 생산하기 시작했습니다. Pavloposad 숄은 전통적으로 3차원 꽃무늬 패턴이 있는 검정 또는 빨강 제품입니다.

70년대. 19 세기에는 우리에게 친숙한 스카프 팔레트가 형성되었고 자연주의적인 꽃 모티브가있는 스카프의 범위가 확장되었습니다. 공예가는 정원 꽃, 특히 장미와 달리아의 이미지를 선호합니다.

1970년대까지 그림은 나무 조각 형태의 직물에 적용되었습니다. 그림의 개요 - 보드 포함 - "매너", 그림 자체 - "꽃". 스카프를 만들려면 최대 400개의 오버레이가 필요합니다. 1970년대부터 실크와 나일론 메쉬 패턴을 사용하여 직물에 염료를 적용했습니다. 이를 통해 색상 수, 패턴의 우아함을 높이고 생산 품질을 향상시킬 수 있습니다.

십자수 (또는 십자수) - 민속 공예, 1860년대부터 Novgorod 지방의 Krestetsky 지역에서 발전해 왔으며 고대부터 Old Believers가 거주했습니다.

Krestetskaya 라인은 실행 기법에서 가장 노동 집약적이고 복잡한 라인 자수입니다.

아마포에 자수를 놓았고, 실과 날실, 씨실을 잘라내어 천에서 빼내어 그물처럼 틈을 만들었다. 이 직물은 다양한 패턴과 자수를 만드는 데 사용되었습니다. Krestets 자수는 의복, 커튼 및 수건을 장식하는 데 사용되었습니다.

Kasli 주조 - Kasli 시의 철 주조소에서 생산되는 주철 및 청동으로 만든 예술적 제품(조각, 격자, 건축 요소 등).

이 공장은 툴라에서 가족과 함께 이곳에 도착한 오래된 신자 상인 Yakov Korobkov에 의해 1749년에 설립되었습니다. 그는 다음과 같은 Peter I의 법령에 따라 인도되었습니다.

모든 사람과 모든 사람에게 허용되며, 지위와 존엄에 관계없이 자신과 외국의 모든 장소에서 모든 종류의 금속과 광물을 찾고, 녹이고, 요리하고, 청소할 의지가 주어집니다.

조각 "러시아" N.A. Laveretsky, Kasli 주조, 1896

공장 노동자의 대부분은 또한 옛 신앙에 대한 박해가 눈에 띄지 않는 우랄 지방의 여러 곳에서 온 옛 신자였습니다.

Kasli 주조의 전통 - 실루엣의 그래픽 선명도, 세심하게 마무리된 세부 사항 및 일반화된 평면의 조합과 하이라이트의 활기찬 플레이 - 19세기에 개발되었습니다. 이 기간 동안 공장 소유자는 재능 있는 새로운 조각가, 예술가, 체이서 및 성형기를 끌어들였습니다. Kasli 주조 제품은 1900년 권위 있는 파리 세계 응용 예술 전시회에서 그랑프리 상을 받았습니다.

볼로그다 지역이 원산지인 쉐모고다 자작나무 껍질은 특히 인기를 얻었습니다. 자작나무 껍질은 겉보기에 취약함에도 불구하고 상당히 강하고 내구성이 뛰어난 재료입니다. 볼로그다 장인들은 다양한 바구니, 접시, 화환, 장신구, 심지어 신발과 옷까지 만듭니다.

이 제품의 특징은 천연 꽃 장식, 잎과 열매, 꽃과 줄기, 동물과 사람이 전통 문양과 얽혀 있다는 것입니다. Shemogodskaya 자작 나무 껍질의 전통적인 패턴은 무딘 송곳으로 자작 나무 껍질 시트에 새겨 져 있고 날카로운 칼로 잘라 배경을 제거합니다. 색종이 또는 자작 나무 껍질의 다른 층이 때때로 투각 아래에 놓입니다. 조각은 엠보싱으로 보완됩니다. 19세기에는 이러한 제품을 " 자작나무 껍질 레이스».

소비에트 시대에 Shemogoda 자작 나무 껍질로 만든 품목은 러시아 숲의 상징으로 간주되어 외국인들 사이에서 수요가 많았습니다. 동시에 Shemogodsk 가구 공장 (Vologda 지역)에서 자작 나무 껍질 조각 워크샵이 조직되었습니다. 그리고 오늘날 자작 나무 껍질 요리가 없으면 러시아 박람회가 하나도 없습니다.

이 러시아 공예품은 니즈니 노브고로드의 전문 목각가들 사이에서 시작되었습니다. 주인은 소의 관상 뼈를 주원료로 사용합니다. " 족근그리고 경적. 또한 고가의 제품을 생산하기 위해 더 희귀하고 가치 있는 매머드와 바다코끼리 뼈가 사용됩니다.

Varnavinskaya 뼈 조각은 주로 여성용 장신구(머리핀, 빗, 머리핀, 빗, 브로치, 펜던트, 구슬, 목걸이, 펜던트, 팔찌, 귀걸이, 반지, 반지), 관, 관, 만년필, 장식용 접시 및 다른 기념품.

이러한 제품의 특성은 절대적인 독창성과 개성에 있습니다. 각 항목은 템플릿과 스탬프 없이 손으로 만들어집니다.

Abramtsevo-Kudrinskaya 조각은 예술 공예 19세기 말 모스크바 근처 Abramtsevo 사유지 부근에서 형성된 목각.

이 기술을 사용하여 그들은 국자, 접시, 꽃병 및 관뿐만 아니라 가정 장식 및 가정 용품의 모든 항목을 만들었습니다. 이 제품의 특징은 다양한 컬, 로제트, 나뭇 가지, 목재의 착색 및 연마가 우세하다는 것입니다.

이 공예의 전성기는 소비에트 기간 인 20-40 대에 있습니다. Kudrin artel "Vozrozhdeniye"의 노동자에 대한 주문은 Tretyakov Gallery에서도 왔습니다. Abramtsevo-Kudrinsk 조각 스타일로 만들어진 역사적이고 현대적인 제품은 1937년 파리에서 열린 국제 전시회에서 선보였습니다. 소련 붕괴 후 Kudrinsk 조각 공장은 폐쇄되었습니다. 오늘날 공예품은 개인 공예가의 작업 덕분에 보존됩니다.

Gusev 수정의 역사는 Oryol 상인이 1756 년에 시작되었습니다. 아킴 말초프울창한 Meshchera 숲의 Gus 강 유역에 최초의 유리 공장을 설립했습니다.

Gus volost에 대한 첫 번째 언급은 17세기로 거슬러 올라갑니다. 과도한 삼림 벌채로 인해 모스크바 지역의 유리 공장 건설이 금지되었을 때 Mozhaisk에서 특별히 가져온 장인 같은 이름의 강가에있는 Gus 마을에 첫 번째 수정 공장이 세워졌습니다. 이렇게 해서 생산뿐만 아니라 오늘날까지 계속 번성하는 전체 민속 공예의 역사가 시작되었습니다.

이제 이 공장은 주로 예술적인 유리로 유명합니다. Gusev 예술가는 재료의 특성을 고려하여 색상, 형태 및 장식을 능숙하게 사용하여 높은 예술적 표현력을 부여합니다.

선조

선조(또는 선조)는 금속 배경에 얇은 금, 은 등의 투각 또는 납땜 패턴을 사용하는 보석 공예입니다. 철사. 선조 패턴의 요소는 로프, 레이스, 직조, 헤링본, 경로, 매끄러운 표면과 같이 매우 다양합니다. 선조의 개별 요소는 납땜으로 단일 전체로 연결됩니다. 종종 선조는 미리 준비된 셀 (홈)에 납땜 된 작은 금속 볼 곡물과 결합됩니다. 곡물은 효과적인 질감, 빛과 그늘의 놀이를 만들어 제품이 특히 우아하고 세련된 외관을 얻습니다. 선조 제품의 재료는 금, 은, 백금, 동, 황동, 백동, 양은의 합금입니다. 선조 기술로 만든 보석은 산화되고 은도금됩니다. 선조는 종종 에나멜(에나멜 포함), 조각 및 쫓기와 결합됩니다.

선조 제품은 왕실 또는 수도원 작업장에서 생산되었습니다. 18세기에는 돌, 수정, 자개와 함께 큰 세공품이 만들어졌다. 동시에 꽃병, 소금 통, 관과 같은 작은 은색 물건이 널리 퍼졌습니다. 19세기 이래로 선조 제품은 이미 공장에서 대량으로 생산되었습니다. 이것은 값 비싼 요리와 교회 용품 등입니다.

오늘날 스캐닝 센터는 다음과 같습니다.

예술 제품 기업이 위치한 Nizhny Novgorod 지역의 Vachsky 지역에 있는 Kazakovo 마을은 가장 오래된 예술적 금속 가공 기술인 선조를 사용하여 독특한 보석 제품을 생산합니다.
코스트 로마 지역의 Krasnoe-on-Volga 마을에는 Krasnoselsky 예술 금속 가공 학교가 있습니다. 주요 임무는 전통적인 Krasnoselsky 보석 공예품(선조, 에나멜, 쫓기 등)을 보존하는 것입니다.
러시아의 민속 예술 및 공예 기술 학교가 위치한 Nizhny Novgorod 지역의 Pavlovo시.

에나멜

법랑은 금속 기질에 유리질 분말, 법랑을 사용하여 예술 작품을 만드는 것입니다. 유리 코팅은 내구성이 있고 시간이 지나도 퇴색되지 않으며, 에나멜 제품은 특별한 밝기와 색상 순도로 구별됩니다. 에나멜은 금속 염이 사용되는 첨가제의 도움으로 소성 후 원하는 색상을 얻습니다. 예를 들어, 금 첨가물은 유리에 루비색을, 코발트에 파란색을, 구리에 녹색을 부여합니다.

볼로그다(Usolskaya) 에나멜 - 흰색 에나멜에 전통 그림. 이 기술은 17세기 Solvychegodsk에서 시작되었습니다. 나중에 그들은 볼로그다에서 비슷한 에나멜을 사용하기 시작했습니다. 처음에 주요 동기는 신화적인 것을 포함한 꽃 장식품, 새, 동물과 같은 구리 바닥에 칠해진 식물 구성이었습니다. 그러나 18세기 초에 모노포닉 에나멜(흰색, 파란색 및 녹색)이 인기를 얻었습니다. XX 세기의 1970 년대에만 볼로그다 예술가들의 "Usolskaya"다색 에나멜의 부활이 시작되었습니다. 생산은 오늘날까지 계속됩니다.

야로슬라블 지역의 로스토프 벨리키 시에서 18세기부터 존재해 온 러시아 민속 공예품인 로스토프 에나멜도 있습니다. 1632년 프랑스 보석상 Jean Tutin이 발명한 투명한 내화 페인트로 에나멜 위에 미니어처 이미지를 만듭니다.

공작석 제품

공작석은 가공에 적합한 풍부한 색조를 지닌 녹색 광물입니다. 돌은 연한 녹색에서 검은 녹색까지 가능하며 첫 번째 공예품은 10,000 년 이상되었습니다. 좋은 색상과 아름다운 무늬의 공작석의 조밀한 품종은 높이 평가되며 18세기 말부터 평평한 표면을 마주보는 데 사용되었습니다. 19 세기 초부터 공작석은 꽃병, 그릇, 접시와 같은 체적 작품을 만드는 데 사용되었습니다.

말라카이트는 1851년 런던 만국박람회의 발주로 러시아 이외의 지역에서 큰 인기를 얻었습니다. Demidovs 덕분에 1830년대부터 공작석이 건축 장식용 재료로 사용되기 시작했습니다. 첫 번째 공작석 홀은 P.N.의 명령으로 만들어졌습니다. Demidov 건축가 O. Montferrand는 거리의 상트페테르부르크에 있는 맨션에 있습니다. B. Morskaya, 43. 공작석을 사용한 고급스러운 인테리어 작업은 성 이삭 대성당. 공작석은 또한 만드는 데 사용됩니다. 보석류. 공작석과 대면하는 기술을 " 러시아 모자이크". 그것은 17세기에 유럽의 장인들이 청금석 제품의 가격을 낮추기 위해 사용했던 원리에 기반을 두고 있습니다. 얇게 자른 돌판은 금속이나 값싼 돌로 만들어진 물체의 표면을 덮습니다. 이것은 모놀리스에서 조각하는 환상을 만듭니다.

Old Believers가 거주하는 Shaydurikha의 외딴 Ural 마을에있는 학교에서 교사로 경력을 시작한 러시아 작가 Pavel Petrovich Bazhov의 이야기는 공작석 공예에 전념합니다. 작가는 그들에게서 많은 것을 얻었습니다. 흥미로운 이야기우랄의 삶과 지역 주민들의 민속 관습과 관련된 전설.

러시아의 사라지는 예술 공예: 혁신적인 차원.

학술대회 자료입니다. 슈야. 2012년

폴레자예프 A.A.

벨스크 - 상트페테르부르크

업데이트된 전통 민속 공예품

2007년 Arkhangelsk 지역의 Vilegodsky 지구에서, II 학생부터 유명 대가에 이르기까지 다양한 연령과 지위를 가진 사람들 사이의 예술 장인의 공개 경쟁. 대회에서 Arangelsk 지역의 일종의 전통 민속 공예에 대한 연구 작업을 발표해야했습니다. Velsk시의 한 남학생은 자작 나무 껍질에 대한 연설을 준비했습니다. 연설 후 그는 "지금 당신의 지역에서 페스테리가 수요가 있습니까?"라는 한 가지 질문을 받았습니다. 대답은 "아니요, 지금은 필요하지 않습니다."였습니다. 이 물음에 대한 대답은 현대사회를 시사하는 바가 매우 크며, 전통민속공예에 대한 수요에 대한 현황을 표현하고 있다. 주제를 계속 진행하기 전에 추가 작업에 사용할 몇 가지 개념을 지정하겠습니다.

아래에 전통 민속 공예품 우리는 농민 가정 공예품을 이해할 것입니다. 그 결과 자연 환경에서 인간의 삶을 보장하는 실용적인 품목, 도구, 건물, 의복 및 기타 품목 및 물건입니다.

공예품 및 개체 - 이들은 마을 사람의 공예 활동의 결과인 농민 생활, 의복, 도구, 주거 및 별채 항목입니다.

전통민속공예의 기능 – 생명 유지가 필요한 사람에게 실용적인 품목 제공.

전통 민속의 실현 공예 이 활동:
- 과거와 현재의 축적된 공예지식을 현대의 정보기술로 연구하고 수정하며,
- 공예 기술 마스터하기,
- 민속 예술의 사물, 이미지 및 주제를 현대 사회 문화에 포함시키는 것.

전통 민속 공예품 업데이트의 목표: 전통 민속 문화의 보존, 응용 예술의 중요성 증대 및 육체 노동의 대중화.

오늘날의 전통 민속 공예품은 수세기 동안 존재해 온 기능으로 수요가 없습니다. 그리고 이것은 수공예품이 현대 인간 환경에 해당하지 않는다는 것을 의미합니다. 현대사회에서 전통민속공예가 꼭 필요한가, 수요가 있는 공예품을 만드는 것이 필요한가? 전통 민속 공예는 러시아 사람들의 문화에서 없어서는 안될 부분이며 "민속 문화는 사회 자체의 재생산을 위한 끊임없이 존재하고 근본적인 - 초기 및 주요 조건으로 간주되어야 합니다." 민족과 국가의 존재. 민속 문화가 사회에서 현대적이고 접근 가능하며 이해할 수있는 존재 형태가 없다면 기초로 작용할 수 없습니다.

이 기사에서는 전통 민속 공예품이 어떻게 수요에 따라 만들어 질 수 있는지, 현대 인간 환경에서 어떻게 업데이트 할 수 있는지에 대한 실용적인 예를 보여 주려고 시도합니다. 이 기사는 작가의 개인적인 경험과 민속 공예의 대가인 동료의 경험을 결합한 것입니다.

최근 몇 년 동안 민속 예술과 그 귀중한 영적 유산에 관심을 가져야 할 필요성에 대해 많은 이야기가 있었습니다. 이것은 틀림없이 그렇습니다. 민속 공예의 부활 문제는 미술사 커뮤니티에서도 널리 논의됩니다. 그리고 전통 민속 공예품은 어떻습니까? 러시아 전역에 존재했던 시골 주민들의 직업으로? 주민 수에 있어서도, 영토적으로도 민속 공예품은 전통 민속 공예품과 비교할 수 없으며 가정 공예품은 어디에서나 공기와 같았습니다. 오늘날 그들에게 남은 것은 무엇입니까? 장인 조상에 대한 희미한 기억, 민속 예술의 박물관 소장품, 지역의 희귀 공예가(일부는 전통적인 실용적인 물건을 만들고 있음)는 공예품의 모든 것입니다.

오늘날 전통민속문화의 중심에서는 민속공예학교, 공방, 전통민속공예를 보존, 부흥, 발전시키는 작업이 진행되고 있다. "전통민속공예의 보존, 부흥, 발전"이라는 단어가 직접적으로 이해하는 것은 무엇입니까? 공예품의 보존은 공예가, 물건, 도구, 생산 기술, 수집, 고정 및 정보 표시에 대한 검색입니다. 전통민속공예의 부활은 제조기술의 발달과 농민의 생활용품의 재건이다. 개발 - 공예품의 질적 및 양적 개발, 특정 지역의 다양한 공예품 개발. 그렇습니까?

20세기 20~30년대에 존재했던 형태의 공예품 부활은 민속문화보존구역에만 해당되는데, 그 이유가 여기에 있다. 공예품의 부활은 각각의 특정한 상황에서 공예품의 절대적 필요성과 직결됩니다. 공예품이 필요하지 않으면 수명주기의 어느 시점에서나 공예품이 인간의 삶과 단단히 묶여 있기 때문에 공예품을 되살릴 의미가 없습니다. 공예는 인간의 삶을 위해 존재합니다. 그렇지 않으면 재건, "오래된"게임입니다.

전통민속공예의 부활은 인간의 외적(자연적), 내적(공적) 환경이 완전하고 정확하게 재구성되어야만 가능하다. 이러한 여건이 특정 지역에서 가능하다면 전통민속공예의 부활도 가능하다. 그러한 영토는 잠재적으로 도시에서 멀리 떨어진 생태 정착지가 될 수 있지만 오늘날 그러한 인간 정착지는 드물고 출현에 대한 심각한 전제 조건이 없습니다. 우리 나라에서는 인구의 대다수가 도시와 도시형 정착촌에 살고 있으며 공예품이 시골에 존재했던 것과 똑같은 형태로 존재할 수 없으므로 광대 한 러시아 영토에서 부흥이 불가능합니다. 전통민속공예와 민속문화 전반에 대한 태도를 바꿔야 하며, 이를 별개의 잊혀진 현상으로 보지 않고 직접적으로 관련되어야 하는 현상으로 취급해야 한다. 현대 생활사람.

전통민속공예의 '보존'과 '부흥'의 개념은 오늘날의 공예품을 멸실이 시작된 역사적 시간 수준으로 보존한다는 개념이다. 전통 민속 공예의 "보존"과 "부흥"이라는 두 가지 개념을 결합하여 장인, 물건, 도구, 생산 기술, 수집 및 고정, 재건, 기술 교육, 박물관 컬렉션에 대한 무료 액세스 조직. 이 모든 것이 전통 민속 공예를 상세하고 정확하며 완전하게 보존하기 위한 목적으로 전통을 전승하는 과정을 구성합니다.

전통 민속 공예품을 보존한다고 해서 수요가 보장되는 것은 아닙니다. 특정 지역의 공예품의 질적, 양적 발전 측면에서 전통 민속 공예품의 발전은 공예품의 수요를 허용하지 않을 것입니다. 공예품은 현대 인간 환경과 관련이 없기 때문입니다.

이 기사의 시작 부분에서 전통 민속 공예품을 업데이트한다는 개념을 제시했습니다. 사전이 "실제"와 "실현화"의 개념에 대해 어떤 정의를 내리는지 봅시다. 실제 - 현재로서는 중요합니다. 현재 상태에 해당하는 화제, 긴급. Actualization (lat. actualis - 능동, 효과적인) - 주어진 상황의 조건에 무언가를 적응시키는 것을 목표로 한 행동. 분명히, 전통 민속 공예품에 대한 수요 부족 문제는 현대화 요구 사항에 따라 전통 민속 공예품을 변경할 수 있도록 업데이트함으로써 해결할 수 있습니다. 공예품 자체뿐만 아니라 공예품을 보존하는 과정도 업데이트해야 함을 유의하십시오. 이 보고서에서는 전통민속공예의 실현이유와 실현수단에 대해서는 다루지 않는다. 현재 이 문제에 대한 별도의 보고서를 준비 중이나, 여기서는 더 이상의 서술이 불가능한 전통 민속 공예품 보존 과정을 업데이트하는 방법을 간략하게 설명할 필요가 있다.

공예품 보존 과정을 업데이트하는 방법 목적 - 재료 - 형태 - 기술 - 미학 : 농민 공예품을 만드는 과정의 인과 관계를 복원하는 것은 다음과 같습니다. 공예 전통에 대한 연구는 보존, 보호, 속도 향상, 촉진, 기술 개발 등의 목적(기능)에서 시작해야 합니다. 그런 다음 나무, 점토, 나무 껍질, 뿌리, 뿔, 뼈와 같은 다양한 재료를 연구합니다. , 등 객체 기능 및 재료 속성. 물체의 형상과 재료의 성질을 이해하고 생산기술을 연구할 필요가 있다. 대상의 미적 속성은 대상의 형태 및 장식과 관련하여 고려되어야 합니다. 인과관계를 바탕으로 대상을 생성하는 각 단계를 순차적으로 연구한다.

우리는 구현이 공예 개발의 자연스러운 방법이라고 주장할 수 있습니다. 그것은 항상 존재했기 때문에 인간 환경은 오랜 역사적 맥락에서 끊임없이 변화했기 때문입니다. 인간은 기후 변화, 사람들의 이주, 사회 시스템의 변화 및 기타 많은 변화와 같은 새로운 삶의 조건에 적응했습니다. 공예의 실현은 분명하다. 자연적인 과정사람들의 삶에서. 반면에 새로운 기술이 인간의 노동을 용이하게 하는 것으로 나타나면 이러한 기술을 통해 공예가 업데이트됩니다. 예를 들어 목공 선반의 출현으로 목공 공예가 변경되었습니다. 그러한 구현은 공예 개발의 과정입니다.

이것은 소비에트 산업화 시대가 시작되기 전의 러시아의 경우였습니다. 이 시간이 지나면 전통 민속 공예품은 인간의 생명 유지에서 역할을 잃기 시작했습니다. 가정 공예품은 품목으로 대체되기 시작했습니다. 산업 생산품. 농촌에서 도시로의 인구 이동, 사유 재산 추구, 토지에서의 집단 농업도 수공예품 생산의 유지에 기여하지 못했습니다. 수공예의 기능은 산업, 계획 및 대량 생산으로 이동하기 시작했습니다.

20세기 중반 70년대 중반, 공예는 소련 정부의 민속 공예 지원을 배경으로 미술사학자들 사이에서 관심을 불러일으켰다. 이 때 공예의 기능은 인간의 생명유지 측면에서가 아니라 공예품과 오브제에 대한 미적 지각 측면, 민속예술의 측면에서 고찰되고 있다. 새로 발견된 민속 예술에 대한 미술사가들의 감탄은 촌장의 기술과 예술적 취향에 대한 큰 인정입니다. 그러나 그 때부터 현재까지 전통민속공예의 본래 기능은 회복되지 않고 더욱 변모하여 기념품이 되었습니다.

전통 민속 공예품 업데이트의 기본 규칙을 설명합니다. 설명과 예를 들어 마스터의 관점에서.

공예품 업데이트의 원칙을 고려하기 위해 공예품 항목을 살펴 보겠습니다. 수공예품은 물리적 특성과 미적 내용이 특징입니다. 물체의 물성은 인간의 생명유지 문제를 해결하는 물체의 특성을 말하며, 수공예품의 물성은 실용적인 목적이나 기능, 모양, 크기, 재료, 기술 등이다. 수공예품의 미적 내용은 형태(목적의 관점이 아니라 비율의 완성도의 관점)와 장식(그래픽, 색상, 요소, 상징주의, 구성 및 장식의 기타 특성).

공예품의 현실화를 공예품의 특성으로 정의하자면, 현대인의 환경변화에 따라 공예품의 물성과 미학적 내용이 변화하는 과정이다. 그러나 이것은 과거의 공예품을 현재의 형식으로 바꾸는 직접적인 과정일 뿐만 아니라 현대인의 환경을 공예품의 형식으로 바꾸는 역과정이기도 하다.

과거의 수공예품을 현대적인 형식으로 변형

농촌 환경에서 도시 환경으로의 인구 이동은 수공예품에 대한 요구 사항을 결정합니다. 사람의 주거는 시골의 넓은 집에서 고층 건물의 비좁은 아파트로 바뀌었습니다. 벽돌집한 사람의 인생 전체가 바뀌었다는 뜻입니다. 주방 용품에 대한 요구 사항이 변경되었습니다. 식품 저장 용기는 마을 집과 같은 크기가 아니어야 하지만 캐비닛 및 주방 선반의 크기와 일치해야 합니다. 아르한겔스크 지방에 존재하던 엄니에서 이제는 우유나 크바스를 담을 필요가 없고 선반 위에 세워두고 벌크 제품을 보관하기만 하면 되므로 엄니를 뚜껑 - 내부가 아닌 위에서 닫습니다. 집의 내부 공간의 변화에 비례하여 장난감은 크기가 감소하는 방향으로 변경되어야 합니다.

삶의 변화는 집의 크기의 변화뿐만 아니라 주택 건설, 실내 장식, 가구 제조, 가정 용품, 의류 및 우리를 둘러싼 모든 것에 사용되는 재료의 변화와 관련이 있습니다. 생활 방식의 변화를 포함하여 집에서. 현대 아파트의 바닥은 가장 자주 매끄 럽습니다. 리놀륨, 타일, 라미네이트 및 전통적인 직조 주자가 발 아래로 미끄러져 불편합니다. 이러한 짠 깔개는 소파, 의자 및 안락 의자에 놓을 수 있습니다. 이러한 사용의 예는 관광 단지 "Tengri"의 Bashkiria에서 볼 수 있습니다. 사무실 의자의 덮개는 아름답고 사용하기 쉬운 짠 경로에서 수 놓은 것입니다.

다음 예를 통해 전통 민속 공예를 업데이트하는 이러한 접근 방식을 설명하겠습니다.

예 1. 찬장, 슬라이드, 가슴을 기반으로 한 가구 제조 - 목적, 모양, 재료를 보존하지만 현대 아파트의 크기 변경 및 기술 변경: 현대 기계를 사용한 생산 자동화, 접착 목재 사용 , 현대 패스너 및 현대 가구 조립 기술.

예 2. 전통적인 재료, 나무, 점토, 자작 나무 껍질로 만든 전통기구, 사람의 거주지 (아파트) 크기로 변경-캐비닛과 선반의 높이가 낮고 가족의 크기가 작습니다. 목적, 모양, 재료 및 기술은 변경되지 않은 채 크기는 줄였습니다.

예 3. 어린이 환경 - 어린이의 일상 생활에서 게임, 장난감 및 기타 항목을 더 많이 인식할 수 있습니다. 전통 문화. 현대적인 보살핌과 생각을 가진 많은 부모들은 환경 친화적이고 안전한 장난감으로 자녀를 둘러싸고 싶어합니다. 이 경우 전통적인 장난감은 크기와 기술의 최소한의 변경으로 현대 어린이의 세계에 올 수 있습니다. 바퀴가 달린 나무 침대는 어린이 방의 공간을 고려하여 더 작게 만들 수 있습니다. 나무를 페인트로 덮을 필요는 없지만 환경 친화적 인 수성 바니시로 덮거나 추가 코팅없이 재료를 그대로 두십시오. 생후 6개월 미만의 유아용 아기 침대를 사용하십시오. 크래들은 전통적인 반포(반포는 벌크 제품을 분류하기 위한 평평한 용기임)와 같은 방식으로 자작나무 껍질로 만들어집니다. 이 경우 형태, 재료 및 기술은 변경되지 않고 크기와 목적만 변경됩니다. 새 형태의 자작 나무 껍질은 장난감으로 사용할 수 있습니다. 목적 만 변경됩니다. 이러한 솔로닉에서 휠체어 오리를 만들면 바퀴를 추가할 때 기술이 약간 변경됩니다.

예 4. 이전에 장식되지 않았거나 다른 그림으로 장식된 그림으로 전통적인 가정 용품 장식. 장식의 모든 속성을 변경하지 않고 그대로 둘 수 있지만 회화 기술을 변경하십시오. 현대 페인트, 바니시, 브러시 및 기타 장치를 사용하십시오.

예 5. 스웨터, 드레스, 조끼 및 기타 따뜻한 옷과 같은 전통적인 패턴으로 니트 옷 만들기. 그래픽, 색상, 요소, 상징성 등의 속성은 그대로 유지되지만, 의상의 모양과 크기에 따라 장식품의 구성과 비례가 달라진다.

많은 예가 있지만 원칙은 동일해야합니다. 공예 전통과 현대의 의도적인 결합 인간의 생명 유지 목적을 위해.

현대인의 환경을 공예품의 형태로 변화

지난 100년 동안 기술 발전은 인간 환경을 너무 많이 변화시켜 맷돌과 물레가 집에 있을 곳과 의미가 없었습니다. 밀가루, 빵, 실, 옷은 상점에서 판매되고 있습니다. 인구의 모든 부분에. 전통적인 수공예품이 인간 환경에 미치는 영향에 대해 이야기할 수 있습니까? 여기에서 요점은 수공예품의 물성과 미학적 내용이다. 한편으로 물건을 만드는 목적과 기술은 너무 구식이어서 가정 생활에서 설 자리가 없습니다. 한편, 이러한 특성은 요즘 독특하며 디자이너들이 카페, 레스토랑, 상점, 엔터테인먼트 센터, 다양한 이벤트를 위한 새롭고 매력적인 디자인 아이디어로 사용합니다. 미적 콘텐츠는 공공 장소의 내부뿐만 아니라 매일 사람을 둘러싼 모든 것(외부, 옷, 식품 포장, 접시, 가구)을 장식할 수 있기 때문에 훨씬 더 널리 사용됩니다. 전통적인 표면 장식으로 장식 다양한 재료, 천연 및 인공: 목재, 도자기, 플라스틱, 유리, 다양한 직물, 폴리에틸렌, 콘크리트 및 기타. 장식의 많은 항목과 대상은 산업화 이전 시대와 비교하여 현대적이고 사람들의 생명 유지에 새로운 기능을 수행합니다. 예를 들어, 이 이야기의 작가 아내는 꽃과 함께 Pavlovo Posad 숄의 조각을 묘사한 패키지에 우유를 사는 것을 좋아합니다. 종종 사람들은 "Gzhel"이나 다른 그림으로 양식화된 패턴이 있는 카운터 세트에서 비닐 봉지를 선택합니다. 현대적인 물건과 표면을 전통 회화를 바탕으로 한 장식품으로 장식한 생생한 예는 오픈 컬렉션 재단의 Ru.branding 프로젝트입니다.

전통 회화의 대가와 디자이너들은 현대적인 물건을 발명하고 장식합니다. 마스터의 작업은 수동이며 그림의 요소를 별도로 복사하거나 접시, 가방 및 기타 실용적인 품목과 같은 새로운 비전통 품목에 작곡을 포함합니다. 디자이너는 벽화 요소에 스타일을 지정하고 생성된 요소를 다양한 표면현대 디자인의 법칙에 따른 물건: 운송 정류장, 안내판, 접시, 콘크리트 울타리, 옷, 자동차, 비행기.

예를 들어 전통 민속 공예를 업데이트하는 이 접근 방식을 설명하겠습니다.

예 1. 전통 및 비전통 수공예 재료로 만든 현대 가정 용품 장식. 개체의 모양과 비율에 따라 장식의 속성을 변경하거나 변경하지 않고 그대로 두고 페인팅 기술을 변경해야 합니다. 현대 페인트, 바니시, 브러시 및 기타 장치를 사용하십시오.

예 2. 직조, 뜨개질, 펠팅, 패치워크 등의 전통 기술을 사용하여 핸드백, 화장품 가방, 지갑, 지갑 등과 같은 잡화 액세서리 생산 비-전통 기술의 전통 자수, 전통 이미지 및 기호 요소로 장식 (아플리케 및 기타).

예 3: 전통적인 수공예 재료로 현대적인 물건을 제조할 때 상감 기법을 사용합니다. 전통 재료에 전통 장신구의 상감.

다음과 같은 현상에 대해 별도로 말할 필요가 있습니다. 비 전통 재료로 전통 공예품 만들기 . 플라스틱 리본으로 만든 고리버들 바구니(사용한 플라스틱 병 자르기)와 비닐 봉지로 만든 둥근 러그. 언뜻보기에 민속 예술에 무관심하지 않은 사람은 충격과 혐오감을 유발합니다. 자작 나무 껍질을 사용한 병의 플라스틱으로 어떻게 바꿀 수 있습니까? 주제에 대한 예술적 인식의 관점에서 이것은 그렇습니다. 하지만 그런 바구니를 만든 마을 장인의 입장에서는 조금 다르다-숲으로 멀리 가려면 자작나무 껍질을 벗기기 힘들고 다리가 좋지 않고 이웃에 폐플라스틱이 많다. 아무도 재활용하지 않고 아무도 정원에 묻고 싶어하지 않는 병, 당신은 마모를 알지 못하는 모든 이웃이 짜도록 바구니를 만들 수 있습니다. 환경 운동가는 가정 쓰레기 처리를위한 훌륭한 솔루션 인 주인의 편을 들 것입니다. 서양에서는 오랫동안 전통적이지 않은 현대 재료로 바구니와 기타 품목을 짜왔습니다. 좋고 나쁨은 각자 판단하기 나름이지만, 플라스틱 포장 시대에 인간의 생명을 담보하기 위해 전통적 재료를 비전통적 재료로 대체하는 공예의 실현은 여기에서 알 수 있다.

업데이트 방향을 한 가지 더 짚어 보겠습니다. 공리적 기능의 변화와 함께 물체의 물리적 성질의 변화 기념품으로 . 장인에 의한 기념품 생산은 공예의 퇴보라는 의견이 있습니다. 우리의 의견으로는 기념품 생산은 우리 시대의 필요, 현대 환경 및 생활 조건이며 주인의 임무는 자신의 공예 경험과 지식을 새로운 유형의 제품으로 가장 정확하게 전달하는 것입니다.

수공예품 기념품은 진품과 신품의 두 가지로 정의할 수 있습니다.

수십 년 전에 사용하지 않은 가정 용품에 정통한 물건은 실용적인 기능을 상실하고 물건 자체에 대한 정보와 역사적 관점에서 고유한 가치를 가질 수 있는 사건, 사람, 장소에 대한 정보의 보관자가 됩니다. . 역사 과학은 출처를 기반으로 합니다. 연대기, 서사시, 의례, 수공예품과 같은 출처 중에서 서면 및 구전 출처는 필연적으로 시간이 지남에 따라 변하는 반면 수백 년 전에 만들어진 품목은 변경되지 않기 때문에 구별됩니다. 이는 공예품이 가장 신뢰할 수 있는 정보 출처임을 의미합니다. 따라서 기념품과 선물로 쓸모없는 물건을 만드는 것은 매우 중요합니다.

새로운 공예품 기념품은 공예품의 이미지를 만들고 공예 기술과 전통 재료를 사용하여 기억에 남는 장소, 이벤트, 사람의 이미지를 만듭니다. 마스터의 임무는 최소한의 수단으로 생각한 이미지의 최대 표현력과 인식을 달성하는 것입니다. 장인의 기념품 생산 문제는 러시아 지역의 관광 산업 발전 측면과 장인의 복지 향상 및 기념품의 예술적 수준 향상 측면에서 매우 중요합니다.

위의 고려 사항은 전통 민속 공예품 업데이트 규칙으로 공식화 될 수 있습니다.

규칙 번호 1.효용의 틀 안에서 전통적 재료를 사용하고 목적을 변화시키는 것, 근대성의 형식으로 전통적 대상의 물성을 변화시키는 것.

규칙 번호 2.다른 전통 품목의 제조를 위해 일부 전통 품목의 미적 내용의 사용.

규칙 번호 3.전통적인 물건의 미적 내용을 비전통적인 물건(수공예품 및 산업)의 제조에 적용합니다.

규칙 번호 4.비 전통적 재료를 사용하여 전통적 오브제의 물성을 현대적 형식으로 변화시키는 것.

규칙 번호 5.전통적 오브제의 물성을 현대적 형식으로 변화시키면서 동시에 실용주의적 목적을 변화시킨다.

전통민속공예의 실현은 현대 공예가들의 작업에서 새로운 경향이 아니라 언제나 공예의 발전의 자연스러운 과정이다. 현대 주인은 조상의 공예 전통을 변경하여 수명을 연장하고 아마도 전통을 스스로 만듭니다.

개인의 경험을 일반화하면 공예의 기능을 회복할 수 있을 뿐만 아니라 현대사회의 민속문화 전반에 대한 수요를 창출할 수 있다. 본 보고서가 공예품 수요 문제를 해결하기 위해 현대 대가들의 경험을 이해하고 일반화하는 계기가 되기를 바랍니다.

서지:

바르코바 E.V. 민속 문화 분야의 정책 우선 순위. All-Russian Scientific and Practical Conference의 자료 "러시아 민속 예술. 전통과 현대". 수집. 볼로그다, 2008. Pp. 21.

러시아의 민속 공예품과 공예품.

러시아의 민속 예술 공예품은 국가 문화의 필수적인 부분입니다. 그들은 다국적 러시아 연방 문화의 정체성을 반영하는 깊은 예술적 전통을 보존하면서 미래로 향하는 세계의 미적 인식에 대한 수세기 전의 경험을 구현합니다.

예술 공예는 산업이자 민속 예술의 영역입니다.

전통과 혁신의 결합, 스타일 특징과 창의적인 즉흥, 집단 원칙과 개인의 관점, 수제 제품 및 높은 전문성은 장인과 장인의 창의적인 작업의 특징입니다.

러시아의 독특한 공예품은 우리 나라뿐만 아니라 해외에서도 알려지고 높이 평가되어 사랑받고 널리 알려져 있으며, 러시아 문화의 상징이자 세계 문화 유산에 대한 러시아의 공헌이 되었습니다.

기술 진보, 기계와 자동화, 표준과 통일의 시대에, 주로 천연 재료를 사용하여 주로 손으로 만드는 수공예품은 특별한 의미를 갖게 되었습니다.

러시아 민속 공예의 종류. 그들의 특성

민속 예술과 공예는 복잡하고 다면적인 현상입니다. 그것은 다양한 방향, 유형, 형태를 포함합니다. 그러나 그들 모두는 제품의 실용적인 편리함과 주변 자연에서 오는 자연적인 외관의 아름다움의 조합으로 결합됩니다.

에 고대 러시아사람들의 전 생애는 말 그대로 자연 환경과의 조화와 아름다움에 대한 열망으로 스며들어 있었습니다. 집, 난로, 가구, 도구, 의복, 기구, 장난감 등 민속 공예가의 손이 닿는 모든 것은 조국에 대한 사랑과 타고난 미의식을 담고 있습니다. 그리고 평범한 가정 용품이 예술 작품이되었습니다. 그들의 형태의 아름다움은 장식품, 사람, 동물, 새, 장면의 이미지 형태의 장식 장식품으로 보완되었습니다.

고대부터 민속 공예가는 나무, 진흙, 뼈, 철, 린넨, 양모와 같은 자연이 준 것을 작업에 사용했습니다.자연은 지속적으로 민속 공예가에게 영감의 주요 원천이되었습니다. 그러나 대가들은 자연의 이미지를 작품에 담아 문자 그대로 베끼지 않았다. 민속 판타지에 의해 조명된 현실은 때때로 마법과 같은 동화적 특징을 획득했으며, 그 속에서 현실과 허구는 떼려야 뗄 수 없는 것처럼 보였습니다.

전문 예술가들에게 영감을 줬고 계속해서 영감을 주는 것은 민속 예술과 공예의 독창성, 독특한 표현력과 비율입니다. 그러나 그들 모두가 그 깊이와 영적 잠재력을 완전히 이해하고 재고하는 것은 아닙니다.

잘 알려진 민속 예술 연구원 M.A. Nekrasova는 현대 조건에서 "민속 예술, 진정성에 대한 사람들의 필요성이 커지고 있습니다. 그러나 민속 예술을 보존하고 결실을 맺는 방법을 찾는 것은 그 본질, 창의적이고 영적인 현대 문화에서의 위치를 이해해야만 가능합니다.

여러 세대의 경험을 통해 검증된 자연 세계와 인간 세계의 통합 주장에 기반한 전통 민속 예술의 선도적 인 창의적 아이디어는 현대 민속 공예 예술에서 모든 중요성을 유지합니다.

나무의 예술적 가공.

나무는 러시아의 고대 상징 중 하나입니다. 고대 슬라브 신화에서 생명의 나무는 우주를 상징했습니다. 그늘진 숲과 참나무 숲, 신비한 짙은 덤불과 숲 가장자리의 밝은 녹색 레이스는 고대부터 아름다움 감정가를 매료 시켰으며 우리 사람들의 창조적 인 에너지를 일깨워주었습니다. 나무가 민속 공예가들 사이에서 가장 좋아하는 천연 재료 중 하나라는 것은 우연이 아닙니다.

러시아의 다른 지역에서는 독창적 인 예술적 목공 유형이 개발되었습니다.

목각은 모스크바 지역의 보고로드스크 조각 및 Abramtsevo-Kudrinskaya 평면 부조 조각입니다. Kirov, Vologda, Tomsk, Irkutsk, Arkhangelsk 지역에서 삼각 톱니 모양의 나사산이 있는 제품 생산; 볼로그다와 키로프 지역의 자작나무 껍질 조각.

나무에 그림을 그리는 전통 예술 공예품은 다음과 같습니다. 니즈니 노브고로드 지역의 Khokhloma, Gorodetsky 및 Polkhov-Maidan 공예품; Sergiev Posad 그림, 굽기 그림, Kirov, Gorky, Kalinin, Irkutsk 및 기타 여러 지역에서 굽기 그림; Arkhangelsk 및 Vollogda 지역에서 무료 브러시 페인팅으로 제품 생산. 이 공예품에는 각각 고유한 역사와 고유한 기능이 있습니다.

보고로드스카야 조각.

모스크바 근처의 Sergiev Posad시에서 멀지 않은 Bogorodskoye의 오래된 러시아 마을이 있습니다.

유명한 보고로드스크 조각 목각 조각품과 장난감의 생산이 이곳에 집중되어 있습니다. 그들의 전통은 Trinity-Sergius Monastery의 벽 근처에서 조각된 나무 장난감이 판매되었던 17세기로 거슬러 올라갑니다.

Bogorodsk 제품은 린든, 알더, 아스펜과 같은 부드러운 나무로 만들어집니다. 민속 공예가의 주요 도구는 도끼, 특별한 Bogorodsk 칼 및 다양한 크기의 둥근 끌 세트였습니다. 보고로드스크 칼날은 삼각형 경사로 끝이 뾰족하고 날카롭게 연마되어 있습니다.

수세기 동안 소위 플라이휠 조각 기술이 개발되었습니다. 모든 제품은 도면이나 점토로 준비된 예비 스케치 없이 "즉시" 칼로 즉시 깨끗하고 빠르고 정확하게 절단됩니다.

Bogorodsk 장난감은 조각뿐만 아니라 원래 디자인에도 흥미 롭습니다. 대부분 움직임이 있는 장난감입니다. 그들의 전통적인 영웅은 보고로드스크 곰입니다. 사람과 함께 공연하는 똑똑하고 활동적인 새끼 곰입니다.

보고로드 스크 말은 매우 아름답고 플라스틱이며 표현력이 풍부하고 매우 사실적이며 동시에 훌륭합니다. Bogorodsk 작곡의 인간 인물도 매우 표현력이 뛰어납니다. 그 중 가장 전통적인 것은 러시아 농민의 모습으로 친절하고 교활하고 숙련 된 러시아 농민의 고전적인 이미지를 나타냅니다.

자작나무 껍질로 만든 예술적 제품.

러시아 민속 예술 및 공예의 전통적인 유형은 자작 나무 껍질, 자작 나무 껍질로 예술적으로 디자인 된 제품을 제조하는 것입니다. 고대에도 자작나무 껍질은 눈부신 흰색으로 민속 예술의 거장들을 매료시켰습니다. 자작나무 껍질은 가공할 때 부드러움, 벨벳 같은 부드러움, 유연성 및 놀라운 강도와 같은 자연적 특성을 유지하여 액체, 우유 및 꿀을 담는 용기를 만드는 데 사용되었습니다.

러시아의 숲이 우거진 영토 - Vologda, Arkhangelsk, Olonets, Vyatka, Vladimir, Nizhny Novgorod 지방뿐만 아니라 Urals 및 Siberia - Perm, Tobolsk 지방의 공예품은 고대부터 자작 나무로 유명합니다. 껍질 제품.

러시아 사람들의 다양한 자작 나무 껍질 제품은 제조 방법, 사용되는 자작 나무 껍질의 특성 및 크기에 따라 여러 그룹으로 나눌 수 있습니다. 우선, 자작나무 껍질 전체로 만든 것을 강조 표시해야 합니다. 그들은 형태가 가장 단순하고 가장 만들기 쉽습니다. 여기에는 로우 와이드 오픈 선박(checkman, boxers 및 nabirushkas)이 포함됩니다.

중요한 부분은 고리 버들 세공으로 표현됩니다. 여기에는 소금 통, 고리 버들 세공 신발 - 새끼, 덮개, 가방 - 어깨 끈이 포함됩니다. 가장 복잡하고 시간이 많이 소요되는 기구는 비트 뿌리, 상자, 투에스키입니다. 자작 나무 껍질 제품을 장식하는 방법은 긁기, 조각, 엠보싱, 조각 및 그림과 같이 다양합니다.

자작나무 껍질 제품 장식.

자작나무 껍질 엠보싱은 자작나무 껍질 장식의 가장 오래된 유형 중 하나입니다. 자작 나무 껍질에 우표 나 체이서를 사용하여 패턴을 그리는 기술이 널리 보급되었습니다. 모든 단순함을 위해 엠보싱은 제품의 높은 예술적 품질을 달성하여 자작 나무 껍질의 원래 표면을 릴리프 패턴으로 풍부하게 만듭니다. 장식할 표면에 균일한 간격으로 배치된 원, 줄무늬, 가리비, 별과 같은 가장 단순한 기하학적 모양을 나타냅니다.

제품의 크기와 유형에 따라 자작 나무 껍질은 스트립, 판으로 자릅니다. 거친 외부 층이 제거됩니다. 패턴을 그리기 전에 자작 나무 껍질은 송곳으로 줄무늬 또는 셀로 표시됩니다. 준비된 자작 나무 껍질은 내부 층이 위로 향하게 보드에 배치됩니다. 왼손에 스탬프를 찍어 자작나무 껍질에 무늬가 있는 면으로 촘촘히 붙이고 망치로 세게 두드려 그림을 그린다. 패턴의 깊이는 충격의 강도에 따라 다릅니다.

러시아 장인들은 자작나무 껍질에 조각을 꽤 널리 사용했습니다. 그러나 아마도 가장 거장은 러시아 북부에서 자작 나무 껍질을 자르거나 자르는 것입니다. 오른쪽으로 볼로그다 지역의 Veliky Ustyug시는 전통 민속 공예품인 자작나무 껍질 조각 중 1위를 차지하고 있습니다. 이 공예품은 18세기 후반에 이곳에서 시작되었으며 개발된 제방의 Shemoksy 강의 이름을 따서 명명되었습니다. XVIII-XIX 세기. 도시 박람회에서 우아한 자작나무 껍질 스너프박스, 바느질 및 게임 보관용 상자, 양각 풍경이 있는 담배 케이스, 이야기 장면을 구입할 수 있습니다. 점차적으로 조각된 이미지는 북방 뼈 조각의 영향을 받은 덜 부조화되고 더 장식적이고 투각이 되었습니다. XIX 세기 말. Shemogoda 조각의 주요 문체 특징은 투각 장식 모티브, 내부에 장미가있는 나선형 컬이 형성됩니다. 자작나무 껍질 레이스를 더 잘 읽을 수 있도록 자작나무 껍질 아래에 호일이나 색종이를 깔았습니다.

자작 나무 껍질 제품을 그리기위한 북부 러시아 공예품도 덜 유명합니다. 그 중 tuesas는 북부 Dvina의 Permogorye 마을에서 이름을 얻은 Permogorsk 그림으로 칠해진 구별됩니다. Permogorsk tuesas의 그림은 흰색, 황금색 크림색 배경과 잎, 컬, 꽃의 작은 꽃 장식이 특징적인 조합으로 구별되며 그 중 차 마시기, 모임, 사냥 등 다양한 삶의 장면이 묘사됩니다.

나무에 Khokhloma 그림입니다.

세계적으로 유명한 Khokhloma 제품은 주로 Nizhny Novgorod 지역에서 생산됩니다. 한 Khokhloma 회화 기업은 Semenov 시에 위치하고 다른 하나는 Semino 마을(Nizhny Novgorod에서 100km)에 있습니다. Khokhloma 회화의 예술은 17세기 말에 시작되었습니다. 그것은 과거에 큰 박람회가 열렸던 Khokhloma 마을에서 그 이름을 얻었습니다. 그들은 대부분 페인트를 칠했거나 다른 방식으로 칠한 나무 도구를 판매했습니다.

Khokhloma 제품 - 국자, 형제, 숟가락, 용품 - 린든 또는 자작 나무로 만들어집니다. 소위 "린넨"- 도색되지 않은 목재 블랭크는 프라이머로 덮여 있고 퍼티되고 건조 기름으로 3-4 번 번져서 각 층을 건조시킵니다. 건성유의 마지막 층의 건조면에 알루미늄 분말을 도포합니다. 빛나는 "은색"표면이 나타납니다. 또한, Khokhloma 제품의 표면은 사전 드로잉 없이 자유 브러시 기법으로 유성 페인트로 칠해져 있습니다.

Zhostovo에서 쟁반 생산의 시작은 1807년으로 거슬러 올라갑니다. 각 쟁반은 보통 세 사람의 손을 거쳤습니다. 금형을 만드는 수선공, 퍼티공과 화가, 건조 후 제품을 바니시하는 프라이머.

Zhostovo 편지는 "그림"으로 시작합니다. 꽃과 잎의 실루엣을 표백 페인트로 그린 다음 유약(투명) 페인트로 말린 그림에 그림자를 적용합니다. 이 "그림자" 기술은 꽃다발을 배경의 깊이에 담그게 합니다. 그 다음은 회화의 가장 중요한 단계인 '밀집한 바디 라이팅'이다. 하이라이트의 부과인 "Glare"는 볼륨과 빛을 드러내며 형태의 모델링을 완성합니다. 다음으로 "그림"은 세부 사항을 배치하고 꽃잎, 정맥 및 씨앗의 윤곽을 나타냅니다. 얇은 풀과 안테나 - 문자 "바인딩"을 완성합니다.

표현 수단을 확장하면서 Zhostov의 화가들은 장식 그림의 새로운 방식을 개발하고 있습니다. 따라서 거북이 껍질 패턴을 연상시키는 패턴이 트레이 표면에 적용된 새로운 "흡연"방법이 나타났습니다.

흑백 배경 외에 유색과 금색 바탕에 트레이를 칠하고 트레이 표면에 브론즈나 알루미늄 파우더를 도포한다. 바니시 층을 통해 반투명, 그것은 금의 효과를 만듭니다. 황금색 배경에 대해 색상은 특별한 밝기를 얻고 트레이는 값 비싼 품목처럼 보입니다.

역사가 흐르면서 가정용품의 Zhostovo 쟁반은 장식 패널이 되었고 한때 농업에 도움이 되었던 공예품은 러시아 민속 예술의 독특한 유형의 지위를 획득했습니다.

민속 도자기.

도자기 - 소성 점토로 만든 다양한 품목. 그들은 도예가에 의해 만들어집니다. 가공에 적합한 천연 점토가 있는 곳이면 어디든지 도예가는 다양한 모양과 장식의 사람들이 일상 생활에서 널리 사용하는 그릇, 주전자, 접시, 플라스크 및 기타 품목을 만들었습니다.

도자기에는 마졸리카, 테라코타, 도자기, 토기가 포함되며 점토 구성이 서로 다릅니다.

Majolica는 유색 불투명 유약-에나멜로 덮인 도자기 점토로 만든 제품이라고합니다.

테라코타는 유약으로 덮이지 않은 소성 점토 제품입니다.

도자기는 백토 - 높은 융점의 카올린 또는 장석을 포함하는 덩어리의 구성이 다르며 도자기 제품에 백색도, 얇은 벽 및 투명도를 제공합니다.

화이앙스는 도자기에 가깝지만 희고 투명하지 않고 두꺼운 조각을 가지고 있습니다.

그젤 도자기. Gzhel, Rechitsy, Turygin 및 모스크바 지역의 Ramensky 지구의 다른 마을에서는 오랫동안 지역 마을의 거의 전체 인구가 수행 한 세라믹 제품 생산이있었습니다.

이미 XVII 세기에. Gzhel 장인은 도자기로 유명했으며 그들이 사용하는 점토는 고품질이었습니다.

18세기 중반에 Gzhel 마스터는 원시 에나멜에 마졸리카 기법을 사용하여 제품을 생산하기 시작했습니다. 녹색, 노란색, 보라색 톤의 우아한 그림으로 장식된 접시, 크바스, 주전자. 그들은 꽃, 나무, 건축물, 전체 줄거리 장면을 묘사했습니다.

배는 또한 조각품으로 장식되었습니다 : 조건부로 전송 된 사람, 새, 동물 조각품은 별도로 수행되었습니다.

18세기 후반에 코발트는 Gzhel 마스터의 그림에서 가장 좋아하는 재료였습니다. 흰색 배경과 파란색 언더글레이즈 페인팅의 조합은 Gzhel 생산 협회에서 일하는 현대 마스터들에게 전형이 되었습니다.

Gzhel 제품을 장식하는 장식품은 야채입니다. 꽃, 허브, 잎이 있는 구부러진 줄기, 옥수수 이삭이 장식용으로 재작업되었습니다. 핸드 페인팅은 사물의 표면에 자유롭고 쉽게 위치하는 드로잉의 신선함과 즉각성이 특징입니다. 붓놀림을 그리는 것은 손의 움직임에 달려 있습니다. 손으로 그림을 그리는 Gzhel 수공예품의 장인들은 점차 자신의 독창적 인 스타일을 만들었습니다. 제품을 복제할 때 동일한 유형의 그림을 반복하면 항상 새로운 것이 제공됩니다.

스코핀스키 도자기. 랴잔(Ryazan) 지역의 스코핀(Skopin)시는 민속 도자기의 중심지로 잘 알려져 있습니다. 19세기 중반에 스코핀에는 50개 이상의 작업장이 있었습니다. 그러나 Skopin의 명성은 지역 도예가가 만든 복잡한 기괴한 모양의 그릇, 환상적인 동물과 새의 형상을 한 촛대로 만들어졌습니다. 배는 환상적인 동물, 사자, 용의 조각 이미지로 풍부하게 장식되었습니다. 이 이미지는 일반적으로 박람회에서 판매되는 일반 사람들과 가까운 주제와 플롯이 있는 인기 있는 판화에서 차용했습니다.

복잡하고 풍부한 디자인의 형태는 도공의 물레 위에서 장인이 손으로 만들었습니다. 이것은 재료와 기술의 거장 숙달에 반영되었습니다. 다양한 형태의 사물과 조형적인 멋진 이미지는 거장의 무궁무진한 상상력을 증언합니다. Skopinsky 제품은 일반적으로 녹색 및 황갈색 유약으로 덮여 있습니다. 강렬한 색상, 풍부한 조각 장식 및 기발한 형태는 Skopin의 예술에 표현력과 생생한 독창성을 부여합니다.

스코피노 장인의 장인 정신과 상상력은 그릇, 주전자, 피클용 통, 과일 꽃병 등의 제작에 나타납니다. 오늘날 이 공예는 기존의 전통을 바탕으로 발전하고 있지만 그릇의 모양은 덜 복잡하고 기이해졌습니다.

딤코보 장난감. Vyatka시 근처에 위치한 Dymkovo 정착지의 장난감은 큰 명성을 얻었습니다. 이 공예의 기원은 겨울 내내 공예가들이 말, 기수, 소, 새의 형태로 다양한 휘파람을 준비한 고대 민속 축제 "휘파람"과 관련이 있습니다. 봄 축제에는 호루라기 거래가 활발했습니다. 그들의 밝고 알록달록한 그림은 전반적으로 즐거운 봄 분위기와 일치했습니다.

장난감은 지역의 붉은 점토로 빚어 불에 태운 다음 우유로 희석한 백악질 흙으로 덮었습니다. 흰색 배경에 장난감은 계란에 희석된 아닐린 페인트로 칠해졌습니다. 이 색상의 색상은 강도, 축제로 놀랍습니다. 흰색 배경에 밝은 진홍색, 노란색, 파란색 그림은 점, 원, 술 형태의 장식품으로 풍부합니다. 하나의 제품에 여러 색상을 조합하려면 장인의 특별한 기술이 필요합니다. 때로는 패턴을 금박 조각으로 덮어 제품을 더욱 우아하게 만들었습니다.

Dymkovo 장난감의 이미지는 도시 생활을 반영합니다. 신사 숙녀 여러분, 젖은 간호사, 유모, 패셔니스타, 대담한 라이더는 밝은 색상, 특별한 표현력, 밝은 축제 및 유머로 구별됩니다. 그림뿐만 아니라 제품의 형태도 조건부입니다.

시간이 지남에 따라 Dymkovo 장난감은 일상 생활에서 장식용 장식품으로 널리 사용됩니다. 이와 관련하여 Dymkovo craftswomen 제품의 크기도 크게 확대되었습니다. 종종 민속 축제와 휴일을 묘사하는 다각적 인 구성이 있습니다.

Dymkovo 장난감은 인물의 정확한 묘사, 재치, 삶의 기쁨으로 사람들과 가깝습니다. 이것은 지속적인 가치이자 고유성입니다.

카고폴 장난감. Arkhangelsk 지역의 Kargopol시는 러시아 전통 민속 공예품 점토 장난감의 중심지입니다. Kargopol에서의 기원은 19세기에 이미 광범위한 개발을 결정한 풍부한 지역 점토 매장지와 관련이 있습니다. 여기에서 그들은 요리를 만들고 장난감과 함께 말, 사슴, 숫양 등을 만들었습니다. 1930년에 세습 도예가 I. V. Druzhinin이 이곳에서 점토 장난감의 전통을 되살렸습니다. 그의 그림이 그려진 장난감은 통일된 스타일로 표시됩니다. 농민 여성, 사냥꾼은 놀라운 성격을 나타냅니다. 동물 - 말, 소 등 - 개별적인 특성이 부여됩니다. 그들은 쪼그리고 앉고 색이 억제되어 있습니다.

Kargopol 장난감은 부분적으로 성형되었습니다. 치마가 몸통에 놓여지고 다리가 부착되었습니다. 장난감을 해고하고 흰색 페인트로 덮었습니다.

공예가와 이야기꾼 M Babkina의 가슴에 태양의 표시가있는 쾌활한 Polkan 영웅은 큰 힘을 부여받습니다. 그의 이미지는 고대 슬라브 신화와 관련이 있습니다.

장인은 모델링과 페인팅의 전통적인 기술을 유지했습니다. Kargopol 장식은 상징적 인 의미를 지닌 기하학적 패턴, 원의 십자가-태양, 원, 다이아몬드, 지그재그로 구성됩니다.

Kargopol 마스터는 빨간색, 노란색, 갈색, 습지, 진홍색과 같은 부드러운 색상을 사용합니다.

Filimonov 장난감. 툴라 지역의 Odoevsky 지역에 있는 Filimonovo 마을은 러시아 전통 찰흙 장난감의 중심지입니다. 공예의 기원은 도자기의 오랜 생산과 관련이 있습니다. 19세기부터 Filimonov의 장난감이 널리 알려지게 됩니다. 이들은 기하학적 패턴으로 장식 된 동물 모양의 장난감, 주로 호루라기입니다. 1967년에 Filimonovo에 워크샵이 생겼습니다. 전통적인 Filimonovo 장난감은 유성 점토 "siniki"의 플라스틱 품질을 기반으로 합니다. 점토가 마르면 장난감이 깨집니다. 그것들의 균열이 부드럽게되어 그림이 더 길쭉한 모양을 만듭니다. 소성 시 자연적인 청흑색이 흰색으로 변합니다. 따라서 장난감의 배경은 계란에 희석 된 아닐린 페인트 (빨간색, 노란색, 녹색, 파란색, 보라색)로 칠해집니다. 기하학적 장식은 줄무늬, 태양 기호로 구성됩니다. 종종 여성 인물은 줄무늬뿐만 아니라 꽃, 장미, 삼각형으로 칠해집니다. 현대의 대가들은 그들의 작품에서 전통적인 형태의 색상 조합과 장식품을 보존했습니다.

레이스 직조.

러시아의 손으로 짠 레이스는 18세기 말부터 우리 민속 공예의 역사에서 알려졌습니다. 수제 레이스 만들기는 가정 공예의 단계를 거치지 않고 즉시 민속 공예로 형성되었습니다. 서유럽 레이스는 17세기 후반에서 18세기 초반에 러시아에 침투하기 시작했습니다. 귀족과 지주의 옷을 장식하는 데 사용되었습니다. 레이스와 레이스 트리밍에 대한 유행이 확산되면서 많은 귀족들이 농노 레이스 제작 워크샵을 열었습니다. .

손으로 짠 레이스는 나무를 깎아 만든 보빈을 사용하여 만듭니다. 레이스 메이커 앞에는 꽉 채워진 쿠션인 베개가 있습니다. 베개에 적용된 미래 레이스의 패턴이 베개에 고정됩니다. 두꺼운 종이. Figure-skolka에서 점은 실이 교차하고 얽히는 위치를 나타냅니다. 린넨, 면 또는 실크 실로 된 6-12 쌍의 보빈에서 레이스 제작자의 손에.

볼로그다 레이스. 밀도, 백색도 및 패턴으로 인해 유리의 서리가 내린 패턴과 조용한 서리가 내린 날의 한겨울 나무의 흰 서리를 매우 연상시킵니다.

볼로그다 레이스의 기본은 촘촘한 "린넨 리본"으로, "빌리쉬카"라고도 불리는데, 이는 레이스 장식의 다양한 형태를 나타내기 위해 너무 기발하게 꼬여 있기 때문입니다. 볼로그다 레이스의 경우 꽃 장식이 대표적입니다. 넓은 손바닥 모양의 잎과 전면에 6, 8개 이상의 꽃잎이 달린 로제트 꽃이 대칭적으로 배치된 무성한 덤불을 모티브로 레이스 제품의 넓은 패턴 테두리를 형성합니다. 격자는 조화롭고 리드미컬하게 완벽한 특성을 가지며 강도와 신뢰성의 인상을 줍니다. 볼로그다 레이스의 범위는 매우 다양하며 둥근 냅킨, 러너, 식탁보, 장식된 벽 패널, 창 커튼, 커튼이 포함됩니다.

미하일롭스키 레이스. Ryazan 지방의 Mikhailov시에서 생산되는 레이스가 큰 관심을 끌고 있습니다. 여기에서 그들은 흰색뿐만 아니라 다색의 밝은 두꺼운 실로 만든 조밀 한 레이스를 수행했습니다. 러시아 농민들의 화려한 의상과 잘 어울렸다. 그것은 여성뿐만 아니라 남성들도 셔츠에 입었습니다. 그들은 여성용 앞치마, 수건, 시트로 덮여있었습니다. 그것은 "망토", 부채 모양의 인물, 소위 종과 같은 뾰족한 이빨의 단순한 모양을 가졌습니다. 레이스에는 흰색, 빨간색, 파란색의 세 가지 색상의 실만 사용했지만, 매우 능숙하게 결합되어 각 레이스 조각이 새로운 방식으로 다채롭게 보였습니다. 1950년대에는 Mikhailovsky 레이스의 외관에 눈에 띄는 변화가 있었습니다. 패턴이 강화되고 새로운 색상이 도입됩니다. 이러한 변화는 주로 레이스 제작자라는 재능 있는 예술가의 이름과 관련이 있습니다. D.A. 스미르노바. 그녀의 작품에는 처음으로 인물의 이미지가 등장한다. 공예가와 함께하는 D.A. Smirnova는 러시아 민속 예술의 독특한 현상으로 색상 패턴의 아름다움을 보존하려고합니다.

자수는 가장 널리 퍼진 민속 예술 유형 중 하나입니다.

민속 자수 장식은 고대에 그 뿌리를 두고 있습니다. 사람들이 주변 자연을 정신화했던 시대의 흔적을 고스란히 간직하고 있습니다. 그리고 그들의 옷과 가정 용품에 태양, 생명나무, 새, 여성 형상의 이미지를 활력, 행복, 다산의 상징으로 배치하여 가정에 번영을 가져올 것이라고 믿었습니다.

진행중 역사적인 발전각 국가는 자수 패턴의 특정 특성, 독특한 기술 구현 기술, 독특한 색상 솔루션을 개발했습니다.

자수에는 바늘, 실, 캔버스와 같은 정교한 장비가 필요하지 않으며 옷을 자수하고 꿰매고 집을 장식하는 우아한 품목을 만드는 데 필요한 모든 것입니다. 자수는 농촌과 도시 인구 모두의 일상 생활에서 널리 사용되었습니다. 많은 유형의 자수가 인구의 부유층의 옷과 가정 용품을 장식하는 데 적극적으로 사용되었습니다.

특히 가치있는 것은 시골 주민들의 창의성과 관련된 농민 자수입니다. 이 자수에서 오늘날에도 그 가치를 잃지 않은 예술적이고 문체적인 특징이 형성되었습니다.

우리 나라 사람들의 자수는 예술적, 기술적 방법, 일상 생활에서의 사용 특성면에서 매우 다양합니다. 연방 및 자치 공화국, 영토, 지역, 지구에는 재능있는 자수가의 독특한 작품이 있습니다.

현대 스티치 자수 공예품의 형성 과정은 모호합니다. 각 지역에서 그것은 생활 방식, 공통 문화 전통의 발전, 이웃 민족 문화의 상호 영향 정도와 관련이 있습니다. 현재 자수는 러시아뿐만 아니라 우크라이나, 벨로루시, 몰도바, 우즈베키스탄 및 타지키스탄의 공예품 기업에서 특히 폭넓게 발전했습니다.

금 자수는 이전에 종교 용품을 만들고 머리 장식을 장식하는 데 사용되었습니다. 이러한 자수는 Nizhny Novgorod, Tver, Vologda 및 기타 여러 지역에서 일반적이었습니다. 그러나 이 자수는 공예가들이 금 자수 예술을 우리 시대에 가져온 Torzhok에서 가장 많이 개발되었습니다. 여기에는 단조 솔기, 주조 솔기, 부착 등 노동 집약적 인 재봉 기술이 사용됩니다. 패턴의 릴리프 효과를 크게 얻으려면 만들 때 판지, 자작 나무 껍질 또는 가죽 조각을 놓으십시오. 바닥 아래.

Tver 지역의 현대 Torzhok 금 자수 산업은 독특하며 전통적인 기술을 보존하면서 벨트, 핸드백, 모자, 조끼, 특별한 경우를 위한 폴더와 같은 우아한 품목이 만들어집니다.

단순한 줄무늬, 작은 구멍, 별에서 복잡한 꽃 장식 구성에 이르기까지 다양한 패턴이 금 자수에 사용되었습니다. 이전과 마찬가지로 금 자수에는 스팽글 패치가 추가되고 스카프, 숄, 가슴 장식과 같은 의상을 추가할 때 특히 자주 사용되는 다양한 희소 솔기가 포함됩니다.

블라디미르 지역에서 일종의 자수가 개발되었습니다. 이것은 모든 종류의 배너와 투각 추가 및 밝은 장식 자수가있는 얇은 흰색 매끄러운 표면입니다. 소위 Vladimir 솔기가 있습니다.

와 접촉

이 가이드는 러시아 공예품에 전념하며 각 공예품은 별도로 설명되어 있습니다.

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공예란 무엇인가

간단히 말해서 이것은 손 작업, 일과 기술, 생계를 유지합니다. 수공예 활동이 없는 인류는 상상하기 어렵습니다.

공예의 개념은 다면적입니다. 어떤 사람들은 예술 작품의 창작이 더 이상 공예가 아니라고 믿습니다. 다른 사람들은 예술가나 아이콘 화가, 시인이나 배우라는 직업을 하나의 공예로 여깁니다.

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어쨌든 어떤 사업이든 예술적, 직업적 고도를 달성할 수 있지만 모든 직업적 사업은 단순한 필요성에서 시작하여 장인의 기술이 성취되고 그래야만 광범위한 생산으로 변하거나 개인 마스터를 영화롭게 할 수 있습니다. 완벽에 도달한 사람.

러시아 공예품 가이드, CC BY-SA 3.0

러시아 사람들 사이에 이것의 많은 예가 있습니다. 우리의 옻칠 미니어처와 쟁반, Abramtsevo-Kudrinskaya 조각 등은 안전하게 예술 작품에 기인할 수 있습니다.

물론, 공예에서 많은 것은 개인의 기술에 달려 있습니다.

사전 중 하나에서 우리는 다음과 같이 읽습니다.

"러시아에서는 단순한 도구의 사용, 장인의 개인적인 기술의 결정적인 중요성, 생산의 개별적 특성(장인이 단독으로 또는 제한된 수의 조수와 함께 작업)이 일반적입니다."

러시아 공예품 가이드, CC BY-SA 3.0

무엇을 위해 그리고 왜

공예의 역사는 인간 생산 활동의 시작으로 거슬러 올라가며 다양한 형태를 취하는 긴 역사적 발전 경로를 거쳤습니다.

가정 공예 - 자연 농업
수공예품 - 자연 경제의 쇠퇴 조건에서
시장에 공예품

공예품의 발달과 형성은 기후, 지리적 위치, 정치적, 역사적 요인에 크게 영향을 받았습니다.

니즈니 노브고로드 지방의 수공예품 및 공예품. 대형 중량 빔 생산. 마을 "빨간 라면" Semyonovsky 지구. 1896년 무명의 19세기 후반 사진가, CC BY-SA 3.0

예를 들어, 비잔티움은 정교회 문화로 세계를 풍요롭게 했으며, 이는 차례로 러시아 공예의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.

특히 도시에서 전문 공예품의 형성은 출현으로 이어졌습니다. 새로운 구체생산과 새로운 사회적 계층 - 도시 장인.

러시아 공예품 가이드, CC BY-SA 3.0

건축 의례는 공예의 보급과 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.

19세기 러시아에서는 차르 정부의 지원을 받은 "러시아 스타일"을 만드는 것에 대해 점점 더 많은 사람들이 생각하기 시작했습니다.

1904년에 Polenov는 House of Folk Art를 만들었고, 1913년에는 최초의 민속 공예 박람회가 열렸습니다. 그건 그렇고, 차르 정부는 이 전시회에 수공업자들을 위한 길을 지불하기 위해 돈을 찾았습니다.

러시아 공예품 가이드, CC BY-SA 3.0

1920년대 초에는 민속공예품의 발달이 계속되다가 1930년대에 완성되었다. 그들의 부흥은 1968년 관련 당령이 발표되고 해당 조직이 만들어지면서 시작되었습니다. 그러나 이미 많은 것을 잃었습니다.

갱생

우리 시대에는 러시아 사람들의 공예품과 공예품의 활발한 부흥이 있습니다. 이에 대한 많은 예가 있습니다. 오래된 판화에 따르면 Alexander Anatolyevich Baukin 덕분에 부활했습니다. Alexander Nikolayevich는 미술사가 Viktor Yakovlevich와 함께 부활했습니다. 낚시는 Odoev에서 부활했습니다.