이탈리아 음악 용어 및 개념 사전. 음악사전

A CAPELLA(이탈리아어: 아카펠라) – 악기 반주 없이 합창하는 노래입니다. 성악 다성음악(전문 합창단, 아카펠라용)의 많은 예가 아카펠라 스타일로 작곡되었습니다. 무반주 합창은 민속 예술에 널리 퍼져 있습니다.

ADAGIO (이탈리아어 adagio - 천천히) – 1) 느린 템포. 2) 고전 무용에서 - 느린 부분(보통 서정적인 성격).

ACCOMPANEMENT (프랑스어 반주, 반주에서 반주까지) – a) 주요 멜로디 성부의 화성 및 리듬 반주; b) 하나 이상의 악기와 오케스트라, 솔로 부분(가수, 악기 연주자, 합창단 등)의 반주.

CHORD (Late Lat. Accordo - 동의함) - 1) 귀에 소리의 통일성으로 인식되는 서로 다른 높이의 여러 소리의 조합입니다. 화음의 구조는 모달-고조파 법칙에 의해 결정됩니다. 소리가 다른 세 개의 화음이 3화음입니다. 화음은 조화의 주요 요소입니다. 2) 스트링 코드(String chord) – 주어진 악기에 대한 스트링 세트입니다.

ACT(라틴어 actus - 액션) 또는 액션은 연극(드라마, 오페라, 발레 등)의 완성된 부분으로, 휴식 시간(중간 휴식)으로 다른 유사한 부분과 구분됩니다. 막의 수는 2막부터 5막까지입니다(단막극도 있습니다). 종종 법은 그림으로 나누어집니다. 극장에서는 때때로 한 막이 중단 없이 다른 막 뒤에 이어지기도 합니다(그림처럼).

ACCENT (라틴 악센트에서 - 강조) - 주로 강화하고 리드미컬하게 연장하고 조화, 음색, 멜로디 이동 방향 등을 변경하여 사운드 또는 코드를 강조하고 강조합니다.

ALLEGRO (이탈리아어 알레그로 - 명랑, 생동감) - 1) 빠른 템포와 그에 따른 생동감 넘치는(처음에는 명랑한) 연주 성격. 2) 소나타 알레그로 – 소나타 형식을 참조하세요. 3) 고전무용 - 한 막의 빠른 부분 또는 확장된 대규모 최종 춤.

ARRANGEMENT(프랑스어 편곡자, 문자 그대로 - 정리하다, 편곡하다)는 다른 악기(음성)를 위해 작곡된 음악 작품의 배열(개작) 또는 다른 악기 또는 다른 악기 연주를 위한 악기 구성(음성)입니다. 구성 (확장, 축소).

ARIETTA(이탈리아어 아리에타, 아리아의 축소형)는 작은 아리아로 일반적으로 표현의 단순성과 노래 같은 멜로디 특성(전형적인 프랑스 코믹 오페라)으로 구별됩니다.

ARIOSO(이탈리아어 아리오소, 아리아에서 유래) – 1) 멜로디 선언적 성격의 멜로디를 지닌 자유로운 구성의 작은 아리아입니다. 종종 Arioso는 암송 성격의 장면의 일부입니다. 2) 아리아처럼 노래한다(공연의 성격에 대해).

ARIA(이탈리아어 아리아, 주요 의미는 공기)는 오케스트라와 함께 한 명의 가수가 연주하는 오페라, 오라토리오 또는 칸타타의 완성된 에피소드(번호)입니다. 오페라의 극적인 전개에서 아리아는 극중 독백에 해당하는 자리를 차지하지만 훨씬 더 자주 사용된다. 일반적으로 오페라의 각 주요 캐릭터(부분적으로는 보조 캐릭터에서도 포함)는 하나 이상의 아리아를 가지고 있습니다. 일반적으로 아리아는 폭넓은 노래로 구별됩니다. 종종 낭송이 선행됩니다. 아리아의 종류 - arietta, arioso, cavatina 등. 아리아는 독립적인 콘서트 곡으로도 존재합니다(오페라 아리아의 성격상). 아리아는 선율적인 성격의 일부 악기 작품이라고도합니다.

ARS NOVA(lat. Ars nova - New art)는 초기 르네상스(14세기) 음악적 창의성의 진보적인 방향입니다. 주요 중심지는 파리와 피렌체이다. 이 이름은 음악 이론가이자 작곡가인 Philippe de Vitry의 저자로 간주되는 논문 "Ars nova"(14세기 20년대)에서 따왔습니다. 프랑스 음악에서 Ars Nova의 가장 큰 대표자는 이탈리아 음악의 Guillaume de Machaut-F. Landino입니다. 아르스 노바(Ars Nova)는 세속적인 성악 실내악 장르에 대한 호소, 일상적인 노래 가사와의 화해, 악기의 광범위한 사용이 특징입니다. 음악 테마와 멜로디가 더욱 두드러졌습니다. 아르스 노바의 특징적인 장르는 모테트, 발라드(프랑스), 초기 형태의 발라드, 마드리갈(이탈리아)입니다.

BALLET (프랑스 발레, 라틴어 ballo - I dance)는 일종의 합성 예술입니다. 무대 음악과 안무 이미지로 내용이 구현된 예술 작품. 발레는 일반적인 극적인 계획(시나리오), 음악(예외적으로 교향곡 및 보컬), 댄스, 무언극(얼굴 표정 및 플라스틱 몸짓) 및 시각 예술(풍경, 의상)을 기반으로 단일 연극 활동으로 결합됩니다. , 등.). ). 발레의 음악은 춤과 무언극을 동반할 뿐만 아니라 극적인 내용을 표현한다. 발레의 춤은 일반적으로 고전무용과 특징무용으로 구분됩니다(후자는 민속무용에 가깝습니다). 발레의 주요 표현수단은 고전무용이다.

BALLAD (프랑스 발라드, 라틴 발로 - 춤) - 원래 (중세) 로망스어 국가에서는 포크 댄스 노래였으며 나중에는 서유럽 사람들 사이에서 서사적 성격의 노래이기도 했습니다. 발라드 장르는 낭만주의 시대에 전문음악에서 부활하고 번성했다.

BARD(프랑스 바르데, 켈트 음유시인 출신)는 주로 현재 아일랜드와 스코틀랜드 영토에 살았던 켈트족 사이에서 방황하는 시인이자 가수입니다.

BOLERO(스페인 볼레로) - 스페인 페어 댄스, 적당한 속도의 템포, 3박자 박자. 기타 연주에 맞춰 연주하며 때로는 노래를 동반하기도 합니다.

BLUES(영어 블루스, from blue Devils - 우울, 낙담, 우울, 슬픔)는 20세기 초에 형성된 아프리카계 미국인 음악의 솔로곡 장르입니다. (1912년에 출판된 샘플). 그는 자신만의 다양한 표현 수단(소위 블루스 형식, 조화, 모드, 억양 등)과 줄거리 모티프를 보유하여 미국 흑인의 정신과 세계관을 가장 분명하게 표현했습니다. 20세기 초 재즈 형성에 가장 중요한 역할을 한 이 재즈는 그 전통에 맞춰 더욱 발전했습니다(악기, 주로 피아노, 음악 장르의 형태 포함). 주요 공연자 중에는 B. Smith, E. Fitzgerald가 있습니다. 50~60년대. 미국, 특히 영국 록 음악의 출현과 발전에 (리듬 앤 블루스의 형태로도) 영향을 미쳤습니다.

WALTZ (프랑스어 valse, German Walzer, walzen, 여기에서 스핀까지)는 쌍으로 된 부드러운 전진 동작으로 구성된 볼룸 댄스입니다. 음악 박자표: 3/4. 속도는 일반적으로 빠르거나 적당히 빠릅니다. 18세기 후반에 등장. 도시 생활에서 오스트리아, 체코, 독일의 민속 무용에서 점차 발전했습니다. 19세기 유럽 전역에 퍼졌다. 특히 비엔나 왈츠가 인기를 끌었습니다. 왈츠는 또한 피아노, 관현악 등의 연극에서 주요 작품의 일부로, 그리고 로망스나 아리아의 기초로 널리 퍼졌습니다.

변형 - 1) 음악 테마, 멜로디 또는 반주를 수정합니다. 2) 발레에서는 일반적으로 기술적으로 진보된 짧은 고전 무용을 생생하고 빠른 속도로 공연합니다.

VIENNA CLASSICAL SCHOOL은 18세기 후반 비엔나에서 발전한 음악의 한 방향입니다. 창립자는 J. 하이든과 W. 모차르트이며, 그의 작품은 18세기 계몽주의의 진보된 사상과 이념적으로 연결되어 있습니다. 비엔나에서 오페라 개혁을 시작한 H. Gluck은 비엔나 고전 학교에 소속되어 있습니다. 학교의 마지막이자 전환점은 L. 베토벤의 작품입니다. 비엔나 고전파의 예술에서는 고전 교향곡, 소나타, 협주곡, 4중주 등의 장르와 고전 소나타, 변주곡 형식이 최종적으로 구체화되고, 새로운 형태의 오페라와 교향악단이 정의되며, 오페라 장르를 진행하고 있습니다. 비엔나 클래식 학교는 음악사에서 한 시대를 구성했습니다.

VIRTUOSO(이탈리아어 거장, 라틴어 virtus - 용기, 재능)는 자신의 예술 기술을 완벽하게 구사하는 공연 음악가입니다.

VAUDEVILLE은 대개 일상적인 이야기를 바탕으로 한 대련과 노래로 구성된 가벼운 코미디입니다. 그것은 프랑스에서 시작되어 러시아에서 활발히 발전했습니다. 19세기 초의 보드빌은 소박한 농담, 명랑하고 기발하며 적절한 커플로 주목을 받았습니다. 도시 로맨스, 민요, 대중 춤(폴카, 왈츠)의 억양에 의존함으로써 보드빌은 민족적이고 민주적인 성격을 갖게 되었으며 풍자 요소는 뚜렷한 현대적 표현을 받았습니다. 당시 가장 유명한 러시아 작곡가 (A. Alyabyev, A. Verstovsky)는 보드빌 음악의 작가로 활동했습니다.

보컬 아트(VOCAL ART)는 노래하는 목소리의 숙달을 기반으로 한 일종의 음악 공연입니다. 보컬 연주에는 솔로(싱글), 앙상블(그룹), 합창(미사)이 있습니다. VOCAL ART는 콘서트 연습과 연극(오페라, 오페레타 등)에서 널리 사용됩니다.

성악(VOCAL MUSIC) - 노래를 위한 음악(악기 반주 유무에 관계없이).

GALLOP(프랑스어 galop, 고딕 hlaupan에서 유래 - 달리기)는 빠르게 빠르게 점프하는 동작으로 수행되는 볼룸 댄스입니다. 뮤지컬 크기는 2/4입니다. 프랑스어로 등장했습니다. 1825년경에 19세기 유럽 전역에 널리 퍼졌습니다. 오페라, 오페레타, 발레에 사용됩니다.

HARMONY(그리스어 - 연결, 조화, 비례)는 음조를 자음으로 자연스럽게 결합하고 순차적인 움직임에서 자음의 연결을 기반으로 하는 음악 표현 수단의 영역입니다. 하모니는 음조 내 관계뿐만 아니라 음조 자체 간의 관계도 포괄합니다. 자음의 주요 유형은 화음입니다. 화음에는 자음과 불협화음 등 다양한 유형이 있습니다. 조화는 모달 기능 관계를 기반으로 합니다. 스케일에서의 위치에 따라 코드는 하나 또는 다른 기능적 의미를 갖습니다. 하모니는 동음이의, 다성음악 등 모든 유형의 다성음악에서 목소리가 움직이는 과정에서 발생합니다. 동음이의 음악에서는 멜로디에 화성 반주(다른 성부)가 동반됩니다. 모든 멜로디에는 잠재적으로 하모니가 포함되어 있습니다. 조화는 이것을 기반으로합니다. 하모니의 기원은 포크음악에 있습니다. 음악 예술이 발전하는 과정에서 하모니는 새로운 수단과 기술로 수정되고 풍부해졌습니다. 하모니는 음향적, 생리적, 심리적 전제조건에 의해 결정되는 객관적인 법칙을 기반으로 합니다. 하모니 교리는 음악 이론에서 가장 중요하고 널리 발전된 부분 중 하나입니다.

CITY SONG은 18세기에 유래되었습니다. 옛 민요를 바탕으로 음악을 사용한다. 고대 노래의 특징을 갖고 있지만 구성이 더 간단하고 화음 반주가 있으며 주제가 도시 생활과 관련되어 있습니다.

DIES IRE(위도 Dies irae - 진노의 날) - 진혼곡의 한 부분인 중세 가톨릭 성가(순서)입니다. 어둡고 불길한 성격을 지닌 Diez Ire의 곡은 많은 작곡가들에 의해 사용되어 왔습니다.

지휘는 음악 작품(오케스트라, 합창단 등)의 집단 연주를 지휘하는 예술입니다. 지휘 기술은 지휘자가 음악 그룹의 연주를 지휘하는 특별히 개발된 몸짓과 표정 시스템을 기반으로 합니다.

불협화음(라틴어 불협화음에서 유래한 프랑스어 불협화음 - 조율이 맞지 않는 소리)은 불일치감을 유발하고 귀에 자극을 증가시키는 자음입니다.

SACRED MUSIC – 사원, 교회 또는 일상 생활에서 연주되는 종교적인 내용의 음악입니다.

GENRE(프랑스 장르) – 음악 작품의 일종. 넓은 의미에서 이 용어는 오페라 장르, 교향곡 장르 등 다양한 음악 분야에 적용됩니다. 다양한 기초 산업에 적용되는 이 용어에 대한 보다 좁은 이해가 더 정확합니다. 오페라 장르 - 코믹오페라, 그랜드오페라, 리릭오페라 등 교향곡의 장르 - 교향곡, 서곡, 모음곡, 시 등 실내악 장르 – 로망스, 소나타, 4중주 등 장르의 개념은 또한 살롱 장르, 라이트 장르(따라서 장르 노래)와 같이 창의성의 하나 이상의 특성과 이와 관련된 연주 방식을 정의합니다.

지그. – 1) 중세 현악기의 일상적인 이름. 2) 영어 켈트족 출신의 고대 민속무용(아일랜드, 스코틀랜드). 기가(Giga)는 페어 댄스(선원의 솔로)입니다. XVII – XVIII 세기까지. 지그가 살롱 댄스가 됩니다. 나중에는 주로 민속춤으로 보존되었습니다. 음악 형식으로서 Gigue는 17~18세기 악기 모음에서 일반적으로 6/8, 9/8 또는 12/8의 음악 박자표에서 안정적인 기능을 획득합니다.

SOLO - 1) 한 명 이상의 가수(리더)가 연주하는 합창곡의 시작 후 전체 합창단이 노래를 선택합니다. 어떤 경우에는 노래 멜로디의 첫 번째 프레이즈나 절반입니다. 민요에서는 멜로디가 반복되는 동안 합창이 달라지는 경우가 많습니다. 2) 일반적으로 주요 내용과 관련이 없는 서사시의 시작입니다.

ZATKT - 종종 음악이나 별도의 악구 또는 멜로디가 시작되는 불완전한 비트(비트의 약한 부분)입니다. 비트는 다음 소절의 강한 부분과 뗄 수 없는 전체를 형성합니다.

소리(SOUND) – 귀로 감지되는 탄성 매체(기체, 액체 및 고체)에서 전파되는 기계적 진동입니다. 소리의 근원은 끈, 금속, 늘어난 가죽, 공기 기둥 등이 될 수 있습니다. 인간의 귀는 초당 약 20~20,000회의 진동수 범위의 진동을 감지할 수 있습니다. 주파수가 높을수록 소리도 높아집니다. (소음과 반대되는) 특정 음조를 갖고 자연스럽게 구성된 음악 시스템의 일부인 소리를 음악적 소리라고 합니다. 사운드의 구성에는 음색이 좌우되는 부분 톤이 포함됩니다. 각 사운드에는 특정 볼륨(강도)이 있습니다.

SINGSPIEL(독일어 Singspiel, singen(노래하다)과 Spiel(연극)에서 유래)은 노래와 춤이 대화와 함께 번갈아 나타나는 독일의 코믹 오페라입니다. 그것은 독일의 음악 및 연극 예술 장르로 등장했습니다. 징슈필은 대개 일상적인 내용을 담은 연극을 기반으로 했으며, 종종 동화 같은 요소도 포함했습니다.

ZNAMNY CHANT – 고대 정교회 숭배 성가 시스템입니다. 이름은 고대 슬라브어 "배너"(노래 표시)에서 유래되었습니다. 배너(또는 후크)는 구호를 녹음하는 데 사용되었습니다. Znamenny Chant에는 교회 예배 형태와 관련된 다양한 변형이 있습니다. 이 가사는 다양한 멜로디 기법을 사용하여 부를 수 있었는데, 이는 교회 합창단에게 중요한 창의적 주도권을 제공했습니다.

IMITATION (라틴어 imitatio 모방에서 유래) – 1) 누군가 또는 사물의 모방, 재생산; 가짜. 2) 다성음악에서 이전에 다른 성부에서 들었던 멜로디를 한 성부의 정확하거나 변형된 반복. 카논과 푸가를 포함한 많은 다성음악 형식은 모방을 기반으로 합니다.

INVENTION - (라틴어 invetio - 발명, 발명에서 유래) - 모방 스타일로 작성된 작은 2성 또는 3성 악기 곡입니다. 종종 구조상 푸가나 푸게타에 가깝습니다. 클라비어에서 푸가를 연주하는 기술을 익히기 위한 준비 연습으로 학생들을 위한 발명품을 쓴 J. S. Bach의 작품에서 발견됩니다.

INTERLUDE(라틴어 inter - between 및 ludus - game)는 음악 작품의 더 중요한 두 부분 사이, 가장 흔히 개별 변주 사이의 작은 중간 에피소드입니다.

INTERMEDIA (가운데 위치한 라틴어 intermedius에서 유래) – 1) 연극(종종 뮤지컬 및 발레 곡 포함), 뮤지컬 드라마 또는 오페라의 액션 사이에 공연되는 작고 대부분 희극적인 작품입니다. 2) 푸가의 주제 사이의 음악적 에피소드.

INTONATION (라틴어 intono에서-큰 소리로 발음)-넓은 의미에서 음악적 사운드에 예술적 이미지를 구현하는 것입니다. 좁은 의미에서는: 1) 멜로디 전환, 표현적인 의미를 갖는 멜로디의 가장 작은 부분입니다. 2) 피치 간격 중 하나로 음악 사운드 또는 간격을 재현하거나 노래하는 목소리로 멜로디를 연주하거나 고정되지 않은 사운드 주파수를 사용하는 악기에서 멜로디를 연주할 때. 3) 높이, 음색 및 음량 측면에서 악기 음계의 각 음색의 정확성, 소리의 균일성.

소개 (라틴어 소개에서 - 소개) - 1) 짧은 소개, 일반적으로 느린 템포의 소개, 때로는 큰 형식의 악기 작품에서 주요 부분이 발표되기 전에. 2) 오페라 서곡의 일종. 3) 오페라 시작 부분의 성악 앙상블 또는 합창 장면.

CAVATINA(이탈리아어 cavatina, cavare, lit. - to extract)는 작은 오페라 아리아로, 일반적으로 서정적 서사적 성격을 띠며 형식과 노래 구조의 상대적 단순함으로 구별됩니다. 카바티나는 선율적인 멜로디를 지닌 짧은 기악곡이라고도 불립니다.

CADENCE (이탈리아어 cadenza, 라틴어 cado에서 유래 - 하강, 종료) - 1) Cadence, 음악 작품, 해당 부분 또는 별도의 구조를 완성하는 화음 또는 멜로디 회전. 2) 독주와 대규모 음악 작품의 일부(주로 기악 연주회)를 연주하는 거장 성격의 자유로운 즉흥 연주.

CACOPHONY (그리스어 - 나쁜 소리)는 혼란스럽고 혼란스러운 소리의 축적입니다.

CANON(그리스어 - 규범, 규칙)은 엄격하고 지속적인 모방을 기반으로 한 음악 형식으로, 다성 작품의 모든 목소리에서 동일한 멜로디를 순차적으로 구현합니다. 캐논에 참여하는 성부는 선두 성부의 멜로디를 반복하여 이 멜로디가 이전 멜로디로 끝나기 전에 들어갑니다.

CANTATA(이탈리아 칸타타, 칸타레에서 노래까지)는 여러 개의 완성된 숫자로 구성되고 솔로 가수와 오케스트라가 동반하는 합창단이 연주하는 엄숙하거나 서정적 성격의 작품입니다.

CANTUS FIRMUS(라틴어 cantus Firmus, 문자 그대로 - 강하고 변하지 않는 멜로디)는 변하지 않은 형태로 반복적으로 연주되는 다성 음악의 주요 멜로디입니다.

CAPELLA(후기 라틴 카펠라) – 1) 카톨릭 또는 성공회 예배당: 한 가족의 기도, 유물 보관 등을 위해 성전에 있는 작은 별도의 건물 또는 방(측면 신도석, 성가대 우회로). 2) 가수 합창단 (합창단이 노래를 불렀던 예배당이나 교회 통로의 이름에서 따옴) 악기 연주자 그룹. 18세기 이후 또한 가수와 악기 연주자의 혼합 앙상블입니다.

Kapellmeister (독일어: Kapellmeister) – 1) XVI-XVIII 세기. – 합창, 성악 또는 악기 채플의 디렉터. 2) 19세기에. 연극, 군대, 교향악단의 지휘자. 3) 현대 K는 군악단의 리더이다.

위도의 QUARTET. quartus fourth)는 4명의 연주자로 구성된 음악 앙상블이자 이 앙상블을 위한 악곡입니다.

QUINTET(라틴어 quintus five에서 유래)는 5명의 연주자로 구성된 음악 앙상블이자 이 앙상블의 음악 작품입니다.

CLASSICS(라틴어 classicus에서 유래 - 모범적) - 모범적인 고전 작품이자 세계 음악 문화의 황금 기금입니다. 클래식 음악(클래식 음악)에는 주로 과거(음악 유산의 가장 좋은 예)의 뛰어난 작곡가의 작품뿐만 아니라 현재의 작품도 포함됩니다.

CODA(이탈리아어 coda, lit. tail)는 음악 작품의 추가 마지막 부분으로, 주요 음조를 설정하고 이전 음악 전개를 요약합니다.

COMPOSITION (라틴어 compositio - 작곡) – 1) 음악 작품의 구조, 음악 형식. 2) 어떤 의미에서 음악은 창의성의 산물이다.

CONSONANCE (프랑스어 자음, 소리에 따른 라틴어 consono에서 유래)는 동시에 소리의 조화롭고 조화로운 조합입니다. 그 반대 개념은 불협화음이다.

COUNTERPOUNT (lat. 푼크툼 콘트라 푼크툼 - 점등: 점 대 점) - 2개 이상의 독립적인 멜로디 목소리의 다성 조합으로 하나의 예술적 전체를 형성합니다.

COUPLET(프랑스어 대련)은 전체 멜로디의 한 구절과 시 가사의 한 연으로 구성된 노래의 섹션(부분)입니다. 절곡의 다음 연을 연주할 때 멜로디는 정확하게 반복되거나 변주가 변경됩니다. 이 구절은 대개 합창으로 시작해서 합창으로 끝납니다.

LAD는 안정적인 기준 사운드에 대한 불안정한 사운드의 의존성에 의해 결정되는 음악 사운드의 상호 관계 시스템입니다. 모달 구성은 음악 예술의 가장 중요한 기초 중 하나입니다. 선율의 법칙에 따라 멜로디가 만들어지고, 소리가 조화롭게 결합되고, 성부가 다성음악으로 조화를 이루며, 음악 형식의 부분들 사이에 조성 관계가 형성됩니다.

LEITMOTHIO(독일어 Leitmotiv, lit. - 선도적 동기) - 밝고 비유적인 멜로디 전환, 때로는 전체 테마), 음악에서 사람, 아이디어, 현상, 경험을 특성화하고 줄거리가 진행됨에 따라 작품에서 여러 번 반복됩니다. .

LANDLER(독일어: Landler, Landl – 오스트리아 서부 지역)는 독일과 오스트리아의 농부들이 짝을 이루는 원형 댄스입니다. 음악 박자는 3/4박자와 3/8박자입니다. 19세기까지 슬로우모션으로 춤을 췄다. 왈츠의 유래가 된 춤 중 하나.

LIBRETTO (이탈리아어 대본, 문자 그대로 – 작은 책) – 1) 주로 무대에서 성악 뮤지컬 및 연극 작품의 구두 텍스트. 2) 발레, 무언극의 문학 대본. 3) 별도의 소책자로 출판되거나 연극 프로그램에 게재된 오페라, 발레, 드라마 또는 영화의 줄거리에 대한 간략한 요약입니다.

HUNT – 가수가 연주하는 보컬 멜로디입니다.

MAJOR(라틴 메이저 - 더 큰)는 안정적인 사운드(1도, 3도, 5도)가 장(장조) 3화음을 형성하는 모드입니다. 음악에서 주요 3화음의 지배적인 중요성은 그 조화뿐만 아니라 소리의 음향적 특성과 가장 가까운 대응으로도 설명됩니다.

MAZURKA(폴란드 마주르)는 폴란드 민속무용입니다. 마수리아인(폴란드 민족지학적 그룹)에서 유래되었습니다. 나중에 가장 좋아하는 폴란드 춤이 되었습니다. 음악 박자는 3/4 또는 3/8입니다. Mazurka 멜로디는 날카로운 리듬 패턴으로 구별되며, 마디의 강한 비트에서 약한 비트로 이동하는 날카로운 악센트가 있는 경우가 많습니다. 그들은 원을 그리며 쌍으로 춤을 춥니다.

MELODY(그리스어 - 노래, 찬가, 멜로디)는 예술적으로 의미 있는 다양한 높이의 연속적인 사운드 시리즈로, 리드미컬하고 모달 방식으로 구성되어 있습니다. 멜로디는 작품의 화성, 질감, 보컬 연주, 악기 편성을 크게 결정합니다.

MENUET (프랑스 메뉴네, 메뉴 – 소형, 소형) – 프랑스 댄스. 음악 박자표: 3/4. 푸아투 지방의 민속무용에서 유래. 17세기 말. 법원 서클의 주요 볼룸 댄스 중 하나가되었습니다. 오페라와 발레 공연에 입문했다.

MASS(프랑스어 messe, 후기 라틴어 missa에서 유래)는 가톨릭 전례문을 바탕으로 한 다성 순환 작품입니다. 발전 과정에서 미사는 오페라 스타일에 접근하는 콘서트, 오라토리오 캐릭터를 획득했습니다. 장례미사를 레퀴엠(Requiem)이라고 합니다.

METER (프랑스 미터, 그리스어 - 측정) - 교대로 지원 및 비지원 동일 기간 시간 공유의 순서입니다. 음악적 리듬을 조직하는 시스템. 리듬은 시간에 따른 소리의 관계를 표현합니다. 미터는 이러한 관계를 측정하는 역할을 하며 리드미컬한 움직임을 측정하는 표준을 만듭니다.

MINOR(이탈리아어 단조, 라틴어 단조 - 더 작은 것)는 안정된 소리(1단계, 3단계, 5단계)가 작은(단조) 3화음을 형성하는 모드입니다. 장3화음과 함께 단3화음이 조화의 기초가 됩니다. 이들 3화음은 동일한 자음 간격(그러나 역조합)으로 구성되어 있고 해당 모드의 강장제로서 동일한 중요성을 갖기 때문에 자음 및 모달 측면에서 동일합니다.

POLYVOCALITY는 여러 개의 독립적인 성부의 조합이나 멜로디와 반주 또는 코드 반주의 조합을 기반으로 하는 음악의 화성 구조입니다. 다성-동음 혼합 어휘도 종종 발견됩니다.

THE MIGHTY HANDLE은 1850년대 후반과 1860년대 초반에 형성된 러시아 작곡가들의 창의적인 커뮤니티입니다. 새로운 러시아 음악 학교인 Balakirevsky 서클로도 알려져 있습니다. "Mighty Handful"이라는 이름은 이데올로기 - 비평가 V.V. Stasov. "Mighty Handful"에는 다음이 포함됩니다. M.A. 발라키레프(리더), A.P. 보로딘, M.P. 무소르그스키, Ts.A. Cui와 N.A. 림스키-코르사코프. K 씨. 70년대 "Mighty Handful"은 더 이상 응집력 있는 그룹으로 존재하지 않습니다. "Mighty Handful"의 활동은 러시아 및 세계 음악 예술 발전의 시대가되었습니다.

MOTET(프랑스어 motet, mot라는 단어에서 유래)는 다성 성악의 장르입니다. 12세기 프랑스에서 유래. 초기 모테트는 다른 성부들이 합류하는 성부 중 하나의 전례 성가를 기반으로 하며, 종종 동일한 텍스트의 변형이나 다른 텍스트를 사용합니다. 가장 높은 예는 Guillaume de Machaut, Josquin Depres, Palestrina, G. Schutz, I.S.에 속합니다. 바후.

음악 형식은 음악 작품에서 특정 이념적, 예술적 내용을 구현하는 표현 수단의 복합체입니다.

음악 작품의 구조, 구조. 각 작품에서 음악 형식은 개별적이지만 기간, 단순 및 복잡한 2부 형식, 단순 및 복잡한 3부 형식, 변주곡, 론도, 소나타 형식 등 상대적으로 안정적인 다양한 음계 유형이 있습니다. 음악형식의 구조적 단위는 모티브이다. 두 개 이상의 동기가 문구를 형성하고, 문구가 문장을 형성합니다. 두 문장이 마침표를 형성하는 경우가 많습니다(보통 8 또는 16마디). 음악의 주제는 대개 시대형으로 기술됩니다. 형식 구축의 기본 원칙: 주제별 자료(설명) 제시, 정확하거나 다양한 반복, 개발, 새로운 주제와의 비교 이전에 제시된 자료를 개발한 섹션 이후 또는 새로운 자료를 기반으로 반복(반복)합니다. 이러한 원칙은 종종 상호 작용합니다.

NOCTURNE (프랑스어 녹턴, 말 그대로 - 밤) - 1) 18세기. 관악기 앙상블 또는 현악기와 결합된 작은 조각의 체인; 저녁이나 밤에 세레나데처럼 연주됩니다. 2) 19세기 이후. - 마치 밤의 고요함, 밤 이미지에서 영감을 얻은 것처럼 선율적인 성격의 음악 작품입니다.

OVERTONES (독일어 Oberton, ober - 상부 및 톤) - 기본 톤 외에 사운드에 포함된 부분 톤입니다. 그렇지 않으면 복잡한 소리 진동의 구성 요소가 분석 중에 분리되고 주 구성 요소(가장 낮은 주파수를 가짐)보다 높은 주파수를 갖습니다. 복잡한 소리의 배음 구성에 따라 질적인 색상, 즉 음색이 결정됩니다.

OPERA (이탈리아 오페라, 말 그대로 - 작곡, 작품, 라틴 오페라 - 작품, 제품) - 일종의 합성 예술입니다. 무대의 음악적, 시적 이미지로 내용이 구현된 예술 작품. 오페라는 성악과 기악, 드라마, 시각 예술, 종종 안무를 하나의 연극 공연으로 결합합니다. 오페라에서는 독주곡(아리아, 노래 등), 레시타티브, 앙상블, 합창 장면, 댄스, 오케스트라 곡 등 다양한 형태의 오페라 음악이 다양한 방식으로 구현됩니다.

OPERA BUFFA (“버푼의 오페라”) – 이탈리아어. 오페라는 주로 일상의 현실적인 음모를 기반으로합니다. 18세기 전반 나폴리에서 유래. 특징적인 특징은 음악 번호가 음성 대화와 번갈아 나타나는 프랑스 코믹 오페라 또는 독일 징슈필과 달리 지속적인 음악 발전입니다.

OPERA SERIA(“진지한 오페라”) - 18세기에 개발되었습니다. 이탈리아에서는 영웅-신화, 전설적-역사 및 목가적 주제에 대한 고귀한 성격의 그랜드 오페라 장르로 궁중 귀족 미학의 요구 사항과 관습을 충족합니다. 특징적인 특징은 "번호가 매겨진" 구조입니다. 합창단과 발레를 사용하지 않거나 최소한으로 사용하면서 낭송으로 연결된 독주 악곡을 교대로 사용하는 것입니다.

ORATORY (이탈리아어 오라토리아, 라틴어 oro - 기도한다고 말함)는 합창단, 솔로 가수 및 심포니 오케스트라를 위한 대규모 음악 작품으로, 일반적으로 극적인 줄거리로 작성되었지만 무대 공연이 아닌 콘서트 공연을 위한 것입니다.

OSTINATO(이탈리아어 오스티나토)는 여러 번 연속으로 반복되는 멜로디 또는 리듬의 전환입니다.

RHAPSODY(그리스어 - 서사시 노래 또는 낭송)는 민요(노래 또는 춤)에 맞춰 작곡된 기악 작품으로, 대부분 자유 형식입니다. 테마 표현과 처리에 있어 더 큰 자유로움이 있다는 점에서 판타지와 다릅니다.

PANTOMIME (그리스어 - 모방으로 모든 것을 재현) - 1) 얼굴 표정과 몸짓을 통해 감정과 생각을 표현하는 예술. 2) 음악을 동반한 연극의 일종으로 말의 도움 없이 표현적인 움직임, 몸짓, 표정 등을 통해 예술적 이미지를 만들어 내는 연극이다. 3) 발레 예술의 주요 요소 중 하나입니다. 무언극은 댄스와 유기적으로 결합되거나 플롯 게임 장면으로 발레 공연에 포함됩니다.

파티 노래 - 부분적으로, 목소리로 노래합니다. 각 목소리는 자신의 대사를 자유롭게 이끈다. 이 스타일의 다성 노래는 중세 znamenny 스타일을 대체했습니다. 이 스타일의 작품은 가벼운 장조 사운드, 조화로운 충만함과 풍부함, 생생한 멜로디와 리듬으로 구별됩니다. 파티 게임은 8, 12, 24표, 때로는 48표로 작성되었습니다.

PARTITA(이탈리아어 partita, 문자로 여러 부분으로 나누어짐) - 17~18세기 음악. 합창 멜로디의 오르간 변주 유형이자 모음곡 유형입니다.

악보(이탈리아어 partitura, lit. - 분할, 배포) - 오케스트라, 합창단, 실내악 앙상블 등을 위한 다성 음악 작품의 음악 표기법으로, 모든 개별 성악(악기)의 일부가 결합되어 있습니다.

PASSACAGLIA(스페인어 pasar - pass 및 calle - 거리에서 유래) - 1) 스페인에서 유래된 고대(17~18세기) 춤입니다. 2) 베이스의 멜로디가 끊임없이 반복되는 변주 형태의 오르간, 클라비어 악곡입니다. Passacaglia의 성격은 장엄하게 집중되어 있으며 종종 비극적입니다. 크기 3/4 또는 3/2. 파사칼리아는 샤콘느와 관련이 있습니다.

PERIOD (그리스어 - 우회, 특정 시간 순환) - 다소 완전한 음악적 사고가 제시되는 구조입니다. 때로는 작품 전체(로맨스, 전주곡 등)나 소극이 시대형으로 구성되기도 한다.

SONG은 시적인 이미지와 음악적인 이미지를 결합한 가장 단순하고 널리 퍼진 성악 형식입니다.

POLYRHYTHM(그리스어 - 다수 및 리듬)은 한 마디에서 균등하지 않은 수의 박자 또는 이러한 박자의 불균등한 분할을 사용하여 두 개 이상의 리듬을 음악에서 동시에 조합하는 것입니다.

폴리포니(폴리... 및 그리스어 전화 소리, 음성)는 2개 이상의 독립적인 멜로디의 동시 조합을 기반으로 하는 폴리포니의 한 유형입니다(동음이의 반대). 다성음악의 유형에는 모방(모방), 대조(다른 멜로디의 대위법) 및 서브보컬(일부 러시아 민요 장르의 특징인 멜로디와 서브보컬 변형의 조합)이 있습니다. 유럽 ​​다성음악의 역사에는 세 시기가 있습니다. 초기 다성음악 시대(IX-XIV 세기)의 주요 장르는 오르가눔, 모테트입니다. 르네상스의 다성음악 또는 엄격한 스타일의 합창 다성음악은 온음계, 부드러운 멜로디, 비역동적이고 부드러운 리듬 맥동에 의존하는 것이 특징입니다. 주요 장르는 미사, 모테트, 마드리갈, 샹송이다. 프리 스타일 다성음악(XVII-XX 세기)은 주로 토카타, 라이서카르, 푸가 등의 세속 장르를 지향하는 도구입니다. 그 특징은 XX 세기의 조화, 음조의 진화와 관련이 있습니다. 또한 십이음 및 기타 유형의 구성 기술도 사용합니다.

POLKA(체코-하프)는 체코의 오래된 민속춤입니다. 원 안에 쌍으로 수행됩니다. 뮤지컬 크기 2/4. 활발하고 쾌활한 성격.

PRELUDE, Prelude (Late Latin preludium, 라틴어 praeludo에서 유래 - 미리 연주하고 소개합니다) - 기악곡입니다. 처음에는 즉흥 연주 성격에 대한 짧은 소개입니다. 15세기 이후 하프시코드 연주자와 오르간 연주자의 연주 연습에 널리 퍼졌습니다. 성격과 구조는 작곡가가 자유롭게 결정했습니다.

COURT SINGING CAPELLA, ST. PETERSBURG ACADEMIC CAPELLA의 이름을 딴 것입니다. M.I. 글린카(M.I. Glinka)는 1479년 모스크바에서 창단된 이른바 합창단 출신이다. 1701 Court Choir (1703 년 상트 페테르부르크로 이전)의 주권 노래 사무원, 1763 Court Singing Chapel, 1922 State Academic Chapel.

CHORUS, 후렴 - 각 절의 끝 부분에 동일한 가사로 연주되는 노래의 일부입니다.

PLAY(후기 라틴 페시아에서 유래 - 작품, 부분) - 1) 극장 공연을 위한 극적인 작품입니다. 2) 일반적으로 작은 크기의 솔로 또는 앙상블 음악 작품입니다.

REFRAIN (프랑스 후렴 - 깨뜨리다) - 1) 절 노래에는 후렴이 있습니다. 2) 론도에서는 주요 주제가 다양한 에피소드와 번갈아 가며 여러 번 반복됩니다.

REPRISE (프랑스어 reprise, reprendre에서 이력서, 반복까지) – 음악 작품의 모든 부분을 반복합니다(예: 소나타 형식).

RECITATIVE(이탈리아어 recitare - 암송하다, 라틴어 recito - 소리내어 읽기에서 유래)는 선율적인 낭송에 가까운 성악의 일종입니다. 암송은 표현력이 풍부하고 감정적으로 충만한 음성 억양, 목소리 높이기 및 낮추기, 악센트, 일시 중지 등을 기반으로 합니다. 낭송 선율은 폐쇄적인 음악 형식을 형성하지 않으며 가사의 구문적 구분에 크게 영향을 받습니다.

RHYTHM(그리스어 - 비례, 조화)은 음악의 주요 표현 및 형성 수단 중 하나인 음악 소리의 자연스러운 교대입니다. 멜로디의 가장 작은 표현 전환인 음악적 억양에는 필연적으로 리듬 요소가 포함됩니다. 때때로 리듬은 테마의 가장 눈에 띄는 요소로 작용하여 특별한 표현 의미를 얻습니다.

RICHERCARE(이탈리아어 ricercare - 검색)는 16세기에 등장한 기악 장르입니다. 서쪽에서 유럽. 처음에는 즉흥 연주 작품이 주로 화음 형식이었으나 나중에는 다성음악, 다중 테마(모테트 형식에 가까운 형식), 단일 테마(푸가 형식 준비)로 구성되었습니다. 저자 중: A. Gabrieli, Ya.P. Sweelinck, G. Frescobaldi, I.Ya. 프로베르거, I. 파헬벨, I.S. 바흐, 20세기. 만약에. 스트라빈스키.

ROMANCE(스페인 로맨스, 후기 라틴어 로망스에서 유래, 문자 그대로 "로마 스타일", 즉 스페인어)는 피아노나 기타, 하프 등이 반주되는 성악을 위한 음악적이고 시적인 작품입니다. 처음에 로맨스는 모국어인 “로마” 언어로 된 일상적인 노래였습니다. 로맨스의 시적 텍스트는 다양한 음악적 구현을 ​​찾습니다. 로맨스는 성악 실내악의 주요 장르입니다.

RONDO(프랑스어 rondeau, rond-circle에서 유래)는 다양한 내용의 에피소드를 번갈아 가며 주요 주제를 반복적으로 반복하는 음악 형식입니다.

러시아 음악 협회(RMS)는 음악 예술의 광범위한 선전을 목적으로 1859년 A. 루빈스타인이 창설한 콘서트 조직입니다.

SYMPHONY(그리스 교향곡 자음에서 유래)는 교향악단을 위한 순환 소나타 형식으로 작곡된 곡입니다. 기악의 가장 높은 형태. 보통 4부분으로 구성됩니다. 마지막에 고전적인 유형의 교향곡이 발전했습니다. 18일 시작 19세기 (J. 하이든, W.A. 모차르트, L. 베토벤). 낭만주의 작곡가들 사이에서는 서정 교향곡(F. Schubert, F. Mendelssohn)과 프로그램 교향곡(G. Berlioz, F. Liszt)이 매우 중요해졌습니다. 19세기와 20세기 서유럽 작곡가들은 교향곡 발전에 중요한 공헌을 했습니다. (I. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, S. Frank, A. Dvorak, J. Sibelius 등). 러시아 교향곡의 중요한 장소(A.P. Borodin, P.I. Tchaikovsky, A.K. Glazunov, A.N. Scriabin, S.V. Rachmaninov, N.Ya. Myaskovsky, S.S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, A.I. Khachaturian 및 기타) 음악.

SCHERZO(이탈리아어 scherzo, 가벼운 농담) – 1) 16~17세기. 유머러스한 텍스트와 다양한 악기 작품을 기반으로 한 성악 작품 지정(C. Monteverdi 및 기타 작품) 2) 모음곡의 일부(예: J.S. Bach). 3) 18세기 말 소나타-교향악곡의 일부. 점차적으로 미뉴에트(L. Beethoven, A. Bruckner, G. Mahler, D. D. Shostakovich 등의 교향곡)를 대체합니다. 대비되는 영상의 급격한 변화와 빠른 템포, 3박자의 박자가 특징이다. 4) 19세기 이후. 카프리치오에 가까운 독립적인 악기 작품(F. 쇼팽, R. 슈만 등의 피아노 모음곡).

소나타(이탈리아 소나타, 소나레에서 소리까지)는 음악 장르로, 하나 이상의 악기를 위한 작품으로 소나타 주기 형식으로 작성되었습니다(순환 형식 참조). 마지막에는 고전적인 유형의 소나타(2~4악장)가 개발되었습니다. XVIII 세기 J. Haydn과 V.A. 모차르트; L. 베토벤은 비유적인 구조와 구성 원리가 다양한 소나타의 높은 예를 만들었습니다. 이 장르는 서유럽 낭만주의 음악(F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, F. Liszt 등), 러시아 음악(P.I. Tchaikovsky, S.V. Rachmaninov, A.N. Scriabin, N.K. Medtner, N.Ya)에서 상당한 발전을 이루었습니다. .Myaskovsky, S.S. Prokofiev, D.D. Shostakovich 등).

SONATA FORM은 가장 발전된 비순환 기악 형식입니다. 소나타 형식은 다양한 주제의 대조적인 비교(설명), 주제의 동기 및 음색 전개(정교), 기본 키에서 주요 주제의 더 자주 반복(반복)을 기반으로 합니다. 소나타 형식의 주요 부분은 서주와 코다로 연결될 수 있습니다. 소나타 형식은 순환 형식(소나타에서, 1악장에서 더 자주)의 모든 부분과 단악장 작품에서 사용될 수 있습니다.

SUITE(프랑스어 모음곡, lit. row, 시퀀스)는 여러 대조되는 부분으로 구성된 악기 순환 음악 작품입니다. 모음곡은 부분의 수, 성격, 순서에 대한 엄격한 규정이 없고 노래와 춤과 밀접한 관련이 있다는 점에서 소나타 및 교향곡과 구별됩니다. 모음곡 XVII-XVIII 세기. 알망드, 차임, 사라방드, 지그 및 기타 춤으로 구성되었습니다. XIX-XX 세기. 오케스트라 비댄스 모음곡이 만들어졌으며(P.I. Tchaikovsky) 때로는 프로그래밍 방식으로(N.A. Rimsky-Korsakov의 Scheherazade) 만들어졌습니다. 오페라, 발레 음악, 연극 음악으로 구성된 모음곡이 있습니다.

TACT(라틴어 tactus에서 문자 그대로 터치) - 미터 단위입니다.

댄스(독일 탄츠에서 유래)는 조형적 움직임과 인체 표현 위치의 리드미컬하고 명확하고 지속적인 변화를 통해 예술적 이미지를 생성하는 예술 유형입니다. 춤은 음악과 불가분의 관계가 있으며, 음악의 감정적이고 비유적인 내용은 안무 구성, 동작 및 인물에 구현되어 있습니다.

TAPER (프랑스어 테이퍼, 문자 그대로 박수, 노크) - 저녁과 무도회에 춤을 추는 피아니스트. 무성영화를 음악으로 그린 ​​피아니스트를 피아니스트라고도 불렀다.

THEME은 작품이나 그 일부의 주요 아이디어를 표현하고 일반적으로 추가 개발의 주제로 사용되는 음악 구조입니다. 그러나 때로는 하나의 주제가 큰 형태뿐만 아니라 소위 특징적인 변주로 나타나는 중요한 변형을 기반으로 다양한 음악적 이미지가 발생하는 경우도 있습니다.

TIMBRE(프랑스 음색) – 소리의 "색상" 또는 "특성", 동일한 피치의 소리가 달라지는 품질, 이로 인해 한 악기나 음성의 소리가 다른 소리와 달라지는 것입니다. 음색은 소리 진동의 형태에 따라 달라지며 고조파(부분음)의 수와 강도에 따라 결정됩니다.

TOCCATA(이탈리아어 토카타, toccare에서 터치, 터치까지)는 피아노 또는 오르간을 위한 거장 음악 작품으로, 빠르고 측정되며 명확한 리듬 동작으로 지속되며 대부분 타악기 코드 기술이 우세합니다. 16~18세기. 토카타는 전주곡이나 환상에 가까운 자유로운 즉흥 연주 형식으로 작성되었습니다.

TONALITY - 음악 시스템 스케일의 하나 또는 다른 단계에서 메인 톤(토닉)의 위치에 따라 결정되는 모드 사운드의 높이입니다. 모드의 개념은 주어진 높이의 단계 비율과 기능적 관계만을 표현합니다. 모드 사운드의 특정 피치는 음조의 개념에 따라 결정됩니다.

TONIC – 1) 모드의 주된 안정된 사운드로, 멜로디나 멜로디의 일부가 끝날 때 완성감을 주는 사운드입니다. 2) 스케일의 메인 코드(보통 스케일의 1도에 내장된 메이저 또는 마이너 3화음)로, 일반적으로 다성 음악에서 비슷한 느낌을 불러일으킵니다.

TREESON - 3도에 위치하거나 위치할 수 있는 서로 다른 세 가지 사운드로 구성된 주요 코드 유형입니다.

TREPAK(늙은 러시아 tropat에서 유래 - 발로 밟기)는 늙은 러시아 춤입니다. 뮤지컬 크기 2/4. 속도는 활기차다. 주요 댄스 동작은 연주자들이 즉흥적으로 진행합니다. Trepak은 분수 단계와 밟기가 특징입니다. 대담하고 열정적으로 유쾌하게 진행됩니다.

TUTTI(이탈리아어 tutti - 모두) - 전체 오케스트라의 음악 연주입니다.

OVERTURE(프랑스 곡곡, ouvrir에서 시작까지) - 오페라, 발레, 오라토리오, 드라마 등을 소개하는 오케스트라 작품입니다. 또한 소나타 형식의 독립 콘서트 작품이기도 합니다. 서곡은 청취자가 다가오는 동작을 준비하고 주의를 집중시키며 공연의 감정적 영역을 소개합니다. 일반적으로 서곡은 이념적 개념, 극적인 갈등, 가장 중요한 이미지 또는 작품의 일반적인 성격과 풍미를 일반화된 형태로 전달합니다.

UNISON (이탈리아어 unisono, 라틴어 unis - one 및 sonus - 사운드) - 동일한 높이의 두 개 이상의 사운드와 다른 옥타브의 동일한 사운드가 동시에 발생하는 사운드입니다.

FACTURA(라틴어 FACTURA - 처리)는 작품의 기술적 구조를 형성하는 음악 표현 수단(멜로디, 코드, 다성 음색 등) 세트입니다. 질감은 작품의 내용, 구성 원리, 악기나 목소리의 표현 능력과 기술적 특징에 따라 결정됩니다.

FANTASY(그리스어 – 상상) – 자유 형식의 음악 작품입니다. XVI-XVII 세기. 오르간과 클라비어에 대한 환상은 다성음악 방식으로 작곡되었으며 토카타에 가깝습니다. 19세기 이후 많은 환상은 노래, 춤, 로맨스, 오페라, 발레의 멜로디를 자유롭고 변주적으로 발전시키는 데 기반을 두고 있습니다.

FUGA(라틴어 fuga에서 유래 - 달리기, 비행)는 특정 음조 조화 계획에 따라 모든 목소리에서 하나, 덜 자주 두 개 이상의 테마를 모방하는 것을 기반으로 한 다성 작품의 한 형태입니다. 푸가는 다성음악의 가장 높은 형태이다. 간단한 푸가(한 가지 주제)와 복잡한 푸가(2개, 3개 또는 그 이상의 주제)가 있습니다. 푸가의 주제는 대개 표현력이 풍부하고 기억에 남는 짧은 멜로디입니다. 푸가의 개발 과정에서 원래의 예술적 이미지는 새로운 색조로 풍부해졌지만, 이는 드문 경우지만 이것이 특정한 재검토로 이어집니다. 푸가는 17세기에 형성되었다. 그 이전의 다성 형식(canzona, ricercara, motet)을 기반으로 하며 18세기 전반에 특히 큰 중요성을 얻었습니다. 바흐와 헨델에서. I.S.의 푸가 샘플 바흐, G.F. 헨델, V.A. 모차르트, L. 베토벤, P. 힌데미트, D.D. 쇼스타코비치 등

FUGATO(이탈리아어 푸가토, 문자 그대로 - 푸가와 유사)는 음악 작품의 에피소드로, 푸가 해설처럼 구성되어 있으며 때로는 독립된 작품이기도 합니다.

HABANERA (스페인어 하바네라, 하바나 - 하바나) - 스페인 민속 무용 - 노래; 쿠바 섬에서 시작되어 나중에 스페인으로 퍼졌습니다. 음악 크기는 2/4이며 특징적인 리듬 모양, 소절의 마지막 비트가 강조되고 템포가 느립니다. 하바네라에는 노래가 동반되며 동작은 본질적으로 즉흥적입니다.

순환 형식(그리스어 - 원, 순환) - 비유적인 내용과 구조가 다른 다소 독립적인 여러 부분을 단일 개념으로 결합한 음악 형식입니다. 가장 중요한 순환 음악 형식은 모음곡과 소나타 형식입니다.

CHACONA(스페인어: chacona)는 16세기 말부터 스페인에서 알려진 고대 춤입니다. 노래와 캐스터네츠 연주에 맞춰 생동감 넘치는 속도로 공연되었습니다. 음악 박자표: 3/4. 샤콘느는 17~18세기에 가장 널리 퍼졌습니다. 베이스에서 변함없이 반복되는 작은 주제를 변주 형식으로 구성한 작품처럼요. 악기 샤콘느의 성격은 장엄하고 템포는 느리며 박자는 보통 3/4박자이다. 성격과 구조 면에서 샤콘느는 파사클리에에 가깝습니다.

EXPROMT(라틴어 expromtus - 항상 준비됨)는 즉흥 연주의 결과로 갑자기 나타나는 피아노 곡입니다. 일반적으로 직접적인 서정성과 성급함으로 구별됩니다.

ELEGY (그리스어 - 애처로운 노래)는 사려 깊고 슬프고 슬픈 성격의 연극입니다.

EPISODE(그리스어 - 삽입) - 새로운 주제에 특수 키를 내장하고 때로는 다른 템포로 구성된 대규모 음악 형식의 섹션입니다. 론도에서는 각 섹션이 메인 섹션과 번갈아 나타납니다(후렴).

ETUDE(프랑스어 연습곡, 문자 그대로 학습, 연습)는 연주의 특정 기술 기법을 사용하여 연주자의 기술을 향상시키기 위한 악기 곡입니다.

HUMORESKA (독일어 Humoreske, 유머 - 유머)는 복잡하고 일반적으로 장난스럽고 유머러스한 성격의 작은 뮤지컬 연극입니다.

당신은 음악 용어 섹션에서 모든 개념, 의미, 정의를 논의하고 다양한 언어에서 러시아어로의 번역을 보여주고 기본 음악 정의 목록을 제공하는 등의 작업을 수행했습니다. 아래에는 특정 용어를 더 자세히 설명하는 문서도 있습니다. 이 페이지 끝부분에서 찾을 수 있습니다.

음악 용어와 의미

음악 용어와 그 의미에 대해 이야기하기 전에 먼저 한 가지 예를 들어보겠습니다. 그런 상황을 상상해 봅시다. 당신과 당신의 친구는 파이를 대접받았습니다. 그는 그것을 먹었는데 시간이 없었습니다.

당신은 그에게 “어떻게 지내요?”라고 묻습니다. 그는 “맛있어요!”라고 말합니다. 그런데 이 한 마디로 무엇을 알 수 있습니까? 파이가 달콤한지 짠지조차 알 수 없습니다. 사과나 양배추와 함께. 즉, 아무것도 명확하지 않습니다.

맛있다는 것만은 분명하다. 결국 모든 생과자 요리사는 다양한 작은 것들로 자신의 빵이나 파이를 만듭니다.

음악에서도 마찬가지다. 멜로디 자체가 너무 아름답습니다. 그러나 그 아름다움은 작은 세부 사항에 있습니다. 그것이 우리가 이야기할 것입니다.

멜로디의 가장 큰 표현력에 기여하는 사운드를 변경하는 기술을 음악의 뉘앙스라고 합니다.

예를 들어 볼륨과 같은 뉘앙스를 생각해 봅시다. 멜로디의 볼륨은 많이 바뀔 수 있습니다. 그냥 바로 플레이하시면 됩니다. 또는 처음에는 조용한 소리로 시작하여 점차적으로 볼륨을 높일 수도 있습니다. 일반적으로 두 번째 옵션은 첫 번째 옵션보다 표현력이 더 뛰어납니다.

음악에서 가장 조용한 소리를 '소리'라고 한다. 매우 여리게(피아니시모)는 이탈리아어 피아노(조용함)에서 유래되었습니다. 조금 더 크게 하면 쉬울 거예요 피아노(피아노) - 그냥 조용해요. 더욱 시끄러워지겠죠 장점(포르테) - 큰 소리로. 너무 시끄러우면 그럴거에요 매우 강하고 크게(fortissimo) - 매우 시끄럽습니다.

한 소리에서 다른 소리로의 전환도 중요합니다. 예를 들어, 매우 갑작스럽게 플레이할 수 있습니다. 이 기술은 이탈리아어로 불립니다. 단음(스타카토) - 날카롭게 또는 갑작스럽게.

아니면 원활하게 플레이할 수 있습니다. 이 기술을 레가토(레가토) - 원활하게. 즉, 소리가 서로를 보완하는 것처럼 원활하게 전달됩니다.

직원은 아래에 그려져 있습니다. 10개의 메모가 적혀 있습니다.

척도의 모든 수준에는 고유한 라틴어 이름이 있습니다.

1. 난 프리마야
2. ll - 초
3. lll - 세 번째
4. lV - 쿼트
5. V - 다섯 번째
6. VI - 여섯 번째
7. Vll - 셉티마
8. Vlll - 옥타브
9. lX - 노나
10. X - 십진수

음악의 간격

음악의 간격에 대해 이야기 해 봅시다. 간격 자체는 거리를 나타냅니다. 음, 음정은 음악 소리 사이의 높이를 나타냅니다.

각 척도에는 이미 계획된 간격이 있습니다. 이 10개 이상의 간격은 라틴어로 제공됩니다. 기억해 두시길 권합니다.

음부터 (토닉)까지 스케일의 다른 모든 단계까지의 간격은 얼마입니까?

다소 상징적인 간격이 있습니다. 이 간격에서는 음표 간에 사실상 차이가 없습니다. 이전 - 이전은 첫 번째 단계와 첫 번째 단계 사이의 간격입니다. 그러나 그것은 여전히 ​​존재합니다. 두 개의 동일한 음으로 시작하는 노래도 있습니다.

따라서 이 해야 할 일 간격에는 이름이 있습니다. 프리마. 두 번째 단계의 C와 D 사이에는 이미 약간의 높이 차이가 있습니다. 이 간격은 다음과 같이 호출됩니다. 초일.

척도의 첫 번째와 세 번째 도 사이(C와 E 사이)에는 다음과 같은 간격이 있습니다. 제삼. 다음은 위 목록과 같이 오름차순으로 쿼트 등이 옵니다.

아마도 많은 사람들이 모든 음악 용어를 어떤 언어에서 빌렸는지 물어볼 것입니다. 용어의 주요 기반이 이탈리아어에 있다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 원칙적으로 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 결국 음악 자체는 이탈리아에서 시작되었습니다. 이것이 바로 많은 사전과 교과서가 이탈리아어로 용어를 제공하는 이유입니다.

일반적으로 아시다시피 음악을보다 정확하게 정의하기 위해 특별한 음악 용어가 발명되었습니다. 음악 용어에 대한 특별한 사전도 있습니다. 음악의 발전과 함께 새로운 용어가 등장합니다.

이 모든 용어가 갑자기 쓰여진 것은 아니라고 말할 가치가 있습니다. 그들 모두는 유럽 국가의위원회 수준에서 승인되었습니다. 이후 이 기준에 따라 다양한 참고서와 사전이 출판되기 시작했다.

이 모든 용어를 꼭 배워보세요! 결국 그녀 없이는 정상적인 일이 불가능합니다.

가장 유명한 음악용어

아마도 음악에 익숙하지 않은 사람들에게도 가장 유명한 음악 용어는 높은음자리표일 것이다. 나는 많은 사람들이 그에 대해 들어본 것 같아요.

이 키는 음악가가 기보된 음을 이해하는 데 도움이 됩니다. 이것이 직원의 주요 요소입니다.

많은 음악가들은 이 키가 G 음과 같은 줄에 있기 때문에 종종 G 키라고 부릅니다. 사람들은 음악가가 음표를 쉽게 탐색할 수 있도록 하나의 자에 높은 음자리표를 쓰는 데 동의했습니다.

여기서는 음표의 기보법을 살펴보겠습니다. 노트를 호출하고 작성하는 방법을 배우게 됩니다. 그리고 직원의 메모가 어디에 있어야 하는지도 알 수 있습니다.

목록은 다음과 같습니다.

• (C) - 추가 눈금자에 기록됨
• re (D) - 첫 번째 줄 아래
• mi (E) - 첫 번째 줄에
• fa(F) - 첫 번째 줄과 두 번째 줄 사이
• 소금(G) - 두 번째 줄
• A (A) - 두 번째와 세 번째 줄 사이
• si (H 또는 B) - 세 번째 줄
• 두 번째 옥타브까지 전체 음계를 다시 반복합니다.

이탈리아 음악 용어

아래에서 피아노에 대한 주요 이탈리아 음악 용어 목록을 확인할 수 있습니다.

• 아다지오 - 아다지오 - 천천히, 차분하게
• Ad libitum - ad libitum - 재량에 따라, 마음대로, 자유롭게
• Agitato - adjitato - 신나게, 신나게
• 알라 마르시아 - 알라 마르시아 - 행진
• Allegro - allegro - 재미있고 빠르다
• Allegretto - 알레그레토, 알레그로보다 느린 템포를 나타냅니다.
• Animato - animato - 열정적으로, 활기차게
• 안단테 - 안단테 - 걷기, 흐르는 것; 차분한 걸음에 해당하는 평균 속도
• Andantino - 안단티노 - 안단테보다 더 활기찬 템포
• Appassionato - appassionatto - 열정적으로
• Assai - assai - 충분해, 충분해
• 카프리치오 - 카프리치오는 지옥 자유와 동일합니다.
• 템포 - 및 템포 - 템포에서(즉, 앞서 표시된 메인 템포에서)
• Accelerando - accelerando - 가속
• Calando - kalyando - 힘과 속도 감소
• 칸타빌레 - 칸타빌레 - 멜로디컬한
• 칸탄도 - 칸탄도 - 멜로디컬한
• Cappricciozo - capriccioso - 변덕스러운
• Con affetto - con affetto - 느낌과 열정으로
• Con anima - con anima - 열정으로, 애니메이션으로
• 콘 브리오 - 콘 브리오 - 열정적으로
• Con dolcezza - con dolcezza - 부드럽게, 부드럽게
• Con dolcherezza - con dolcherezza - 부드럽게, 부드럽게
• Con espressione - con espressione - 표현 포함
• Con forza - con forza - 힘을 가지고
• 콘 모토 - 콘 모토 - 이동 가능
• Con passion - con passion - 열정을 가지고
• 콘 스피릿 - 콘 스피릿 - 콘 아니마(con anima)와 동일
• Crescendo - 크레센도 - 소리의 강도를 높입니다.
• Da capo al Fine - da capo al Fine - 처음부터 "끝"이라는 단어까지
• Decrescendo - 디크레센도 - 사운드 강도 감소
• Diminuendo - 디미누엔도 - 소리의 강도를 줄입니다.
• Dolce - 돌체 - 부드러움, 상냥함
• Doloroso - doloroso - 슬프다, 불쌍하다
• Energico - 정력적으로 - 정력적으로
• Espressivo – espressivo – 표현적으로
• Forte(종종 기보법에서 f) – forte – 크고 강함(자세한 내용)
• Fortissimo - fortissimo - 매우 크고 매우 강함
• Grazioso - 우아하게 - 우아하게
• Grave - 무덤 - 중요한, 숙고한
• Largo – largo – 널리; 매우 느린 속도
• Legato - 레가토 - 매끄럽고 일관되게(자세한 내용)
• 렌토 – 렌토 – 느림
• Leggiero - Leggiero - 쉬움
• Lugubre - lyugubre - 우울한
• Maestoso - maestoso - 엄숙하게, 장엄하게
• Marcato - marcato - 강조
• Marciale - marciale - 행진
• Mezza voze - mezza voce - 낮은 목소리로
• 메조 피아노(종종 악보에서 mp) – 메조 취함 – 매우 조용하지 않음(자세한 내용)
• 메조 포르테(종종 악보에서 mf) - 메조 포르테 - 별로 크지 않음(자세한 내용)
• Misteriozo - mysteriozo - 신비한
• 모데라토 - 모데라토 - 적당히
• Molto – molto – 아주, 아주 많이
• 없음 - 없음 - 없음
• 논 트로포(Non troppo) - 논 트로포(non troppo) - 너무 많지는 않음
• 피아노(종종 악보에서 p) – 조용히(자세한 내용)
• Pianissimo - pianissimo - 매우 조용함(자세한 내용)
• 포코아포코 - 포코아포코 - 조금씩, 점차적으로
• Presto - 프레스토 - 빠르게
• Ritenuto - ritenuto - 움직임을 느리게 함
• 리졸루토 - 리졸루토 - 단호하게
• Rubato – 루바토 – 자유로운 템포로 (자세한 내용)
• Semplice - 샘플 - 단순
• Semper – semper – 항상, 끊임없이
• 직유 - 직유 - (이전)과 유사
• Shcerzando - scherzando - 장난스럽게
• Scherzoso - scherzoso - 장난스럽게
• Smorzando - smorzando - 냉동
• 소스테누토 - 소스테누토 - 절제된, 천천히
• Sotto voce - sotto voce - 낮은 목소리로
• Spirituozo - 영적 - 영적으로
• 스타카토 - 스타카토 - 갑작스러운 소리 실행; 레가토의 반대 (자세한 내용)
• Tranquillo - 고요함 - 침착하게
• Tranquillamente - 평온함 - 침착하게
• Vivace - vivache - 곧, 빨리
• Vivo - vivo - 템포, 알레그로(allegro)보다 빠르지만 프레스토(presto)보다 느림

이제 당신은 음악 용어가 무엇인지, 그것이 필요한 것이 무엇인지 알았습니다. 우리는 단지 작은 기초 또는 정의 목록만을 고려했습니다. 물론 여기서 모든 것을 공개하지는 않습니다. 하지만 그럼에도 불구하고 다음 기사를 주의 깊게 읽어 보시기 바랍니다. 특정 용어에 대해 더 자세히 설명합니다. 그러므로 그들에게도주의를 기울이는 것이 좋습니다.

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보너스트랙이 무엇인지, 왜 많은 아티스트의 음악앨범에 사용되는지 알아보겠습니다.

음악의 세계는 다면적이며 몇 가지 주요 방향이 전체 음악 문화의 기초를 형성합니다. 클래식, 심포니, 블루스, 재즈, 팝 음악, 로큰롤, ​​포크, 컨트리 등 모든 취향과 분위기에 맞는 다양한 장르와 스타일이 있습니다.

기원

예술로서의 음악은 16세기 초에 처음으로 현악기와 현악기가 등장하면서 탄생했습니다. 훨씬 더 일찍, 갈대, 동물 뿔 및 기타 즉석 수단으로 만든 원시 파이프, 뿔 및 파이프가 발명되었습니다. 17세기에 음악 문화는 이미 빠른 속도로 발전하고 있었습니다. 점점 더 많은 악기가 등장했고 음악가들은 그룹, 듀엣, 트리오, 4중주, 나중에는 오케스트라로 뭉치기 시작했습니다.

기보법

노래와 보컬 예술에는 일종의 일관성이 필요했기 때문에 악기 이전에 표기법이 나타났습니다. 발명 된 멜로디를 종이에 적고 연주하는 능력. 뮤지컬 스태프와 그 유명한 7개의 음표가 이렇게 등장했습니다. 일정한 순서로 음을 추가함으로써 반음이 없어 구성적으로 단순한 선율을 얻을 수 있었다. 그런 다음 샤프하고 플랫한 느낌이 나타나 작곡가의 역량이 즉시 확장되었습니다. 이 모든 것은 음악의 이론적 기초를 고수하는 음악가의 연주 기술에 관한 것입니다. 그러나 귀로만 연주하는 대가들이 많고 음악 이론에 익숙하지 않고 필요하지도 않습니다. 이러한 음악가에는 컨트리 음악이 포함됩니다. 기타나 피아노의 몇 가지 코드만 외우고 나머지는 타고난 재능으로 완성됩니다. 그럼에도 불구하고 이들 음악가들은 자신의 예술과 직접적으로 관련된 용어를 잘 알고 있지만, 이는 피상적으로만 알고 있을 뿐이다.

음악용어의 등장

음악의 스타일과 방향이 혼동되지 않도록 다양한 악기와 장치, 음악용어가 만들어졌습니다. 점차적으로 음악과 관련된 모든 것이 그 이름을 얻었습니다. 그리고 음악은 이탈리아에서 유래되었기 때문에 거의 모든 음악 용어가 이탈리아어와 그 표기에 채택되었습니다. 일부 노래 제목은 출처에 따라 프랑스어나 라틴어로 작성됩니다. 이탈리아 음악 용어는 일반적인 그림만을 반영하며 경우에 따라 의미가 유사한 다른 이름으로 대체될 수 있습니다.

이탈리아 출신

음악은 진지하고 체계적인 접근이 필요한 세계 문화의 방대한 층입니다. 음악 용어는 이탈리아를 비롯한 유럽 주요 국가의 언어학 위원회 수준에서 승인되어 공식적인 지위를 얻었습니다. 전 세계 음악 기관의 행정적 지원은 해당 기관의 적용에 따른 용어 사용을 기반으로 합니다. 이를 위해 참고 서적과 매뉴얼이 만들어졌습니다.

알려진 용어

가장 유명한 음악 용어는 "고음 음자리표"입니다. 모두가 알고 있습니다. 가장 유명한 이름의 중요성은 과대평가하기 어렵습니다. 철자법에는 일종의 공리가 있으며, 잘 알려진 문구를 들을 때도 같은 일이 발생합니다. 예를 들어, 가장 음악적인 용어는 물론 "재즈"입니다. 많은 사람들이 이를 블랙 리듬 및 이국적인 변형과 연관시킵니다.

이름과 분류

가장 유명한 음악 용어를 명확하게 정의하는 것은 불가능합니다. 이 범주에는 클래식 음악의 동의어인 "심포니"라는 이름이 포함됩니다. 이 말을 들으면 무대 위의 오케스트라, 바이올린과 첼로, 악보가 있는 악보대, 연미복을 입은 지휘자가 눈앞에 나타납니다. 음악적 개념과 용어는 콘서트홀에서 일어나는 일을 이해하고 작품의 본질을 더 잘 이해하는 데 도움이 됩니다. 필하모닉 콘서트에 참석하는 세련된 청중은 아다지오와 안단테를 결코 혼동하지 않을 것입니다. 각 용어에는 고유한 정의가 있기 때문입니다.

음악의 기본 용어

가장 유명한 음악 용어를 여러분의 관심에 보여 드리겠습니다. 목록에는 다음과 같은 제목이 포함됩니다.

• 아르페지오(Arpeggio) - 사운드가 차례로 만들어질 때 음표가 교대로 나타납니다.
• 아리아는 오케스트라의 반주로 연주되는 오페라의 일부인 성악 작품입니다.
• 변주곡은 다양한 합병증을 가지고 연주되는 기악 작품 또는 그 발췌곡입니다.
• 감마 - 특정 순서로 음을 번갈아 가며 혼합하지 않고 옥타브 반복까지 위아래로 교대합니다.
• 범위는 악기나 음성의 가장 낮은 소리와 가장 높은 소리 사이의 간격입니다.
• 음계 - 음계와 비슷하게 높이가 일렬로 배열된 소리입니다. 스케일은 통로에 존재할 수 있습니다.
• 칸타타는 오케스트라, 독창자 또는 합창단의 콘서트 연주를 위한 작품입니다.
• 클라비어(Clavier) - 피아노 연주나 피아노 반주에 맞춰 노래하기 위해 교향곡이나 오페라를 편곡한 것입니다.
• 오페라는 드라마와 음악, 음악과 발레를 연결하는 가장 중요한 음악장르이다.
• 전주곡(Prelude) - 본곡이 시작되기 전의 소개 부분입니다. 작은 조각의 독립적인 형태로 사용할 수 있습니다.
• 로맨스는 반주를 동반한 성악 연주를 위한 작품이다. 로맨틱한 분위기와 멜로디가 특징이다.
• 론도는 후렴구 사이에 다른 에피소드를 포함시켜 작품의 주요 주제를 반복하는 것입니다.
• 교향곡은 오케스트라가 네 부분으로 연주하는 작품입니다. 소나타 형식의 원리를 바탕으로 합니다.
• 소나타는 여러 부분으로 구성된 복잡한 형식의 악기 작품으로, 그 중 하나가 지배적입니다.
• 모음곡은 내용이 다르고 서로 대조되는 여러 부분으로 구성된 음악 작품입니다.
• 서곡은 작품의 주요 내용을 간략하게 소개하는 서문이다. 오케스트라 서곡은 원칙적으로 독립적인 음악 작품입니다.
• 피아노는 건반을 사용하여 현을 망치로 치는 원리로 작동하는 악기의 총칭입니다.
• 반음계는 장초를 중간 반음으로 채워 형성된 반음 단위입니다.
• 질감은 음악을 표현하는 방법입니다. 주요 유형: 피아노, 성악, 합창, 관현악, 기악.
• 음조는 프렛 높이의 특징입니다. 음조는 소리의 구성을 결정하는 주요 구성 요소로 구별됩니다.
• 세 번째는 3단계 간격입니다. 장3도는 2음, 단3도는 1.5음입니다.
• 솔페지오(Solfeggio) - 음악에 대한 귀와 그 발전을 개발하는 것을 목표로 하는 개인교습 원칙에 기초한 수업입니다.
• 스케르초는 가볍고 유쾌한 성격을 음악적으로 스케치한 것입니다. 주요 음악 작품의 필수 부분으로 포함될 수 있습니다. 독립적인 음악이 될 수도 있습니다.

음악용어 '알레그로'

일부 기술은 널리 사용됩니다. 예를 들어 "빠른", "재미있는", "표현력 있는"과 같은 음악 용어가 있습니다. 작품에 주요 표현이 포함되어 있다는 것이 즉시 분명해집니다. 또한 음악 용어인 "알레그로"는 현재 일어나고 있는 일의 특이하고 때로는 축제적인 성격을 나타냅니다. 이 컨셉이 특징인 스타일이 가장 삶에 긍정적인 것 같아요. 드문 경우지만 음악 용어 "알레그로"는 줄거리, 공연 또는 오페라의 차분하고 신중한 전개를 나타냅니다. 하지만 이 경우에도 작품의 전체적인 톤은 밝고 표현력이 풍부하다.

음악의 스타일과 장르를 정의하는 용어

제목은 여러 범주로 나뉩니다. 템포, 리듬 또는 연주 속도는 특정 음악 용어를 정의합니다. 기호 목록:

• 아다지오(Adagio) - 차분하고 천천히.
• Adgitato - 흥분되고, 흥분되고, 충동적입니다.
• - 신중하게, 천천히, 신중하게.
• Appassionato - 활기차고 열정적입니다.
• Accelerando - 속도를 높이고 가속합니다.
• Calando - 페이딩, 속도 감소 및 압력 감소.
• 칸타빌레(Cantabile) - 감정이 있는 멜로디, 노래, 노래.
• Con dolcherezza - 부드럽고 부드러움.
• Con forza - 힘을 가지고 단호하게.
• Decrescendo - 점차적으로 사운드 강도를 감소시킵니다.
• 돌체(Dolce) - 부드럽고, 달콤하고, 부드럽습니다.
• Doloroso - 슬픔, 가련함, 절망.
• 포르테(Forte) - 큰 소리로, 힘차게.
• 포르티시모(Fortissimo) - 매우 강하고 시끄럽고 천둥 같은 소리가 납니다.
• Largo - 넓고, 자유롭고, 여유롭게.
• 레가토(Legato) - 부드럽게, 차분하게, 고요하게.
• Lento - 천천히, 더욱 속도를 늦춥니다.
• Legiero - 쉽게, 매끄럽게, 생각 없이.
• Maestoso - 장엄하고 엄숙함.
• Misterioso - 조용하고 신비로운.
• 모데라토(Moderato) - 적당히, 편곡하여, 천천히.
• 피아노 - 조용히, 조용히.
• Pianissimo - 매우 조용하고 조용합니다.
• 프레스토(Presto) - 빠르고 강렬하게.
• Semper - 변함없이 끊임없이.
• Spirituozo - 영적으로, 느낌으로.
• 스타카토 - 갑자기.
• Vivace - 활기차고, 빠르고, 논스톱.
• Vivo - 프레스토와 알레그로 사이의 중간 템포입니다.

기술 용어

• 높은 음자리표는 악보의 시작 부분에 배치되는 특수 기호로, 첫 번째 옥타브 "G"의 음표가 보표의 두 번째 줄에 있음을 나타냅니다.
• 베이스 음자리표 - 보표의 네 번째 줄에 있는 작은 옥타브의 "F" 음표 위치를 확인하는 아이콘입니다.
• Bekar는 "플랫" 및 "샤프" 기호의 취소를 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 샤프는 소리가 반음씩 증가함을 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 플랫은 소리가 반음씩 감소함을 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 더블 샤프(Double-sharp)는 소리가 반음 2개, 즉 온음 증가함을 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 더블플랫(Double-Flat)이란 소리가 반음 2개, 즉 온음 감소함을 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 비트는 음악을 탄생시키는 불완전한 비트입니다.
• 악보를 축약하는 기호는 악보가 광범위할 경우 이를 단순화하는 역할을 합니다. 가장 흔한 것은 트레몰로, 재현 기호, 멜리스마틱 기호입니다.
• Quintole - 음표 아래 또는 위에 숫자 5로 상징되는 일반적인 4개 음표 그룹을 대체하는 5음표 형식입니다.
• 건반은 다른 소리와 관련하여 음계에서 소리가 녹음되는 위치를 나타내는 아이콘입니다.
• 키 표시는 키 옆에 배치된 변경 아이콘입니다.
• 음표는 보표의 줄 중 하나 또는 그 사이에 배치된 아이콘으로, 소리의 높이와 지속 시간을 나타냅니다.
• 스태프 - 메모를 위한 5개의 평행선. 음표 기호의 배열은 아래에서 위로 수행됩니다.
• 점수 - 음성과 악기의 호환성을 고려하여 작품 연주에 참여한 각 참가자별로 별도의 악보입니다.
• Reprise는 작품의 특정 부분이 반복됨을 나타내는 아이콘입니다. 일부 변경 사항을 적용하여 조각을 반복합니다.
• 학위 - 로마 숫자로 표시되는 음계의 소리 순서 지정.

모든 시대를 가리키는 음악 용어

음악 용어는 현대 공연 예술의 기초입니다. 용어가 없으면 음을 적을 수 없고, 음표가 없으면 전문 음악가나 가수가 연주하거나 노래할 수 없습니다. 용어는 학문적입니다. 시간이 지나도 변하지 않으며 과거의 일이 되지도 않습니다. 300여년 전에 발명되었지만 여전히 관련성이 있습니다.

반주- 하나 이상의 솔로 음색의 악기 또는 보컬 반주.
현- 3도에 속하거나 위치할 수 있는 최소 3개의 소리로 구성된 자음입니다.
악센트- 별도의 사운드를 강제로 선택합니다. 악보에서 악센트는 특수 기호로 표시됩니다.
알토-1. 낮은 여성 목소리(합창단). 2. 바이올린과 겉모습은 비슷하지만 약간 더 크고 소리가 낮은 현악기.
알토 음자리표- 키업 유형 중 하나입니다. 보표의 세 번째 줄에 위치하며 이 줄에 첫 번째 옥타브까지의 음표가 있음을 나타냅니다. 활을 휘감은 비올라의 음표는 알토 음자리표에 기록되어 있습니다.
앙상블- 함께 연주하거나 노래하기(예: 듀엣, 테르제토 또는 트리오, 4중주, 5중주 등) 오케스트라도 일종의 앙상블이다.
운지법- 악기를 연주할 때 가장 편리한 손가락 선택. 메모 위 또는 아래에 숫자로 표시됩니다.
아리아- 오페라, 오라토리오 또는 칸타타의 일부인 오케스트라 반주가 있는 성악 작품입니다.
아르페지오-코드의 사운드를 동시에 연주하는 것이 아니라 순차적으로 사운드를 하나씩 연주합니다. 이는 코드 앞에 특수 기호로 표시됩니다.
바리톤-1. 평균적인 남성 목소리. 예를 들어 바리톤의 경우 M. Glinka의 오페라 "Ruslan and Lyudmila"에서 Ruslan의 역할, A. Borodin의 오페라 "Prince Igor"에서 Igor, P. Tchaikovsky의 오페라 "Eugene Onegin"에서 Onegin이 작성되었습니다. . 2. 브라스 밴드의 일부인 금관 악기.
베이스-1. 낮은 남자 목소리. 예를 들어, MGlinka의 오페라 "Ivan Susanin"에서 Susanin의 역할, M. Mussorgsky의 오페라 "Boris Godunov"에서 Pimen, P. Tchaikovsky의 오페라 "Eugene Onegin"에서 Gremin의 역할이 베이스를 위해 작성되었습니다. 2. 다성 음악에서 낮은 목소리.
베이스 음자리표- 작은 옥타브의 F음이 보표의 4번째 줄에 있음을 나타내는 기호입니다.
자연스러운-거절은 샤프나 플랫의 효과를 취소하는 표시입니다.
평평한(b)는 소리를 반음 낮추는 기호이다.
변형- 노래와 춤을 주제로 한 악기 작품입니다. 다음은 다양한 변화와 복잡함을 지닌 주제의 일련의 반복입니다.
소개 소리-모드의 강장제를 둘러싼 소리(Vlhn II 정도).
입문 7화음- 모드의 VII도(입문 톤)에 기반한 7번째 코드. 7도에 따라 입문 7도 코드는 마이너(7도가 마이너인 경우) 및 감소(7도가 감소한 경우)입니다.
선도적인 톤- 스케일의 강장제에 인접한 소리 중 하나; 상단 입문 톤은 II 단계이고, 하단 입문 톤은 VII 단계입니다.
성악- 노래를 부르는 음악. 성악에는 노래, 로망스, 아리아, 합창곡이 포함됩니다. 오페라에서는 성악이 주도적인 위치를 차지한다.
볼타- 엔딩이 다른 음악 작품의 일부가 반복됨을 나타내는 기호입니다. 숫자 1,2로 표시
감마- 토닉에서 옥타브 반복까지 높이가 위아래로 위치한 스케일의 소리.
고조파 간격- 소리가 동시에 들리는 간격입니다.
하모닉 전공- VI 학위가 낮은 전공.
하모닉 마이너- VII 학위가 증가한 미성년자.
조화- 1. 음악의 표현수단 중 하나. 음악의 메인 멜로디에 수반되는 코드나 보이스의 진행입니다. 2. 화음과 그 연결의 과학.
프렛의 주요 단계- 1도(토닉), 5도(지배) 및 4도(하위).
메인 트라이어드- 모드의 주요 단계를 기반으로 구축된 트라이어드: 토닉 트라이어드 - 1단계, 우성 트라이어드 - 5단계, 서브도미넌트 트라이어드 - 4단계.
그루페토(멜리스마)- 4개 음표의 멜로디 형식. 상위 보조음(메인 사운드보다 두 번째 위에 위치), 메인 사운드, 하위 보조음(메인 사운드보다 두 번째 아래에 위치) 및 다시 메인 사운드가 수행됩니다.
사운드 지속 시간을 막대로 그룹화- 막대의 크기에 따라 노트를 그룹으로 배포합니다.
데시마- 10단계(3~옥타브)로 구성된 음정입니다. 십진수는 8개의 성조로 구성되면 장조라고 합니다. 십진법이 7.5개의 성조로 구성되면 단조라고 합니다. 주요 소수점은 b로 지정됩니다. 10, 소형-m. 10.
범위- 특정 음성이나 악기의 음량 주어진 목소리나 악기의 가장 낮은 소리와 가장 높은 소리 사이의 간격에 의해 결정됩니다.
온음계- 변형을 통해 변화된 형태로 단 한도도 반복되지 않는 척도.
온음계 간격- 온음계 모드(순음, 장음, 단음 및 삼음)의 주요 등급 사이에 가능한 간격.
온음계 모드- 변경을 사용하지 않는 모드, 즉 각도의 반음 증가 또는 감소가 없는 모드(자연 장조 및 단조, 민속 음악에서 발견되는 모드: Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian, 5단계 모드).
온음계 반음- 서로 다른 이름의 인접한 소리로 구성된 반음(예: mi - fa, do - peb)
온음계-do-re, fa-salt와 같이 서로 다른 이름의 인접한 소리로 구성된 성조입니다.
날카로운 (#) - 소리를 반음씩 높이는 기호입니다.
동적 색조 (뉘앙스)- 음악 연주 중 음량의 변화.
지휘자- 오케스트라와 합창단의 지휘자. 지휘자는 손의 움직임을 통해 자신의 예술적 의도, 템포의 지시, 연주의 색조를 전달합니다.
불협화음 간격-J가 더 날카롭게 들리는 간격, 소리가 서로 합쳐지지 않습니다.
우성- 모드의 5도.
지배적 삼중주체- 모드의 V 등급을 기반으로 구축된 트라이어드.
도미넌트 세븐스 코드- 7도 코드는 모드의 5도를 기반으로 하며 메이저 3화음과 마이너 7도로 구성됩니다.
도리안 모드- 포크 음악에서 볼 수 있는 특별한 모드입니다. 자연 단6도와는 도리안 6도라고 불리는 높은 정도의 차이가 있습니다.
더블 플랫 (bb-더블 플랫)은 소리를 반음 두 개(전체 톤)만큼 낮추는 기호입니다.
이중 샤프 (엑스- 이중 샤프)는 소리를 반음 두 개(전체 톤) 높이는 기호입니다.
이중주-1. 두 연주자의 앙상블. 2. 두 명의 가수 또는 악기 연주자가 연주하도록 의도된 음악 작품.
바 3개- 음악이 시작되는 불완전한 마디.
소리- 탄성체(예: 끈, 공기 기둥)의 진동 결과. 소리는 음악과 소음으로 구분됩니다.
규모- 높이에 따라 배열된 일련의 소리. 개별 모드, 악기, 음악 작품 또는 그 발췌본 등의 스케일이 있습니다.
변경 징후- 개별 소리를 반음 또는 온음 단위로 높이거나 낮추는 기호입니다. 5개의 변경 표시가 있습니다: 샤프, 플랫, 더블 샤프, 더블 플랫, 베카르.
악보 표기법의 약어- 악보를 단순화한 기호입니다. 가장 일반적인 것은 reprise 기호, 트레몰로, 멜리스마틱 기호 등입니다.
모방- 모방; 두 개 이상의 성부로 멜로디 테마나 멜로디의 별도 부분을 연속적으로 연주하는 것입니다.
기악- 악기 연주를 위한 음악.
간격- 순차적으로 또는 동시에 취한 두 가지 소리의 조합. 간격의 맨 아래 사운드를 베이스라고 하고, 맨 위 사운드를 맨 위 사운드라고 합니다.
운율- 음악적 사고의 결론.
케이던스 완전 완벽-멜로디의 토닉 노트로 구성을 마무리합니다.
케이던스 완전 불완전- 멜로디의 토닉 3도 또는 5도에서 구성을 끝냅니다.
절반 케이던스- 스케일의 불안정한 소리로 건설 도중에 멈춥니다. 대부분 지배적인 트라이어드의 소리 중 하나에서 발생합니다.
정경- 모든 성부가 동일한 멜로디를 연주하지만 동시에 입력되지 않고 차례로 입력되는 다성 음악의 일종입니다.
칸타타- 콘서트에서 연주되는 합창단, 솔리스트, 오케스트라를 위한 음악입니다. 합창곡, 아리아, 앙상블로 구성됩니다.
간격의 질적(또는 음조) 크기- 간격에 포함된 톤 또는 반음의 수입니다.
쿼트-네 단계를 포함하는 간격입니다. 4도는 2.5음으로 구성되면 순음이라고 합니다. 투명한 쿼트는 파트 4로 표시됩니다.
크바르데시마-14단계(7~1옥타브)로 구성된 간격입니다. 지정 - 14.
사중주-1. 4명의 가수 또는 악기 연주자로 구성된 앙상블입니다. 2. 그러한 앙상블을 위한 음악 작품.
Quartsextaccord- 하단에 5도가 있는 3화음의 두 번째 반전은 4/6으로 지정됩니다.
퀸트- 5개 단계로 구성된 간격입니다. 3도 반으로 구성된 5도를 순음이라고 합니다. 완전 5도는 파트 5로 표시됩니다.
퀸트데시마- 15단계(옥타브 다음 옥타브)를 포함하는 간격입니다. Quintdecima는 -15로 지정됩니다.
5도의 원- 한 프렛의 모든 건반이 완전 5도로 배열된 시스템입니다.
퀸톨- 일반적인 4개 음표 그룹 대신 5개 음표의 리드미컬한 형태; 메모 위 또는 아래에 숫자 5로 표시됩니다.
Quintsextchord- 하단에 세 번째 톤이 있는 7번째 코드의 첫 번째 반전(5/6으로 지정)
건반- 피아노 연주(또는 피아노와 함께 노래하기)를 위한 오페라 또는 교향곡 편곡.
열쇠- 스태프의 사운드 녹음 위치와 이에 따라 다른 모든 사운드를 결정하는 기호입니다.
주요 징후- 키 옆에 변경 표시가 표시됩니다.
암호- 음악 작품의 마지막 부분(전체를 완성하는 것).
간격의 양적(또는 단계) 값- 간격에 포함되는 단계 수입니다. 양적 값에 따라 간격에 이름이 붙습니다. 예를 들어, 세 단계를 포함하는 간격은 세 번째 간격입니다.
자음 간격- 더 부드럽게 들리는 간격, 소리가 서로 합쳐지는 것처럼 보입니다.
완벽한 조화- 소리의 완전하거나 중요한 융합이 있는 자음: 순수 프리마(동일음), 순수 옥타브, 순수 5도 및 부분적으로 순수한 4도.
불완전한 자음- 소리가 약간 합쳐지는 자음: 메이저와 마이너 3도, 메이저와 마이너 6도.
콘서트- 관현악 반주가 있는 독주 악기를 위한 주요 작품입니다.
젊은이- 강장제라고 불리는 기준음을 중심으로 음악적 소리를 구성합니다.
간격의 프렛 해결- 간격의 불안정한 사운드를 모드의 가장 가까운 안정된 사운드로 전환합니다.
리디안 모드- 포크 음악에서 볼 수 있는 특별한 모드입니다. 이는 리디안 쿼트(Lydian quart)라고 불리는 높은 정도에 의해 자연 메이저 IV와 다릅니다.
메이저 모드- 안정적인 사운드가 함께 모여 메이저 트라이어드를 형성하는 모드입니다.
메이저 트라이어드- 장3도와 단3도 또는 장3도와 완전5도로 구성된 3화음.
작은 입문용 7화음- 7번째 코드, 내장-. 자연 메이저 스케일의 7도에서 발음됩니다. 감3화음과 단7도 또는 2개의 단3도와 장3도로 구성됩니다.
멜리스마스- 멜로디의 개별 사운드를 장식하는 멜로디 모양.
멜로디 간격- 소리가 순차적으로(하나씩) 취해지는 간격입니다.
멜로디 마이너- 마이너, VI 및 VII 단계가 증가합니다.
멜로디- 단선율로 표현된 음악적 사고, 단선율.
미터- 음악 악센트의 균일한 교대.
메트로놈- 템포를 정확하게 결정하는 장치.
메조소프라노- 낮은 여성 목소리. J. Bizet의 오페라 "Carmen"에서 Carmen의 역할, M. Mussorgsky의 오페라 "Khovanshchina"에서 Marfa 등의 역할은 메조 소프라노를 위해 작성되었습니다.
믹솔리디안 모드- 포크음악에서 찾아볼 수 있는 특별한 모드입니다. 믹솔리디안 7번이라고 불리는 자연 메이저 7번과 낮은 수준으로 다릅니다.
마이너 스케일- 안정적인 사운드가 함께 모여 마이너 트라이어드를 형성하는 모드입니다.
마이너 트라이어드- 단3도와 장3도 또는 단3도와 완전5도로 구성된 3화음.
조정- 한 키에서 다른 키로 전환합니다.
모던(멜리즘)- 3개 음표의 멜로디 형태. 그것은 수행됩니다 : 모던이 배치되는 메인 사운드, 상위 보조 (메인 사운드 위에 위치) 및 다시 메인 사운드.
자연 전공- 전공은 학위가 변경되지 않습니다. 자연 메이저 스케일의 구조는 톤-톤-반음-톤-톤-톤-반음입니다.
자연 마이너- 마이너, 정도가 변경되지 않습니다. 자연 단조는 병행 자연 장조와 동일한 소리 구성을 갖습니다.
중요하지 않은 우연- 무작위 변경 표시를 참조하세요.
불안정한 간격의 조화- 두 소리(또는 소리 중 하나)가 불안정한 간격, 즉 토닉 트라이어드에 포함되지 않습니다.
노나- 9단계(1초~1옥타브)로 구성된 간격입니다. 노나는 7개의 성으로 구성되어 있으면 장조라고 합니다. 노나는 6개 반음으로 구성되면 단조라고 합니다. 주요 없음은 b로 표시됩니다. 9, 소형 - m.9.
메모- 소리의 높이와 지속 시간을 기록하는 데 사용되는 기호입니다.
보표는 음표가 배치되는 5개의 수평 평행선입니다. 줄은 아래에서 위로 계산됩니다.
직원- 지팡이를 참조하십시오.
뉘앙스- 동적 색조를 참조하십시오. .
배음- 메인 사운드에 수반되는 배음. 모든 배음은 소리가 나면 자연스러운 음계를 형성하며 그 소리는 기본 음부터 순 옥타브, 순 5도, 순 4도, 장3도, 2단3도, 3장초 등의 순서로 배열됩니다. 처음 6개의 배음은 메이저(메이저) 트라이어드를 형성하며 메이저-마이너 모드 시스템을 형성하는 데 매우 중요합니다.
반전 간격- 간격의 하단 사운드를 한 옥타브 위로 이동하거나 상단 사운드를 한 옥타브 아래로 이동합니다. 그 결과 또 다른 간격이 생겨 원래 간격과 한 옥타브가 추가됩니다.
일곱 번째 코드의 반전- 맨 아래 소리가 메인 7화음의 3번째, 5번째 또는 7번째인 7화음 유형입니다.
트라이어드의 반전- 바닥음이 주 트라이어드의 세 번째 또는 다섯 번째인 트라이어드 유형입니다.
같은 이름의 키- 동일한 토닉을 갖는 메이저와 마이너 키(예: C 메이저와 C 마이너, D 메이저와 D 마이너)
옥타브-1. 6개의 음을 포함하는 간격입니다. 순수 옥타브는 파트 8로 표시됩니다. 2. 사운드 그룹 ~ 전에다음 때까지 ~ 전에.
팔중주- 8명의 연주자를 위해 작곡된 곡입니다.
오페라- 음악과 드라마, 그리고 다른 형태의 예술(발레, 회화)을 결합한 가장 중요한 음악 장르 중 하나입니다.
오라토리오- 합창단, 오케스트라, 솔로 가수를 위한 음악 작품(특정 줄거리 내용 포함)으로 콘서트 공연을 목적으로 합니다.
오르간- 모든 악기 중 본체 크기와 음량이 가장 큰 건반 관악기입니다.
오케스트라- 함께 음악을 연주하기 위해 조직된 악기 연주자 그룹입니다.
사운드 지속 시간의 기본 구분- 소리의 지속 시간을 동일한 부분으로 나눕니다. 각 부분의 긴 지속 시간은 다음 두 개의 짧은 지속 시간과 동일합니다. 8분음표 2개는 8분음표 2개와 같고 16분음표 1개는 16분음표 2개와 같습니다.)
특별한 유형의 리듬 분할- 기간을 주요 구분과 일치하지 않는 임의의 수의 동일한 부분으로 분할(예: 분기를 2개로 나누는 대신 3개 부분으로 나누면 삼중항이 형성됩니다. 나누는 대신 5개 부분으로 나누는 것) 4개로 5분형이 형성됩니다. 등) .
병렬 키- 동일한 조표를 갖는 메이저 및 마이너 키. 평행 단조는 장조에서 단3도 아래의 키입니다.
점수- 음악 작품(오케스트라, 합창단, 앙상블)의 모든 성악에 대한 기보법으로, 각 성악이나 악기에 대해 별도의 음표 라인이 할당됩니다.
위탁품- 1. 앙상블 단원 중 한 명이 연주하는 악보의 성부(또는 여러 단원이 함께 연주) 2. 소나타 형식의 주요 주제 부분 중 하나.
정지시키다- 침묵의 표시.
펜타토닉 스케일- 5개의 소리로 구성된 음계입니다. 5음 음계의 특징은 삼중음을 형성하는 반음과 소리가 없다는 것입니다(즉, 자연 메이저에서는 IV 및 VII도가 없고 자연 단조에서는 II 및 VI도가 없음).
가변 모드- 토닉이 2개 있는 모드입니다. 대부분의 경우 교대 모드의 강장제는 장조와 평행 단조의 3화음이거나 그 반대입니다. 교대 프렛에는 다른 유형도 있습니다.
다양한 크기- 작품 전체 또는 일부에 걸쳐 비트 수가 변경되는 차원. 예를 들어, 러시아 민요에서는 "Vanya was sit", "Oh yes, you, Kalinushka"가 있습니다.
노래- 음악과 시적 텍스트를 결합한 가장 일반적인 음악 장르.
다음-1. 각 목소리에 대해 독립적인 의미를 지닌 다성음악. 2. 다성 형식의 과학.
반음- 12음 단련 음계에서 두 소리 사이의 높이에서 가장 작은 거리입니다.
전주곡- 음악 작품의 본 발표 전 소개곡입니다. 소규모 음악 작품의 독립 장르로 발생합니다.
프리마- 한 단계를 포함하는 간격 같은 단계의 반복. 단계가 변경 없이 반복되면 프리마는 순수, 즉 파트 1로 지정됩니다.
단순 간격- 크기가 옥타브를 초과하지 않는 간격.
간단한 크기- 2박자 및 3박자 크기, 2박자 또는 3박자에 하나의 악센트(2/4,3/4,3/8)가 있음

5단 프렛- 펜타토닉 스케일을 참조하세요.
박자표- 악보의 시작 부분에 설정되는 분수 형태의 숫자입니다. 분수의 분자는 한 마디의 박자 수를 나타내고 분모는 이러한 박자의 지속 시간을 나타냅니다.
등록하다- 주로 음색과 같은 특정 특성으로 결합된 소리의 일부입니다. 각 음색이나 악기에는 고음, 중음, 저음의 세 가지 레지스터가 있습니다.
재현부- 1. 음악 작품의 일부가 반복되는 표시입니다. 2. 일부 변경 사항을 적용하여 주제를 다시 설명합니다.
암송- 구어체 연설과 노래 사이의 중간을 나타내는 음악 낭송. 마치 노래를 부르는 것처럼.
율- 음악의 소리 지속 시간을 체계적으로 정리한 것입니다.
관련 키- 일반적인 소리의 수가 가장 많은 음색. 관련 조성에는 평행 조성, 지배적 조성 및 그 평행, 하위 지배적 조성 및 그 평행, 장조에서 하위 지배적인 단조(화성)의 조성 및 주요에서 지배적인 장조(화성)의 조성이 포함됩니다.
미성년자.
로맨스- 반주가 있는 성악곡입니다. 로맨스는 때때로 선율적이고 선율적인 성격을 지닌 악기의 이름으로 발견됩니다.
론도- 하나의 주요 주제를 바탕으로 여러 번 반복되는 극입니다(후렴). 이 주요 주제가 반복되는 사이에 다른 주제(에피소드)가 포함됩니다.
순서- 다양한 음계 수준 또는 특정 간격으로 멜로디 또는 화성 전환을 반복합니다.
육도 음정- 6개 단계로 구성된 간격입니다. 4음 반으로 구성된 섹스타를 장조라고 합니다. 4개의 성조로 구성된 섹스타를 단조라고 합니다. 메이저 6도는 6.6, 마이너 6도는 m.6으로 지정됩니다.
섹스타코드- 하단에 3차 음이 있는 3화음의 첫 번째 반전은 숫자 6으로 표시됩니다.
육중주-6명의 연주자로 구성된 뮤지컬 앙상블.
두번째- 두 단계를 포함하는 간격입니다. 1초가 하나의 톤으로 구성되면 그레이트초(Great Second)라고 합니다. 초가 반음으로 구성되어 있으면 작은 초(Small Second)라고 합니다. 장초는 6.2로 지정되고, 단초는 m.2로 지정됩니다.
두 번째 합의- 하단에 7도가 있는 7도 코드의 세 번째 반전으로 숫자 2로 표시됩니다.
일곱 번째 코드- 3도에 위치하거나 위치할 수 있는 4개의 소리로 구성된 코드입니다.
칠중주- 7명의 연주자로 구성된 음악 앙상블.
제칠- 7단계로 구성된 간격입니다. 7도음이 5음 반으로 구성되면 장조라고 합니다. 셉티마가 5개의 톤으로 구성되어 있으면 마이너라고 합니다. 장7도는 6.7로, 단7도는 m.7로 표시됩니다.
교향곡- 여러 악장(보통 4악장)으로 구성된 관현악곡입니다. 교향곡의 발전은 소나타 형식의 원리에 기초를 두고 있습니다.
당김- 비트 강세를 강한 비트에서 약한 비트로 옮깁니다.
스케르초- 대부분 생동감 넘치고 유머러스한 성격을 지닌 음악 작품입니다. 스케르초는 독립적인 음악 작품일 수도 있고 또 다른 대규모 작품의 일부일 수도 있습니다.
모리시- 첫 번째 옥타브의 G 음표가 보표의 두 번째 줄에 있음을 나타내는 일반적인 기호입니다.
복잡한 차원- 두 개 이상의 동일한 단순 차원을 병합하여 형성된 차원입니다.
무작위 우연- 메모 바로 앞에 우연한 기호가 배치되었습니다.
혼합 크기- 시간(두 개 이상의 동일하지 않은 단순 크기를 병합하여 형성된 측정값입니다.
독주- 한 명의 가수나 음악가가 작품(또는 그 일부)을 연주하는 경우.
솔페지오- 음악적 귀의 발달을 촉진하는 특별 수업.
소나타- 여러 부분으로 구성된 대규모 악기 작품으로, 그 중 하나(보통 첫 번째 부분)는 소나타 알레그로(소나타 알레그로 참조)라고 불리는 특별하고 복잡한 형식을 갖습니다.
소나타 알레그로- 세 가지 주요 섹션으로 구성된 음악 작품의 형식: 1) 설명, 즉 주제별 자료의 발표 2) 전시회에서 제시된 주제를 더욱 발전시키는 개발; 3) 재현, 즉 일부 변경 사항을 적용하여 주요 주제를 다시 설명합니다.
소나티나- 소나타는 크기가 작고 비교적 연주하기 쉽습니다.
소프라노- 높은 여성 목소리. 오페라 "Eugene Onegin"에서 Tatiana의 역할과 P. Tchaikovsky의 오페라 "The Queen of Spades"에서 Lisa의 역할은 소프라노를 위해 작성되었습니다.
복합 간격- 한 옥타브보다 넓은 간격, 스타카토 - 갑작스러운 소리의 실행. 음표 위나 아래에 점으로 표시됩니다.
단계- 모드 사운드의 서수 지정. 로마숫자로 표시되어 있습니다.
서브도미넌트- 프렛의 4도.
서브도미넌트 트라이어드- 모드의 4도를 기반으로 구축된 트라이어드입니다.
모음곡- 여러 개의 독립적인 부분으로 구성되고 내용이 다양하며 대조 원칙을 기반으로 하는 다중 부분 작업입니다.
재치- 한 박자에서 다음 박자까지의 음악 부분입니다.
바 라인- 막대를 서로 분리하는 수직선. 바 라인은 바의 다운 비트 앞에 배치됩니다.
음색- 주어진 목소리나 악기의 소리 특성.
강화된 튜닝- 각 옥타브가 12개의 동일한 부분(반음)으로 나누어지는 시스템입니다.
속도- 음악 연주 속도.
테너- 높은 남성 목소리. 오페라 "Eugene Onegin"에서 Lensky의 역할과 P. Tchaikovsky의 오페라 "The Queen of Spades"에서 Herman의 역할이 테너를 위해 작성되었습니다.
테너 음자리표- 키업 유형 중 하나입니다. 보표의 네 번째 줄에 배치되며 이 줄에 첫 번째 옥타브까지의 음표가 있음을 나타냅니다. 첼로, 바순, 트롬본의 음표는 테너 키로 작성됩니다.
테트라코드- 4개의 멜로디 시퀀스) 소리는 쿼트 볼륨으로 초 단위로 배열됩니다. 스케일 I, II, III, IV 도는 첫 번째 또는 아래쪽 테트라코드를 형성하고, V, VI, VII, VIII 도는 두 번째 또는 위쪽 테트라코드를 형성합니다.
테르즈데시마- 13단계(1옥타브의 육타)로 구성된 간격입니다. 테르시데시마(tercidecima)가 10.5음으로 구성되면 장조(major)라고 합니다. 테르시데시마(tercidecima)가 10개의 성조로 구성되면 단조(minor)라고 합니다. 메이저 tercidecima는 b.13으로 지정되고, 마이너 tercdecima는 m.13으로 지정됩니다.
테르셋- 일반적으로 보컬로 구성된 세 명의 연주자를 위한 음악입니다.
제삼- 세 단계로 구성된 간격입니다. 세 번째 음이 두 개의 성으로 구성되면 장조라고 합니다. 3분의 1음이 1.5음이면 단조라고 합니다. 장3도는 b로 지정됩니다. 3, 마이너 3도 m.3.
3쿼터 코드 - 맨 아래에 5번째 코드가 있는 7번째 코드의 두 번째 반전(3/4로 표시)
열쇠- 프렛 높이. 각 음조는 소리의 구성을 결정하는 주요 변경 기호로 구별됩니다.
토닉- 프렛의 첫 번째 단계.
토닉 트라이어드- 모드의 1도에 구축된 트라이어드입니다.
전치- 음악의 일부나 그 일부를 한 건반에서 다른 건반으로 옮기는 것입니다.
삼인조- 3도음으로 배열되거나 배열될 수 있는 세 가지 소리의 화음입니다.
트릴(멜리스마)- 메인 및 상위 보조 사운드의 균일하고 빠른 교대.
트레몰로- 같은 소리를 빠르게 반복하거나 여러 소리를 연구합니다.
세 쌍둥이- 일반적인 두 음표 그룹 대신 세 음표의 리듬 모양이 음표 위 또는 아래에 숫자 3으로 표시됩니다.
트리톤- 세 가지 음을 포함하는 간격의 이름입니다. 삼중음에는 증4도와 감5도가 포함됩니다.
증강된 트라이어드- 2개의 장3도로 구성된 3화음, 증5도를 형성하는 극단적인 소리. 3도의 하모닉 마이너와 6도의 하모닉 메이저에서 발생합니다.
서장- 전체 작품의 주요 아이디어를 간결하게 설명하는 소개(오페라, 드라마 또는 기타 연극 작품). P. Tchaikovsky의 "1812" 및 "Romeo and Juliet" 서곡과 같이 일반적으로 프로그래밍 방식의 독립적인 오케스트라 서곡이 있습니다.
감소된 오프닝 7th 코드- 하모닉 메이저 또는 하모닉 마이너의 VII도를 바탕으로 만들어진 7번째 코드입니다. 감3화음과 감7도 또는 3단3화음으로 구성됩니다.
감소된 트라이어드- 2개의 마이너 3도로 구성된 3화음, 감5도를 형성하는 극단적인 소리. VII 도의 자연 장조와 II 및 VII 도의 화성 장조 또는 단조로 발생합니다.
운데시마- 11단계(4~1옥타브)로 구성된 간격입니다. 운데시마는 8개 반음으로 구성되면 순음이라고 합니다. 순수 운데시마는 파트 11로 지정됩니다.
조화- 두 소리의 높이가 정확히 일치합니다.
조화로운 안정된 간격- 두 소리가 모두 안정적인 간격, 즉 토닉 트라이어드에 포함됩니다.
조직- 음악의 표현 수단을 제시하는 방법. 주요 질감 유형: 보컬, 악기, 합창, 오케스트라, 피아노 등
페르마타- 작업의 성격, 연주자의 의도 및 취향에 따라 소리 또는 일시 정지 기간의 임의 증가를 나타내는 기호입니다.
마지막- 음악 작품의 마지막, 마지막 부분의 이름입니다.
피아노- 건반을 눌렀을 때 현을 망치로 치면 소리가 나는 악기의 총칭입니다.
유예기간이 길다- 멜리스마는 메인 사운드 이전에 수행되는 하나의 사운드로 구성됩니다(항상 비용이 발생함). 긴 그레이스 노트의 지속 시간은 일반적으로 메인 사운드 지속 시간의 절반과 같습니다.
그레이스 노트는 짧습니다.- 멜리스마(melisma)는 주 소리 전에 재생되는 하나 이상의 매우 짧은 소리로 구성됩니다.
말씨- 음악 작품을 연주할 때 음악 문구를 명확하게 식별합니다.
프리지아 모드- 포크 음악에서 볼 수 있는 특별한 모드입니다. 자연 단음 II와는 낮은 정도 차이가 있는데, 이를 프리지안 초라고 합니다.
화성장조의 특징간격- VI 감소로 인한 간격 증가 및 감소
하모닉 메이저 학위. 고조파 장조의 특징적인 간격은 다음과 같습니다. uv. 2 그리고 그 매력은 마음입니다. 7, 자외선. 5 그 매력은 마음입니다. 4.
하모닉 마이너의 특성 간격- VII 증가로 인한 간격 증가 및 감소
하모닉 마이너의 학위. 하모닉 마이너의 특징적인 간격은 다음과 같습니다. uv. 2 그리고 그 매력은 마음입니다. 7, 자외선. 5 그 매력은 마음입니다. 4.
성가대-1. 대규모 가수 그룹. 어린이, 여성, 남성 및 혼합 합창단이 있습니다. 2. 합창 연주를 위한 곡.
색채 기호- 변경 표시와 동일합니다.
반음계- 하프톤으로 구성된 스케일입니다. 반음계는 장초를 중간 반음으로 채워서 형성됩니다.
반음계 반음- 같은 이름의 인접한 소리로 구성된 반음. 예를 들어, 할 일 # , 미미 비 .
반음계- 같은 이름의 인접한 소리로 구성된 톤. 예를 들어 do-do X, mi-mi 등이 있습니다.
카이수라- 음악이 해체되는 순간 문구 사이에 짧고 거의 눈에 띄지 않는 일시 중지.
전체 톤 스케일- 온음 기반의 6단계 음계: 도레미파 # -라 비-cu 비-전에. 이 모드에서는 토닉을 포함한 모든 트라이어드가 강화됩니다.
초등음악이론- 음악 기보법과 음악의 기본 요소인 선법, 음계, 음정, 박자, 리듬, 화음 등을 연구하는 학문입니다.
조화롭게 동일한 소리- 소리의 높이는 같지만 이름이 다릅니다(예: do - si) # )
이조파적으로 동일한 간격- 간격은 소리와 포함된 성조 수는 동일하지만 이름과 포함된 단계 수는 다릅니다(예: do - mi) 비=할 - 다시 # , 도-파 # =하다 - 소금 비) .
조화롭게 동일한 음조- 음조는 소리는 동일하지만 이름이 다릅니다. 음악 연습에서 발생하는 조의 최대 7개 기호 중 장조에서 이음파 동일성이 있는 경우는 3가지(B장조 = C장조, F#장조 = Gb장조, C#장조 = D장조) 3가지 경우이고, 마이너 (G # 마이너 = A b 마이너, D # 마이너 = E b 마이너, A # 마이너 = b 마이너).

음악 용어현대 공연예술의 기초이다. 용어가 없으면 음을 적을 수 없고, 음표가 없으면 전문 음악가나 가수가 연주하거나 노래할 수 없습니다. 용어는 학문적입니다. 시간이 지나도 변하지 않으며 과거의 일이 되지도 않습니다. 300여년 전에 발명되었지만 여전히 관련성이 있습니다.

음악에서 가장 유명한 기본 용어:

• 아르페지오- 소리가 차례로 배열될 때 코드의 음을 순차적으로 교대합니다.
• 아리아– 오케스트라와 함께 연주되는 오페라의 일부인 성악 작품.
• 변형– 다양한 컴플리케이션으로 연주되는 기악 작품 또는 그 발췌곡.
• 감마- 옥타브가 반복될 때까지 혼합 없이 위아래로 특정 순서로 음을 번갈아 가며 나타냅니다.
• 범위– 악기나 음성의 가장 낮은 소리와 가장 높은 소리 사이의 간격.
• 규모- 음계와 비슷하게 높이가 일렬로 배열된 소리입니다. 음계는 음악 작품이나 그 발췌본에 나타날 수 있습니다.
• 칸타타– 오케스트라, 솔리스트 또는 합창단의 콘서트 연주를 위한 작품.
• 건반– 피아노 연주나 피아노 반주에 맞춰 노래하기 위한 교향곡이나 오페라 편곡.
• 오페라- 드라마와 음악, 음악과 발레를 연결하는 가장 중요한 음악장르.
• 전주곡– 본곡 시작 전 소개. 작은 조각의 독립적인 형태로 사용할 수 있습니다.
• 로맨스– 반주와 함께 보컬 연주를 위한 곡입니다. 로맨틱한 분위기와 멜로디가 특징이다.
• 론도– 후렴구 사이에 다른 동반 에피소드를 포함시켜 작품의 주요 주제를 반복합니다.
• 교향곡- 오케스트라가 4부로 연주하는 곡입니다. 소나타 형식의 원리를 바탕으로 합니다.
• 소나타– 여러 부분으로 구성된 복잡한 형태의 악기 작품으로, 그 중 하나가 지배적입니다.
• 모음곡- 내용이 다르고 서로 대조되는 여러 부분으로 구성된 음악 작품입니다.
• 서장– 작품 소개, 주요 내용을 간략하게 공개합니다. 오케스트라 서곡은 원칙적으로 독립적인 음악 작품입니다.
• 피아노– 건반을 사용하여 현을 망치로 치는 원리로 작동하는 악기의 통일된 이름입니다.
• 반음계– 장초를 중간 반음으로 채워서 형성된 반음 단위입니다.
• 조직- 음악을 표현하는 방법. 주요 유형: 피아노, 성악, 합창, 관현악, 기악.
• 열쇠– 높이에 따른 프렛의 특징. 음조는 소리의 구성을 결정하는 주요 변경 기호로 구별됩니다.
• 제삼– 3단계 간격.
• 메이저 3번째- 두 톤의 간격.
• 마이너 3분의 1- 1.5음 간격.
• 솔페지오– 음악에 대한 청력을 개발하고 더 나은 발전을 이루기 위한 개인교습 원칙에 기초한 수업입니다.
• 스케르초– 가볍고 장난스러운 성격의 음악적 스케치. 주요 음악 작품의 필수 부분으로 포함될 수 있습니다. 독립적인 음악이 될 수도 있습니다.

음악의 스타일과 장르를 정의하는 용어:

• 느린 악장(adagio) - 침착하게, 천천히.
• 아지타토(adgitato) - 흥분된, 흥분된, 충동적인.
• 안단테(안단테) - 신중하게, 천천히, 신중하게.
• 열정적인(appassionato) - 활기차고 열정적입니다.
• 가속도(accelerando) - 속도를 높이고 가속합니다.
• 칼얀도(calando) - 페이딩, 속도 감소 및 압력 감소.
• 칸타빌레(칸타빌레) - 멜로디하게, 멜로디하게, 감정을 가지고.
• 콘 돌체레차(con dolcherezza) - 부드러움과 부드러움.
• 콘 포르자(con forza) - 강력하게, 단호하게.
• 디크레센도(감소) - 소리 강도가 점차 감소합니다.
• 돌체(돌체) - 부드럽게, 달콤하게, 부드럽게.
• 돌로로소(doloroso) - 슬픔으로, 불쌍하게도, 절망으로.
• 장점(forte) - 큰 소리로, 힘차게.
• 매우 강하고 크게(fortissimo) - 매우 강하고 시끄럽고 천둥소리가 납니다.
• 라르고(largo) - 넓게, 자유롭게, 천천히.
• 레가토(레가토) - 원활하게, 침착하게, 고요하게.
• 렌토(lento) - 천천히, 더욱 느려집니다.
• 레지에로(legiero) - 쉽게, 매끄럽게, 생각 없이.
• 장엄한 것(maestoso) - 장엄하고 엄숙합니다.
• 미스테리오소(misterioso) - 조용하고 신비한.
• 모데라토(모데라토) - 적당히, 편곡하여, 천천히.
• 피아노(피아노) - 조용히, 조용히.
• 매우 여리게(pianissimo) - 매우 조용하고 조용합니다.
• 프레스토 악장(presto) - 빠르고 강렬하게.
• 젬퍼(sempre) - 변함없이 끊임없이.
• 스피리투오소(spirituozo) - 영적으로, 느낌으로.
• 단음(스타카토) - 갑자기.
• 비바체(vivace) - 활발하고, 빠르고, 논스톱.
• 비보(vivo) - 템포, 프레스토와 알레그로 사이의 평균입니다.

기술적 성격의 음악 용어:

• 모리시– 첫 번째 옥타브 "G"의 음표가 악보의 두 번째 줄에 있음을 나타내는 특수 아이콘이 악보의 시작 부분에 배치됩니다.
• 베이스 음자리표– 보표의 네 번째 줄에 있는 작은 옥타브의 "F" 음표 위치를 확인하는 아이콘입니다.
• 자연스러운– "플랫" 및 "샤프" 기호의 취소를 나타내는 아이콘. 변화의 징조입니다.
• 날카로운– 소리가 반음씩 증가함을 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 평평한– 소리가 반음씩 감소함을 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 이중 샤프- 소리가 반음 2개, 온음 증가했음을 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 더블 플랫- 소리가 반음 2개, 온음 감소했음을 나타내는 아이콘입니다. 변화의 징조입니다.
• 자탁트- 음악을 탄생시키는 불완전한 소절.
• 표지판는 기보법을 축약한 것으로, 범위가 넓을 경우 기보법을 단순화하는 역할을 합니다. 가장 흔한 것은 트레몰로, 재현 기호, 멜리스마틱 기호입니다.
• 퀸톨- 음표 아래 또는 위에 숫자 5로 상징되는 일반적인 4개 음표 그룹을 대체하는 5개 음표 형태입니다.
• 열쇠– 다른 소리와 관련하여 음계에서 소리가 녹음되는 위치를 나타내는 아이콘입니다.
• 주요 징후– 키 옆에 변경 아이콘이 배치됩니다.
• 메모- 소리의 피치와 지속 시간을 나타내는 보표 라인 중 하나 또는 그 사이에 배치되는 아이콘입니다.
• 직원– 메모를 위한 5개의 평행선. 음표 기호의 배열은 아래에서 위로 수행됩니다.
• 점수– 음성과 악기의 호환성을 고려하여 작품 연주에 참여하는 각 참가자별로 별도의 악보를 사용합니다.
• 재현부– 작품의 특정 부분의 반복을 나타내는 아이콘입니다. 일부 변경 사항을 적용하여 조각을 반복합니다.
• 단계– 로마 숫자로 표시되는 모드 사운드 순서 지정.